Le primitivisme a commencé à s'approprier les formes de l'art dit "primitif" et a joué un rôle important dans le changement radical de direction de la peinture européenne et américaine à partir de la fin du XIXe siècle.
Depuis la fin du XIXe siècle, l'afflux d'art tribal en provenance d'Afrique, d'Océanie et des Indiens en Europe offre aux artistes un nouveau vocabulaire visuel à explorer. Le primitivisme a donné aux artistes, à bien des égards, l'occasion de remettre en question les traditions stagnantes de la peinture européenne.
L'utilisation de formes plus simples et de figures plus abstraites au sens de l'art primitif diffère considérablement des styles de représentation européens traditionnels, et des artistes modernes tels que Gauguin, Picasso et Matisse les utilisent pour révolutionner la peinture et la sculpture.
Si le primitivisme était à première vue une tentative de s'approprier et de souligner le statut des arts tribaux, c'était un mouvement européen qui rejetait souvent l'art apporté en Europe par des influences extérieures sans étendre l'art intérieur.
Tout au long de la fin du XXe et du XXIe siècle, les artistes et les chercheurs ont cherché à contextualiser le primitivisme sur le plan historique et à mettre en lumière ses lacunes en tant que cadre pour comprendre l'art hors d'Europe.
Idées de base du primitivisme
L'héritage durable du primitivisme et les notions de longue date de la qualité inférieure de l'art colonisé.
Artistes importants et artistes du primitivisme
Les œuvres d'art suivantes sont parmi les plus importantes qui ont été créées pendant le primitivisme. Ils donnent un aperçu des idées les plus importantes du mouvement et des plus grandes réalisations de chaque artiste de ce mouvement.
Vision après le sermon
Description et analyse de l'œuvre : Gauguin présente une scène visionnaire au spectateur : les femmes en cercueils blancs et vêtements sombres, dont certaines ont fermé les yeux et se tiennent les mains dans des gestes de prière, se tiennent dos au spectateur qui voit une scène de l'Ancien Testament.
Au centre de l'intrigue se trouve la scène de Jacob aux prises avec un ange. Gauguin place la vision spirituelle sur un fond rouge non-naturaliste, ce qui contredit la représentation de la réalité qui prévaut depuis la Renaissance.
L'espace plat, presque sans perspective, et les formes simplifiées parlent du nouveau langage pictural que Gauguin et d'autres symbolistes ont développé à l'époque
Gauguin combine les formes simplifiées et aplaties de sa composition avec ce qu'il considère comme la primitivité du peuple breton. Ces abstractions ne correspondaient pas à une réalité observable, mais à une signification intérieure qui avait des parallèles avec les pratiques religieuses bretonnes et l'esthétique symboliste.
Description et analyse de l'œuvre : Les Demoiselles d'Avignon est l'un des tableaux les plus célèbres du XXe siècle et présente cinq femmes nues dans différentes poses. Quatre des cinq femmes regardent le spectateur. Leur corps est angulaire et abstrait, trois d'entre eux ont des visages masqués.
Alors que le scénario est stylisé avec des échos d'un rideau et d'une nature morte sur une table basse au premier plan, les nombreuses études de Picasso montrent clairement que les femmes sont dans un bordel.
Dans cet ouvrage novateur, Picasso combine ses études sur l'art primitif de la sculpture ibérique et africaine (par exemple les masques tribaux) avec des références à El Grec et Michel-Ange pour créer une nouvelle solution globale qui sera très populaire au cours du XXe siècle et marquera un tournant sur le chemin du modernisme.
Description et analyse de l'œuvre d'art : Dans ce tableau grand format, Karcher transfère à son atelier l'espace extérieur idyllique habituel des baigneurs traditionnels, brillamment teint et décoré d'artefacts et de tissus pseudo-primitifs. Des statues hautes et sombres ornent le panneau de porte au milieu du rez-de-chaussée et un rideau de couleur sépare deux pièces à gauche.
Karcher connaissait bien les sculptures africaines et océaniques qu'il avait vues au Muséum fur Volkerkunde de Dresde. Si les sculptures et le rideau sont vagues et non spécifiques, comme le souligne l'historienne de l'art Fil Par, les objets primitifs, ainsi que les couleurs vives, les distorsions et la position angulaire des figures, indiquent une expression "authentique" qui était alors associée à des cultures primitives ou non civilisées.
Description et analyse de l'œuvre : Les surréalistes s'intéressaient certes plus que les autres artistes modernes aux formes d'art primitif, mais ils s'intéressaient profondément aux mentalités sous-jacentes étudiées par les anthropologues dans les premières décennies du XXe siècle.
Ainsi, l'anthropologue français Lucien Lévy Bru hl a décrit que les peuples primitifs comprenaient le monde dualiste, avec les domaines physique et spirituel, et que le spirituel animait le physique. De plus, Lévy Bru hl a reconnu que les rêves sont le lieu crucial où les deux royaumes se chevauchent. Associés à l'interprétation des rêves de Freud, les surréalistes ont adopté ces notions de pensée primitive en décrivant le rôle de l'artiste comme une sorte de magicien ou de chaman capable d'ouvrir des domaines inconscients.
La Belle (Jardin) ère a probablement été détruite pendant le national-socialisme, après que l'œuvre ait été présentée dans l'exposition "Dégénérât Art" en 1937. Dans ce tableau, une figure féminine nue se tient sur un minuscule paysage. Le haut de son corps ressemble à un modèle anatomique à utiliser pour la dissection, et un oiseau blanc flotte devant sa région pubienne. Derrière elle, il y a aussi le profil spectral d'une figure.
Ernst a clairement basé cette figure sur une image d'une figure tatouée des îles Marcheras. Ernst écrit que l'homme papou, qui représentait l'homme primitif en général, "possède tous les secrets et réalise un plaisir ludique dans sa relation avec la nature".