Джон Петруччи (John Petrucci, b. 1967), американский гитарист, участник группы «Dream Theater» и один из самых популярных гитаристов вообще, со своей гитарной техникой и музыкой был самой значительной фигурой прог-метала на протяжении 30 лет.
В 2019 году исполнилось 30 лет с того момента, как Dream Theater выпустили свой дебютный альбом «When Dream and Day Unite».
В то время не было особой сцены для той музыки, которую мы исполняли. Прог-рок сцена 70-х годов вроде бы уже прошла, и хотя некоторые из таких групп по-прежнему развивались, эта музыка больше не была популярной.
Более того, прог-метала на самом деле вообще не было. Это была просто очень небольшая группа парней — мы, «Fates Warning», «Watchtower» и, возможно, «Queensrÿche» с их ранними альбомами — вот и всё. Но сегодня всё по-другому: огромное генеалогическое прог-дерево, ветви которого уходят всё дальше и дальше, расширяется в разные музыкальные стили. Это действительно невероятная вещь. Это продолжает расти и расти.
Нет ничего гиперболического в том, чтобы сказать, что главная причина этого роста — Джон Петруччи. С тех пор Петруччи постоянно расширяет границы шестиструнного мира с точки зрения скорости, ловкости, технических возможностей и креативности. Он также помог создать новые образцы оборудования (как передовые, так и популярные), сотрудничая с компаниями-производителями.
Всё это время Dream Theater оставался твёрдо признанным ведущим лицом в современном проге. В их последнем альбоме «Distance Over Time» 2019 года звучала самая тяжёлая, энергичная и напряжённо сфокусированная музыка за всю длительную карьеру группы.
Далее пересказ небольших фрагментов из свежего интервью.
Излишне говорить, что вы демонстрировали великолепную игру в течение многих лет, если вести речь о технической стороне. Как вы поддерживаете своё желание продолжать двигаться вперёд?
Прежде всего, я люблю играть на гитаре. Это облегчает желание подтолкнуть себя исследовать разные вещи. А во-вторых, я играю с некоторыми из величайших музыкантов мира.
Некоторые из идей, которые приходят от игроков, таких как Jordan Rudess (клавишные), John Myung (бас) или Mike Mangini (ударные) — сами по себе толкают меня, потому что когда они делают какие-то сумасшедшие вещи, я думаю: «Что ты там делаешь? Дай мне посмотреть, смогу ли я сделать это на гитаре?». И внезапно у меня появляется новая вещь, которую я никогда раньше не пробовал.
И для любого гитариста, важная часть продвижения вперёд должна вдохновляться другими игроками. Вы слышите что-то, чего раньше никогда не слышали, пытаетесь выучить это и включить в свою игру. Это может быть что угодно, что заставляет вас выходить за пределы своей зоны комфорта.
Это не должно быть чисто техническим. Может быть, это просто крутящийся в голове ритм или синкопа, которая будет стимулировать не только ваши руки и двигательные навыки, но и ваш мозг.
За последние несколько лет произошел взрыв молодых гитаристов — иногда, в буквальном смысле, детей — которые играют с потрясающей техникой. Посмотрите на YouTube в любой день, и вы сможете найти десятки таких, издающих невероятные звуки. Что вы думаете об этом развитии?
Прежде всего, это потрясающе. Музыканты и исполнители становятся лучше, опираясь на то, что было раньше, так же, как спортсмены продолжают бить новые рекорды.
Что касается гитары, то электрогитара существовала в этом контексте вообще-то не слишком долго. Таким образом, уровень мастерства рос в геометрической прогрессии, а сами инструменты становились лучше, так что на них становилось легче играть, что также способствовало всему этому.
Но, наверное, самое главное, это то, как люди учатся сейчас. Теперь, с YouTube, вы можете точно видеть, как именно люди делают все вещи, есть транскрипции и табулатуры, видео и пошаговые инструкции.
Вам не нужно далеко ходить, чтобы всё понять. Когда я был моложе, люди, на которых я могу указать как на величайших игроков, имели определённый уровень техники, и единственный способ, которым вы могли понять эту технику, было увидеть их вживую или, возможно, взять запись и попытаться замедлить её.
Мы достигли той точки, когда восьмилетний ребенок может играть то, что играю я, или то, что играет Пол Гилберт. И это стало новой нормой и новым стандартом. Если этим занимается восьмилетний ребенок, а я сижу здесь, и мне 30, 40 или 50 лет, у меня нет никаких «оправданий».
Вы когда-нибудь думали про себя что-нибудь вроде «не знаю, смогу ли я это сделать», глядя на этих игроков на YouTube?
(Смеётся) определённо. Гитара для них слишком большая, но они как бы улыбаются, на их лицах нет напряжения, они просто играют. Это похоже на то, что мы, взрослые, их догоняем, но ещё чего-то не поняли... У них есть такая уверенность и легкость.
Видео: «Super Mario Bros. Theme feat. John Petrucci | FamilyJules».
Хотя люди склонны обсуждать технические аспекты вашей игры, вы всегда были в равной мере сосредоточены на мелодии и прочих музыкальных аспектах инструмента.
Думаю, наибольшее внимание в своём творчестве как музыканта я уделяю мелодиям и написанию песен, хотя они обернуты в стиль прогрессивного металла и могут быть довольно техничными.
Потому что сильная тема просто затрагивает ваше сердце, понимаете? Есть мелодии, которые написаны таким образом, что они просто «подключаются» к нам. Вот почему я люблю Дисней или старые песни Barry Manilow.
Если бы вы сыграли на гитаре некоторые из таких мелодий, вы бы увидели, насколько хорошо они написаны. Во мне есть какая-то очень сентиментальная часть, которая хочет играть красивые, яркие мелодии, которые помогают создать эмоциональную связь между различными риффами, всеми этими техничными частями и сложными размерами. Это те части, которые можно петь.
Нет ничего лучше, чем играть, когда 10000 человек поют гитарную мелодию, которую вы играете. Это абсолютно невероятно. И это, в некотором смысле, сложнее развивать и достигать, чем техническую сторону. Это то, что определенно требует работы.
Что является ключом к тому, чтобы стать успешным музыкантом и оставаться на коне?
Вы должны усердно работать. И вы должны уделять этому время. Вы должны всегда оставаться голодным, не быть самодовольным и не быть полностью удовлетворённым тем, где вы находитесь. И вы просто должны быть творческим человеком.
Поклонники Dream Theater всегда ждут новую музыку, которую мы выпустим. И когда мы играем вживую новый материал, смешанный с более старым, не имеет значения, была ли наша песня написана 20, 30 лет назад или шесть месяцев назад. Всё это получает одинаковое признание и приём аудитории. И это ценно.
Так что же, секрет успеха заключается в том, чтобы не иметь кучу хитов?
(Смеётся.) Да, именно так! У Dream Theater был только один хит, так что мы именно так и делаем.
По материалам статьи (англ.). Читайте также: Гитара в надёжных женских руках: Gina Gleason и Baroness.