( дети 9-10 лет.)
У всякого явления есть своя природа, есть свои корни, есть то, из чего оно, появляется. Искусство не является исключением - у него тоже есть своя природа, свои корни. Их истоки находятся как в самом художнике, так и в том обществе, в котором он живёт.
Давайте представим себе, в каком обществе жил первобытный художник. Племя первобытных людей в постоянной борьбе за выживание. Охота на зверя, добывание пищи – главный смысл жизни. Во чтобы то ни стало - поймать добычу, убить зверя- иначе дети, женщины, старики, да и сами охотники, будут голодными, племя не выживет. Значит, добыть зверя любой ценой. А он – сильный, могучий бизон, или быстроногий олень, или свирепый, клыкастый кабан, а то и гигантский мамонт. Он, зверь, хитер, умён и силен. Он не подпустит близко и убежит, или наоборот, нападёт первым и сильно поранит, а то и лишит жизни. Нет, охота первобытного человека, это не развлечение, это тяжёлый, опасный для жизни труд - обязательный и необходимый. Что же придумать, как помочь себе в этом главном деле твоей жизни?
- А что если, - мысль первобытного человека напряжённо работает, – а что если попробовать попросить самого зверя помочь ему, человеку, на охоте? Но как? Он ведь не будет стоять и слушать просьбы. Он или убежит или нападёт. Тут надо что-то придумать. А что если нарисовать этого зверя и поговорить с рисунком. Нарисованный - он ведь никуда не убежит, да и опасен, не будет. Это верная мысль, надо только попробовать. Только вот кто будет рисовать? Тут ведь нужна особая рука и особый глаз. Старейшины племени совещаются и предлагают кому-нибудь попробовать. Вызывается один из охотников племени. Он хороший следопыт, знает повадки зверя, знает, как он выглядит. Он хочет попробовать. Только вот где, будет этот рисунок? Старейшины думают и решают: может быть прямо здесь, на стене пещеры? Наконец пришли к общему мнению: пусть рисунок зверя будет рядом, пусть он будет на стене их пещеры, в которой они живут. Ведь тогда, с ним всегда можно будет поговорить и это сделает каждый, кто захочет. А ещё, ему можно будет принести подарки, задобрить его, попросить его о чём-нибудь. И все члены племени будут его уважать, почитать и любить.
Ну что ж, теперь дело за Верным Глазом, это он вызвался рисовать, как-то у него получится?
И Верный Глаз рисовал. Рисовал так, что рисунки эти, сохранившись до нашего времени, удивляют и восхищают многих, видевших их. Они поражают зрителя своим великолепным художественным качеством. Они говорят о руке настоящего мастера, умевшего верно подмечать характер животного, особенности строения его тела, придавать своеобразный ракурс изображению. Увиденное первобытным художником в окружающей его жизни, позволяло его мыслям создавать изображение этого увиденного и тем самым, пробуждало в нём творческие, художественные способности. Он приобретал навыки художника. Его глаза внимательно смотрели, его мозг подмечал, думал и создавал. Он создавал уже другой, искусственный, то есть, придуманный мир, в корне отличающийся от настоящего и игравший свою, предназначенную ему роль, в жизни первобытного человека.
И действительно, у истоков искусства стоял первобытный человек, а точнее - его вымысел, его представления о явлении и умение это явление выразить.
Проходило время, человечество, накапливая материальный и духовный опыт, продолжало совершенствовать свои художественные приёмы. И каждый раз, они отражали знания, умения и представления человека о том, что может выразить слово, танец, рисунок, объёмная форма. Египтяне, Греки, Римляне, Византийцы и многие, многие другие народы, продолжали сочинять всё новые и новые разновидности искусства, осваивая методы его создания и накапливая большой художественный опыт. Время делало своё дело: человеческая мысль в поисках многочисленных ответов на волновавшие людей вопросы, продолжала рождать НОВОЕ. Появлялись новые технические средства, новые материалы, новые возможности, для строительства более совершенных и красивых зданий, украшения их мозаикой, фреской, скульптурой. Появлялись новые краски, которые хорошо ложились на огромное пространство стены и могли долго на ней жить. Создавались краски, приспособленные к дереву, холсту, бумаге. Осваивались всё новые и новые приёмы и способы нанесения краски на различную поверхность и достигались новые результаты. За всем этим стояли постоянные поиски человеческой мысли.
