Несмотря на то, что голливудское кино, на данный момент, занимает лидирующие позиции в производстве фильмов, было время, когда советские режиссеры привносили в кинематограф методы, которыми все пользуются и по сей день. Сейчас мы рассмотрим 5 случаев, когда советские режиссеры изменили кино навсегда.
1. Первая в мире киношкола
Русские влюбились в искусство кино очень рано. Первый российский театрализованный фильм датируется 1908 годом, что делает российский кинематограф одним из старейших в мире. К 1913 году в России было более 1300 кинотеатров, и было выпущено более 100 фильмов, что оказало большое влияние на европейское и американское кинопроизводство.
Поскольку революция, которая разгорелась в начале 20-ого столетия, заставила многих русских режиссеров эмигрировать, российское кино оказалось в стагнации. Но это, однако, не продлилось долго. Ленин провозгласил:
«Вы должны твёрдо помнить, что из всех искусств для нас важнейшим является кино».
К 1919 году киноиндустрия была национализирована. Вскоре после этого была создана первая в мире киношкола - московский ВГИК.
Советское руководство восприняло кино как основной способ общения с людьми, поощряя создание более реалистичных фильмов, отражающих темы из повседневной жизни.
Кинопроизводителям было приказано порвать с прошлым, создавая новые фильмы, которые могли бы поддержать коммунистическое общество. Это, в сочетании с нехваткой кинопродукции в то время, было важным факторам, который привел к разработке новых теорий фильма и методов редактирования.
2. Новый век в документальном кино
Документальные фильмы были центральной частью раннего советского кино.
Советское руководство, возглавляемое Лениным, дало творческую свободу кинематографистам, проложив путь для некоторых из самых влиятельных теоретиков кино. Хотя была относительная свобода экспериментировать, было ясно одно, фильмы должны быть сделаны для простого человека и о нем. Художник, в конце концов, должен видеть себя инженером, разнорабочим.
Дзига Вертов был влиятельным человеком в продвижении «соцреализма» в кинематографе, в конечном итоге изменив взгляд на документальный фильм. При съемках фильма «Правда о кино», состоящего из 23 частей, Вертов использовал повседневные ситуации, часто снимая людей, не подозревавших о об этом. Таким образом, Вертов полагал, что сможет создать более тесные отношения с аудиторией, удалив то, что он назвал «буржуазной направленностью» фильмов до советских времен. На самом деле, отношение Вертова с аудиторией были настолько близки, что он даже добавил свою контактную информацию в конце каждого эпизода.
Его самая известная работа «Человек с кинокамерой» (1929) - это саморефлексивный фильм, демонстрирующий искусство кинопроизводства. Его «сырой» стиль съемок позже вдохновит влиятельные французские движения 1960-х годов «Cinema Verite» и «Nouvelle Vague». Буквально недавно режиссер Стив МакКуин назвал работу Вертова «вдохновляющей» для фильма «12 лет рабства», которая получила премию Оскар.
3. Психологические фильмы
Исследования Лева Кулешова, которые больше напоминают психологический тест, чем исследование теории кино, доказали, что зрители воспринимают монтаж как важный момент. Теперь ставший культовым монтаж, на котором изображен мужчина с «серым» выражением лица, пересекаемый тремя разными сценами - тарелкой супа, мертвым ребенком и красивой женщиной – стал для зрителей нормой.
Эта демонстрация позволила Кулешову показать, что именно образы связаны друг с другом и создают смысл, а не само изображение. Этими приёмами активно пользовался Альфред Хичкок.
Эффект Кулешова
4. Интеллектуальный монтаж
Уникальный метод монтажа Эйзенштейна заключается в следующем: столкновение изображений, ритмическая стимуляция, тональное редактирование и, что впоследствии станет вершиной теории монтажа, «интеллектуальный монтаж».
С помощью интеллектуального монтажа Эйзенштейн изображал сложные идеи, казалось бы, не связанные между собой сцены. Это особенно заметно в его знаменитом фильме «Забастовка» (1925), где он пересекается между избиением быка и нападением полицейских на рабочих. Метафора проста, но жестокие люди подвергаются жестокому нападению. Этот метод с тех пор был повторен бесчисленное количество раз с аналогичным эффектом.
5. Поэтические образы
Советского режиссера Андрея Тарковского часто называли визуальным поэтом. Он считается основоположником "поэтического кино". Его талант изобразить трансцендентность между реальным и духовным, не становясь религиозным, изменил восприятие кино людьми.
Под влиянием своего поэта-отца Тарковский всегда стремился преодолеть разрыв между поэзией и кино. Хотя его новый и в то время экспериментальный тип кинематографии не был сразу признан, он вскоре стал фаворитом основной аудитории и критиков во всем мире.
Известный режиссер Ингмар Бергман - один из любимых режиссеров Тарковского - также был большим поклонником советского режиссера. Когда его спросили о Тарковском, он охарактеризовал его следующим образом: «величайший [режиссер], тот, кто изобрел новый язык, верный природе фильма, поскольку он отражает жизнь как отражение, жизнь как мечту».
Современный пример вечного влияния Тарковского на фильм можно увидеть в фильмах Ларса фон Триера, который посвятил фильм советскому режиссеру.
