Российский скульптор Михаил Пастухов поделился впечатлениями от участия в фестивале ARTLIFE 2020 и взглядом на развитие скульптуры и текущее положение современного искусства.
Впечатления об ARTLIFE FEST 2020 как зрителя и участника
В первую очередь захватывает дух то, как было организовано пространство. В прошлый раз я был в Манеже на выставке Фриды Кало и тогда выставочный зал казался запутанным и маленьким. А на фестивале ARTLIFE я отметил очень много воздуха и логически правильную организацию: художники были разбиты между собой по стилистическим группам, и от этого на выставке было легко ориентироваться.
Присматриваясь к авторам, я отметил большой диапазон в плане вкуса: что-то мне более близко, что-то – менее. Но в целом удивительно встречать работы, которые до этого видел только в Инстаграме в качестве рекомендаций от известных художников с большой базой подписчиков. Участвовать с ними наравне в одной выставке очень приятно.
К примеру, до фестиваля ARTLIFE работы американского художника Марка Теннанта казались чем-то очень далеким из-за грандиозного расстояния между Россией и Америкой. Фестиваль это расстояние стёр.
Также был знаком с работами Роузи Макгиннесс только на экране, и в живую они производят совершенно иное впечатление.
Об открытиях среди графиков
У меня есть предубеждение, что лучший рисунок – у русской школы. Поэтому я особенно ревностно отношусь к графике, выполненной иностранцами.
К примеру, сначала я думал, что инсталляции по Толстому и Булгакову создал русский автор. Но потом понял, что этот художник живет за границей, и меня тепло удивило то, что он сохраняет интерес к русской классической литературе и популяризирует ее на Западе. Часто наши соотечественники относятся к культурному наследию России как к данности, и не рефлексируют на эту тему. Видеть обратное приятно.
У меня захватило дух от работ гиперреалиста Хайме Валеро и того, как он не побоялся выполнить их в графике. Я понимаю, что картина сделана безукоризненно, и это вызывает уважение.
Китайская реалистическая школа идет тем же путем, что и постсоветская, поэтому художники из Китая для меня – безукоризненные мастера живописи, наряду с русскими художниками. Их работы воспринимаются мной как очень близкие и понятные с профессиональной точки зрения.
Кстати, именно графику я бы повесил у себя дома. Холст требует светлого просторного помещения и это большой груз ответственности – держать у себя произведение искусства, созданное в единственном экземпляре.
Графика в этом плане может быть более мимолетной и менее требовательной, но при этом для меня в ней есть дыхание жизни. Я в целом больше люблю рассматривать эскизы, чем итоговые картины, потому что в них заметен не рукотворный эффект, которого в итоге добился автор, а его попытки, ошибки. Для меня в этом есть своя поэтика: человек к чему-то стремится, но он смертен, и не все сразу выходит идеально.
О скульпторах и скульптуре
Приятно, что в этом году впервые на фестивале ARTLIFE были представлены скульптуры наравне с другими видами искусства. Кто-то больше любит скульптуру, кто-то – живопись. Это равноценные понятия, и то, что по скульптуре даже проводился мастер-класс, меня очень обрадовало.
Скульптуру нужно популяризировать, потому что скульпторов намного меньше, чем художников, и так было во все времена. И нужно показывать людям, что это красиво само по себе, и задавать стандарты скульптуры, создавать азбуку скульптуры для зрителя.
Если говорить о коллегах-скульпторах, то хочу отметить Владимира Бродарского. Мы давно знакомы: я ещё писал диплом, когда он стал моим преподавателем, а теперь мне радостно видеть, что мы выставляемся вместе на таких крупных фестивалях.
На ARTLIFE я представил свою работу «Идущая». В неё вложено множество смыслов. Прежде всего, словно исследователь эпохи Возрождения, я хотел показать, как движется человек. Также хотелось вдохнуть образ, который бы выражал движение человека в жизни, неуловимость момента, то, что мы постоянно движемся вперед, и тем самым передать мимолетность жизни. Эта тема касается любого человека на Земле, будь то мужчина, женщина, ребенок, старец – мы все находимся в разговоре со временем, и все мы куда-то движемся в широком смысле.
О том, куда движется современное искусство
Сейчас, мне кажется, мы живем в момент пертурбации. Мы закрыли эпоху ХХ века, и постмодернизм уже вышел в мейнстрим, стал официальным стилем в обществе. Художники хотят двигаться вперед, но они пока в растерянности, т.к. им кажется, что постоянная оглядка назад и движение вглубь связывает руки, вводит в исступление. Мы растеряны, не знаем, что еще можно сказать такого, чтобы искусство было нужным и могло двигаться дальше.
Кто-то движется по наитию, кто-то много размышляет, но пока что это лишь попытки нащупать вектор. Нет большого движения, как Возрождение, Барокко и так далее. Мы пребываем в моменте, когда любое искусство даже в рамках выставки ARTLIFE отражает определенный период мирового искусства. Какому автору что ближе, тот того и придерживается. Но такого, как было сто лет назад, когда художники знали вектор и стремились следовать ему, уже нет, и в этом смысле творить нам сложнее.
Тот информационный поток, с которым мы сталкиваемся сегодня, еще больше усложняет движение художника. К примеру, когда говорят, что нейронная сеть может создать произведение искусства. Еще недавно это казалось чем-то из области фантастики, а сейчас с этим постоянно экспериментируют, вторгаясь в хрупкий мир творчества и от части обесценивая его.
Я считаю, самое главное в искусстве – душа человека. И оно, как наука, призвано раскрывать разные её стороны. Как мы, художники и скульпторы, будем делать это – покажет только время.