Постепенно, искусство, по определённым признакам и задачам, объединяется в виды, и каждый вид становится самостоятельным, отдельным, узаконенным. У каждого вида появляются свои материалы, приёмы и методы. Появляются свои названия. В изобразительном искусстве появляются: живопись, графика, скульптура. Но в каждом из этих видов, главным всегда было то, как художник придумает образ, каким его увидит в своём сознании и каким создаст. Какие бы задачи не стояли перед художником, какой бы заказ он не выполнял, конечный результат всегда зависел только от него. И главной причиной этого было то, что источником, творцом, был сам человек. Его мысли контролировали весь процесс: от зарождения собственно МЫСЛЕЙ по поводу произведения, до окончательного его создания. Искусство полностью принадлежит ЧЕЛОВЕКУ, его желаниям, фантазиям, вымыслам.
Особенно хорошо, это знают сами художники. Сколько духовных сил, времени, труда, уходит на поиски образа, сколько эмоциональных переживаний и волнений они испытывают. Сколько бессонных ночей порой проводит художник, заставляя напряжённо работать свои мысли. Именно им – мыслям, принадлежит результат его труда – ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ОБРАЗ. Так что давайте помнить, что природа искусства – это ВЫМЫСЕЛ ЧЕЛОВЕКА.
В. Пискурёв. 2005г.
ЗАЧЕМ ЧЕЛОВЕК ПРИХОДИТ В КАРТИННУЮ ГАЛЕРЕЮ?
( дети 9-10 лет ).
Работая много лет в картинной галерее, мне всегда интересно наблюдать за тем, как посетители смотрят на картины. И всегда это происходит по-разному. Одни, по залам проходят быстро, смотрят бегло, как будто куда-то торопятся. Другие, наоборот – смотрят подолгу, не спеша, внимательно. Каждый ищет что-то своё, ведь каждый зачем-то приходит, каждому, что-то надо от искусства. Но если бы вы спросили меня – Зачем? – то, мне кажется, что у меня есть свой ответ на этот вопрос.
Человек приходит в картинную галерею для того, чтобы стать зрителем. Даже если он и не думал об этом, то всё равно, вольно или невольно, приходя в художественный музей, человек становится зрителем. Ведь он пришёл и смотрит, значит, он - уже зритель. Вот только какой? Вы можете подумать - Странный вопрос, а какой может быть зритель - обыкновенный, смотрящий. Что ещё зрителю надо – смотри себе, да смотри, какая уж тут сложность?
Думающий так - не совсем прав. Человек становится зрителем в художественном музее, только при определённых условиях. То есть, что-то очень нужно и необходимо знать, чтобы человек из, просто смотрящего на картину, превратился в зрителя. Но, ЧТО? – вопрос непростой. Вот в нём и попробуем разобраться.
Итак, человек пришёл в картинную галерею и, войдя в зал, остановился перед картиной. Он видит изображение, обрамлённое рамой. Он понимает, что перед ним картина и на неё надо смотреть. Правильно, на картину надо смотреть и смотреть именно так, как надо. Извините меня за игру слов, но она здесь уместна. Потому что на картину действительно надо смотреть так, как надо. Потому что картина, это произведение изобразительного искусства, это особый организм, особое проявление творческих способностей человека. Картина несёт в себе особый заряд, особую энергетику её создателя и самое главное – картина создавалась по определённым знаниям, определённой технологии, определённым законам. Ведь художник, это человек, обладающий такими знаниями и умениями, которые обычному человеку, не связанному с изобразительным искусством - не известны. А значит, чтобы понимать художника, понимать его творческие поиски, его художественные мысли, необходимо хотя бы немного знать законы художественного творчества. Что же это за законы такие и где они прописаны? Они не прописаны нигде, но они складывались веками, тысячелетиями из того огромного опыта, который накапливал ЧЕЛОВЕК, пока в течение большого периода времени создавал тот или иной вид искусства. И раз уж картина принадлежит изобразительному искусству, то, наверное, надо попытаться поразмышлять о том, по каким законам живёт оно и существует. Но с чего начать? Да с самого главного - с того, что мы всегда должны помнить о том, что изобразительное искусство, в той части, к которой принадлежит картина, графическое произведение – это всегда ИЗОБРАЖЕНИЕ НА ПЛОСКОСТИ. Это фундамент и основа всего «здания». А раз так, то какие же из этого можно сделать