ШКОЛА АППОДЖИО - это неаполитанская вокальная школа, зародившаяся во времена барокко, когда появилась потребность в певцах, способных петь на большой, а главное - глубокой сцене (сцена барочного театра была глубже современной), и доносить не только красоту голоса (хотя это в первую очередь), но и смысл слов.
Вспомним, что опера появилась как музыкальная драма и дважды, если не больше реформировалась в том же ключе: Глюк и его классицистская реформа, Вагнер и русские композиторы, а также поздний Верди. Огромную роль в становлении школы Апподжио сыграл Николо Порпора.
ВОКАЛЬНАЯ ШКОЛА (любая) это прежде всего ОПРЕДЕЛЕННАЯ ЭСТЕТИКА ЗВУЧАНИЯ ГОЛОСА И, как следствие, НЕКИЙ КОМПЛЕКС ЗНАНИЙ О ГОЛОСЕ И ЕГО ПОСТАНОВКЕ.
Вокальных школ огромное количество, только резонаторных школ существует более 100. Есть еще и связочные школы, выросшие, как грибы, с появлением микрофонов и развитием звукозаписи. О них я говорить не буду, потому что считаю их все без исключения, вредными для голоса и общего здоровья.
Задача же вокальных педагогов прошлого была такова: научить певцов петь не только в церкви, где слышен любой шорох и вздох, но и среди множества декораций и тяжелых костюмов (ткани, как известно поглощают звук), научить петь из глубины сцены. Напоминаю, что в барочном театре сцена ОЧЕНЬ глубокая, научить голос преодолевать оркестр (тогдашние оркестры были небольшими, но голос должен обладать обертональностью более высокой, нежели ВЕСЬ оркестр, неважно большой или маленький).
То есть голос хорошего певца должен обладать красивым тембром, чтобы его было приятно слушать, точно попадать в ноты, певец должен достаточно четко выговаривать слова, а кроме того голос певца должен преодолевать немаленькое расстояние через оркестр до публики и при этом оставаться приятным. И кроме того, голос должен быть слышен как на форте, так и на пиано.
О связках тогда не подозревали, а что такое резонаторы - выяснили опытным путем.
Резонаторы - это полости в дереве (музыкальные инструменты), в камне (храм Софии Новгородской) или в теле человека). Сейчас, зная, что такое связки, мы можем сказать, что связки работают по принципу струнных инструментов, то есть изначально довольно слабый звук струны передается в резонатор, который его усиливает и облагораживает. Или НЕ облагораживает:), вспомните, как звучит гитара великого мастера и… гитарные изделия какой-нибудь мебельной фабрики. Голос человека - это первый музыкальный инструмент, созданный самим Господом Богом, а значит, наиболее совершенный. Задача вокального педагога настроить этот инструмент.
Итак. У нас 2 резонатора: грудной и головной. Грудной "отвечает" за тембр, интонирование и дикцию. Головной - за звонкость и полётность, которые достигаются повышением обертональности.
Грудной резонатор находится у нас в груди:) куда деваться:) это, в основном, трахея, хотя ощущаться может, что звучит вся грудь в целом. Мы порой так и говорим: грудь звучит, имея в виду грудной резонатор.
Головной резонатор - это верхний отдел гортани, глотка, ротовая и носовая полости, придаточные пазухи, теменные кости. Вокалисты очень часто называют головной резонатор куполом. (Если посмотреть на себя в зеркало во время зевка, вы увидите, как поднимается нёбная занавеска и за ней раскрывает довольно большая полость).
Можно петь и одним грудным, если тембр красив, это будет приятно слушать. НЕ ПУТАТЬ! грудное звучание с низкими нотами, одним грудным резонатором можно петь ВЕСЬ диапазон.
Примерам здесь несть числа: Клавдия Шульженко, Петр Лещенко и проч.
Можно соединить грудной и головной резонаторы - это будет пение в столбе или микстом. Так поет довольно большое количество эстрадников, этим приемом поется кроссовер. Примеры найдите сами:) Их много.