выводы? Первый – мы с вами никогда не должны забывать, что картина это изображение на плоскости и что эта плоскость является частью самой картины. Даже если она всегда скрыта за изображением, она никогда никуда не девается и об этом всегда надо помнить. Почему? Да потому, что от этого очень много зависит и это очень важно. Именно плоскость напоминает нам, что перед нами всего лишь навсего – ИЗОБРАЖЕНИЕ. Изображение созданное художником с помощью красок. Оно может нравиться или не нравиться, оно может быть похожим или не похожим, понятным или не понятным – оно может быть самым разным, – но оно всегда изображение. Оно НИКОГДА не может заменить того, ЧТО, изобразил художник на картине. Оно – всего лишь ОБРАЗ этого. Образ того, что мы видим. Оно самостоятельно само по-себе - как ИЗОБРАЖЕНИЕ, и не более чем. А значит и относится к нему, надо соответственно. Это как? А вот как. Надо внимательно, спокойно и не спеша, его рассматривать. Надо размышлять о нём, пытаться понять, что и как делал художник. Надо учиться понимать его ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ СМЫСЛ. Ведь какое бы явление не изображал художник, на картине оно будет иметь только один смысл – ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ. Потому, что его придумал – художник. Даже если это портрет хорошо знакомого вам человека, то всё равно, на картине, его изображение – ХУДОЖЕСТВЕННО. А по-другому и не может быть. Потому что изобразительное искусство основано на способности человека ВИДЕТЬ. Художник видит глазами, его мозг конструирует в своём сознании изображение и помогает рукам с помощью кистей и красок создавать изображение на плоскости. И это будет уже другая реальность. У неё будет другая природа, другие корни. Своим появлением, она будет иметь отношение только к художнику – своему создателю. И для того, чтобы стать настоящим зрителем, нам с вами надо научится понимать эту реальность, знать о способах её появления.
Вывод второй – любое ИЗОБРАЖЕНИЕ НА ПЛОСКОСТИ – это всегда не только автор, но и время, страна, эпоха. А значит, чтобы его оценивать, надо хотя бы немного знать историю этого времени, его характер, его особенности. Надо иметь представление о его культуре, известных мастерах и художественных памятниках. То есть, посещение картинной галереи, требует определённых специфических знаний, которые помогут стать зрителем. Есть такой предмет, такая наука, которая содержит эти знания. Это – ИСТОРИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА. Но о ней, разговор отдельный.
Теперь ещё одно, очень важное, на мой взгляд, замечание. Так как мы говорили о том, что картины очень разные, то это значит, что каждый художник творит по-своему – как умеет, как может и как хочет. Поэтому мы с вами должны привыкнуть к тому, что в залах художественного музея нам встретиться большое количество самых разных картин. На них будут самые разные изображения. Они будут вызывать вопросы, нравиться или не нравиться, они будут понятны или не понятны, но мы всегда должны помнить, что каждая картина – это труд ХУДОЖНИКА и поэтому к ней надо относиться с УВАЖЕНИЕМ, независимо от того – нравится вам она или нет. Художник не виноват, если мы его не поняли. Он творил и не мог думать о нас, он думал о КАРТИНЕ. Наша задача – стать грамотным, думающим зрителем, научиться понимать и чувствовать картину, прежде всего – как ПРОИЗВЕДЕНИЕ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА. Вот за этим человек и приходит в картинную галерею.
В. Пискурёв. 2006г.
Загадка картины « ФУТБОЛИСТ».
( 9-10 лет.)
Картины бывают разные. То есть, я хочу сказать, что изображения на картинах бывают самыми разными. Понравилась художнику природа – пишет пейзаж, понравились неодушевлённые предметы - пишет натюрморт, понравился человек – пишет портрет, ну и так далее. И смотришь на них, и всё вроде бы понимаешь, обо всём догадываешься. Но есть картины – загадки. Их изображение, вроде бы и понятно, но в то же время, вызывает вопросы: почему так, а что это означает, а разве так бывает и какая в этом идея, какая мысль? Действительно, таких картин очень много и они появились в своё время и по своим причинам, и отражают понимание художником того явления, которое он изображает. Именно к таким картинам относится произведение, о котором, мне хотелось бы поговорить.
В 1932 году, известный русский художник Александр Дейнека написал картину «ФУТБОЛИСТ».
Уже название говорит само за себя: на картине изображён человек, играющий в футбол. Пытаясь достать мяч, он высоко подпрыгнул, широко раскинул руки и, как будто бы, на какое-то мгновение завис в воздухе. Кажется, что он может находиться в этом положении долго и притяжение земли его не касается. Кроме него в картине изображён странной формы мяч и здание храма. Получается, что количество изображённых элементов сведено к минимуму и взгляду зрителя не составляет труда понять происходящее. Но, внимательно вглядываясь в подобное изображение, играющего в футбол человека, почему-то не очень думаешь об игре, о том самом футболе, которому вроде бы посвящена картина. Как будто не столько о футболе думал художник, сколько о чём-то другом, гораздо более важном для него, чем сама игра. Но, что, это такое может быть – важное, о чём зритель, наверное, должен догадаться сам? Ведь, вот же он – явный футбол, с явным участником игры и что тут может быть непонятного. И, тем не менее, картина всё-таки загадочна, она загадочна потому, что зрителя не покидает чувство выражения художником гораздо большего, чем показ спортсмена. Наша задача – попытаться понять это БОЛЬШЕЕ, увидеть его смысл.
Но для начала, давайте попробуем задать себе вопрос: – А, что могло побудить художника Александра Дейнеку написать именно такую картину? –
Ответы могут быть самыми разными, как и истинные причины, повлиявшие на художника. Мы с вами можем только предположить – искусство даёт такую возможность - вот и давайте выберем, ну, хотя бы, такую версию.
А если представить, что это было его – художника - ВРЕМЯ. Реальная жизнь, в которой и которой, он жил: страна, народ, государство, люди и дела его окружавшие. Всё, что видел он и наблюдал, всё, что вызывало в нём интерес, вполне могло стать и становилось, достоянием его искусства. Он, конечно же, думал о времени, о своём времени, в котором он жил. Он, как художник, да и как человек, просто не мог о нём не думать. Ведь любой художник, проживая в своём времени и изображая всё что угодно, так или иначе, отражает его – ВРЕМЯ. Вы можете спросить – Почему? –
Да потому, что так уж устроена человеческая жизнь, - что с одной стороны в ней есть сам ЧЕЛОВЕК, со всеми его человеческими качествами, данными ему от природы, а с другой - ЖИЗНЬ, - данная ему независимо от него самого, от того, какой он есть. Вот они и воздействуют друг на друга – человек на жизнь, а жизнь на человека и друг без друга, они не могут обходиться. Человек изучает жизнь и что-то пытается в ней изменить, сделать так, чтобы ему было удобно, а жизнь отвечает ему тем же и меняет самого человека. Так они и взаимодействуют друг с другом. И трудно сказать, кто из них ГЛАВНЫЙ, оба они нужны друг другу. Вот и получается, что жизнь человека, это его время и без его влияния, человек обходиться не может. И тут не важно – художник он или дворник, он живёт в своём времени и время влияет на него. Так что будучи художником и живя в своём времени, Александр Дейнека не мог не испытывать его влияния и не отражать его характер и особенности.
И ещё - мы точно знаем, что он очень любил спорт, любил сильное, красивое, спортивное тело, любил смотреть спортивные соревнования - тот же футбол. Он видел в этих явлениях человеческой жизни, какие-то интересные для себя изобразительные композиции, выразительные моменты, доставляющие ему удовольствие, как творцу, как художнику.
Они, как бы подталкивали его художественное сознание к поиску и созданию некоего образа. Мы также знаем, что к спортивной тематике, в это время, художник обращался много раз. И вот, в 1932 году, появляется картина, о которой мы говорим и, она сразу же обращает на себя внимание и специалистов, и зрителей. Она сразу же получает признание, участвует в крупнейших международных выставках и становится всемирно известной. И всё это подтверждает, что это не просто изобразительный рассказ о футболисте – спортсмене, занимающемся определённым видом спорта - это рассказ о гораздо нечто большем, что и составляет ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ СМЫСЛ картины. Вы спросите: – А, что это такое?