Можно петь одним головным резонатором, не подключая грудной, именно так поют, модные ныне, КОНТРТЕНОРА. Их звук - это фальцет, поставленный на опору. Изначально, это совершенно обычные тенор или баритон, у которых очень большой и хороший купол, если купол маленький, никакого контртенора не получится по объективным причинам:).
Как правило природные данные по груди и куполу обычно неравные, но если это неравенство небольшое, то это исправляет обучением, а если разница очень велика начинаются проблемы, но это касается оперных певцов. Эстрадные, как я уже говорила могут обойтись одним грудным или микстом, это все может прекрасно слушаться.
Оперному певцу хороший купол необходим, потому что его голос должен преодолеть преграду оркестра и дойти до последних рядов балкона, не потеряв красоты звука. То есть голос должен обладать бОльшей обертональностью, нежели ВСЯ струнная группа оркестра, именно они наши главные соперники.
Вот для этого и существует пение в ГОТИКЕ.
Пение в ГОТИКЕ базируется на ОПОРЕ. ОПОРА - это мышцы диафрагмы, подреберья, живота вплоть до лобковых, всей спины, ягодичные мышцы, тазовая диафрагма и даже мышцы бедер ног.
Есть еще УПОР В ГРУДЬ. Это некая точка, которую все ощущают на разной глубине, от нее и выстраивается звук.
При пении в столбе звук мы даем в грудной резонатор, а купол ему отвечает. Эффект колокола. Там ударили/зазвучали - здесь - откликнулось. При этом голос громко звучит в комнате или в небольшом зале, как правило, хорошо ложится на микрофон и аппаратуру звукозаписи (хотя это все-таки индивидуально).
При пении в готике ВЕСЬ звук переводится вверх, то есть грудной резонатор работает, но БЕЗЗВУЧНО. Весь звук уходит в купол и выводится через район третьего глаза:) (В первое время, если готика неприродная, ну или с долгой отвычки, когда природу сбили, от готики кружится, а то и болит голова, и слегка жжет во лбу:)
Строго говоря, в готику выводится не весь, конечно, звук, но чем больше процентов выведется, тем лучше прозвучит голос в большом зале. Самое лучшее процентное соотношение 10 на 90, то есть 10 осталось, 90 вывели, но это идеал, чаще бывает 20 на 80 или 30 на 70 и это очень хорошо! Чем выше готика, тем лучше выводится звук. Если говорят, что готика низкая, это означает, что часть звука, и довольно большая, потеряется в зале.
Кроме того звук, выведенный через готику, приобретает не только силу и полётность, но также и бОльшую красоту и благородство, он как будто плывет, заполняя собой пространство или напротив режет зал и оркестр, как лазерный луч. И певцу для этого не нужно кричать, именно такой звук слышен не только на форте, но и на пиано.
Разумеется, стандарты даже академического вокала менялись со временем и продолжают меняться нынче, но я люблю именно такой летящий барочный звук, которым сейчас практически никто не поет. Им пели в первой половине 20 века: Антонина Нежданова (колоратурное сопрано), Софья Преображенская (меццо-сопрано), Агния Лазовская (лирическое сопрано), Саломия Крушельницкая (драматическое сопрано) Роза Понсель (драматическое сопрано), Сергей Лемешев (лирический тенор), Семен Козловский (высокий тенор), Федор Шаляпин (высокий бас), Максим Михайлович Дормидонтов (бас-профундо), Георг Отс (баритон) - вот он уже из другой половины 20 века, но пел в русле той же школы.
Сейчас в моде звук заглубленный (с точки зрения школы Апподжио), "мясистый", как говорят некоторые вокалисты. Такой звук впервые появился в 19 веке. Его появлению способствовало изменение общей эстетики, появление романтизма и реализма, уход от чистой красоты эпохи барокко и классицизма, когда красота звука сама по себе уже была смыслом искусства.