А это САМОЕ ГЛАВНОЕ – то, во имя чего, художник вообще пишет картину, это то самое, во имя чего и существует вообще ИСКУССТВО. Просто изобразить, нарисовать, написать – этого мало. Это, наверное, могут многие. А настоящий, большой художник, каким был Дейнека, прежде всего, думает об искусстве, об искусстве картины – специфической форме живописи, одетой в раму и позволяющей зрителю долго и внимательно себя рассматривать. Он прекрасно это понимал, потому что сумел найти и соответствующий цвет, и соответствующую фигуративную конструкцию, и композиционное расположение, всем трём элементам картины. Да и сами эти элементы: человек, мяч, церковь – выбраны не случайно. Во всём был смысл, именно художественный смысл, рождающийся в недрах души художника, в его специфическом, художественном сознании. И, если мы размышляем об искусстве, мы всегда должны помнить об этом. Так в чём же, художественный смысл этой знаменитой картины?
Он, наверное, в том, что художник, вот так изображая образ футболиста, как бы приглашает зрителя в сложный лабиринт поисков ответов на вопросы. Эти вопросы возникают у зрителя естественно, когда он рассматривает картину. В ней как будто бы существует некий шифр, загадка, которую зритель должен разгадать. Художник подсказывает зрителю какую-то часть ответа, но при этом - предлагает что-то, что скрывается за видимым изображением - понять самому. В искусстве есть такое понятие, как иносказание. Это когда о явлении, говорят через символы, то есть особым, специфическим языком. Вот и картина «ФУТБОЛИСТ», это своеобразный символ своего времени, символ той жизни, в которой жил художник. И в этом, и заключается её художественный смысл. Он наполнен мыслями художника о спорте, о силе и красоте человеческого тела, а ещё о том времени, когда это всё происходило. Дух этого времени, очень точно выражен в «ФУТБОЛИСТЕ». И именно это, делает картину яркой, выразительной, особенной.
КАРТИНА, КАК ПРОИЗВЕДЕНИЕ ЖИВОПИСИ.
Живопись, это вид изобразительного искусства, в котором художественный образ выявляется с помощью художественной краски: её сложных тональных отношений или чистого цвета. А, теперь, давайте в этом разбираться и сразу, давайте договоримся, что живописными произведениями мы будем считать те, которые выполнены жидкими красками: масляными, гуашевыми, акварельными, темперными. Хотя в старину, к живописным произведениям относили и мозаику и витражи. Но мы будем говорить о нашем времени, и будем рассматривать такую форму живописного произведения, как картина. Итак, картина-живопись, живопись-картина. Почему на этом примере, мы будем с вами говорить о самом явлении?
Прежде всего потому, что именно эта живописная форма, нам с вами наиболее близка и понятна, так как вы сами, уже неоднократно занимались живописью, когда в детском саду или дома, работали акварельными или гуашевыми красками на листе бумаги. В школе, вы занимаетесь этим на уроке изобразительного искусства. Вероятнее всего, до масляных красок, в вашем возрасте, дело пока не доходило, ( хотя, как знать, всё может быть) но так или иначе живописцами вы уже побывали. А теперь, ответьте пожалуйста, на такой вопрос: – А что получилось после того, как вы старательно, как могли и умели, поработали жидкими красками на листе бумаги? Правильно, получилось изображение. Именно оно – изображение – и получается в результате действий художника, работающего на изобразительной плоскости. Вы, обратили внимание, я упомянул для нашего разговора два очень важных слова – изобразительная плоскость. А это что ещё такое? А это, тот самый лист бумаги, на котором, вы создаёте изображение. А есть ещё, - другие, самые разнообразные виды плоскости: стена, дерево, картон, натянутый на подрамник холст – то есть, всё то, на чём работает взрослый художник. Почему я начал разговор о живописи с изобразительной плоскости? А потому, что с неё то, всё и начинается – любое изображение живёт на чём-то. Оно потому и становится изображением, что художник поместил его на плоскость. Отсюда и название целого вида искусства – ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ. Так что изобразительная плоскость играет очень важную роль при создании живописного произведения. Но, мы то с вами, договорились говорить о картине, - значит, давайте вспомним все элементы, из которых она состоит.
Итак, любая картина имеет изобразительную плоскость, то есть твёрдое пространство, на котором живёт изображение. Какой же материал, может служить художнику изобразительной плоскостью? Вы знаете, разный. Когда-то, картины писали на медных и деревянных дощечках, могли использовать бумагу и может быть иные материалы, но вдруг, художники обнаружили, что твёрдая крепкая материя – холст, натянутый на деревянную раму – подрамник, оказывается замечательной и очень удобной изобразительной поверхностью. Надо только покрыть её каким-нибудь раствором, например мелом, смешанным с клеем, то есть прогрунтовать и после того, как грунт высохнет и затвердеет, по нему можно работать красками. И особенно хорошо для этого, подходили краски масляные, сделанные на основе смешивания красителя с маслом. Так и пришли в изобразительное искусство холст и масляные краски и стали любимыми материалами многих живописцев. И ещё один, немаловажный элемент картины, мы обязательно должны вспомнить. Догадались какой? Конечно же, это рама. Она, важный элемент любой картины. Вы можете спросить: – А для чего она нужна и что даёт картине? Очень многое. Рама, это, своеобразная граница картины, это то, место, где она заканчивается. Рама, как бы отделяет мир картины от всего остального мира. Но с другой стороны, она является своеобразным окном, которое пропускает взгляд зрителя в мир картины, в его бытие, его особенности и характер. А представьте, что на стене художественного музея, картины висят без рам. Удобно ли зрителям было на них смотреть? Конечно, нет. Без рамы картине нельзя. Она обязательный и неотъемлемый атрибут картины. И всё-таки, конечно, самая главная, основная часть картины, это изображение. Ведь пока оно не появилось, картины просто не будет. Только изображение, созданное художником на изобразительной плоскости, позволяет говорить о себе, как о картине, то есть как о явлении изобразительного искусства. Вот поэтому, говоря о картине, как о произведении живописи, мы в нашем разговоре, главное место отведём изображению.
Итак, давайте представим, что мы смотрим на картину, то есть на изображение. Пусть, например это будет изображение, созданное масляными красками. Наш первый взгляд направлен на то, чтобы увидеть, что изображено. На это уходит, не так уж много времени, но при одном условии – если изображение зрителю хорошо понятно. Если нет, если изображение с первого взгляда не понятно и требует разглядывания, спокойного и неспешного всматривания, то, на это уходит какое-то время. Мы внимательно всматриваемся в изображение, получая от него своеобразные импульсы, идущие к нашим глазам и далее в мозг, который помогает увидеть то, что изображено.
И, вот тут, мы затрагиваем очень важную часть нашей темы. Как же воспринимаем мы, зрители, изображение, каким оно видится нашим глазам и далее нашему мозгу, нашему сознанию и, как в конечном итоге, мы реагируем на него. Почему так получается, что: одни картины понятны, другие нет, одни нравятся, другие наоборот? Эти вопросы постоянно волнуют и искусствоведов и тех, кто не безразличен к изобразительному искусству, любит его. Попробуем на нашем примере поразмышлять об этом.
Итак, наше изображение выполнено масляными красками, а значит, оно представляет из себя, определённый красочный слой, нанесённый на изобразительную поверхность. И слой этот, имеет свои особенности: он может быть очень тонким, или наоборот очень толстым – пастозным, он может быть самым разным. Да к тому же, и сами мазки масляной краски имеют самую разную форму, разные цветовые сочетания, и при этом взаимодействуют в пределах пространства одной картины. И получается, что изображение, всецело зависит от того, где и как художник расположит мазки, какими он их создаст, как объединит в картине и в конечном итоге, как всё это повлияет на создаваемый им - художественный образ, его качество. Не в этом ли кроется тайна великих мастеров, которые умели так наносить свои мазки на плоскость, такими их создавать и так точно находить им, их место, что в результате получалось прекрасное живописное изображение – картина, вызывающая у зрителей чувства восторга и восхищения. Их живописные произведения представляют из себя - единый организм, единое целое, гармонично объединяющее в себе все элементы картины. Гармонично – значит ничего лишнего, всего ровно столько, сколько надо.
В истории живописи, есть множество имён удивительных живописцев. Леонардо да Винчи, Тициан, Рембрандт, Веласкес, Эль Греко и многие другие оставили нам выдающиеся произведения. Их работы являются ярким примером того, что может сделать художник, тонко чувствующий все возможности цвета, знающий его особенности и характер. Их живописным наследием гордятся многие крупнейшие музеи мира. Их картины – это великое живописное наследие мира.