ДЕТЯМ ОБ ИСКУССТВЕ.
Вы, может быть слышали, когда, кто-нибудь, говоря о художниках, произносил слово ИМПРЕССИОНИСТ или во множественном числе - ИМПРЕССИОНИСТЫ? Если и слышали, то думаю, не обижу вас, предположив, что вряд ли понимали, что оно означает.
Я тут, как-то недавно, у некоторых взрослых поинтересовался, что они знают об этом слове. И вы знаете, нашлись такие, которые не ответили и даже такие, которые слышат его в первый раз. Так вот мне хочется, чтобы с вами такого не происходило, чтобы вы хорошо знали и представляли - что означает это слово.
Почему же, этим странным словом, называют именно художников - что, действительно, оно означает? Это интересная история, и её стоит рассказать.
Вы, конечно знаете, что каждый художник, написав картину, даёт ей название. Вот так однажды, а точнее в 1874 году, французский художник Клод Моне показал на выставке картину под названием «ВПЕЧАТЛЕНИЕ. ВОСХОД СОЛНЦА». Название, немного странное. Что такое восход солнца, это понятно – природное явление, хорошо всем известное - оно-то, и изображено на картине. А вот причём тут, впечатление – человеческие чувства, ощущения, да ещё выделенное в отдельное слово, отдельный смысл. Неужели нельзя было обойтись только ВОСХОДОМ СОЛНЦА? А, ВПЕЧАТЛЕНИЕ - оно-то зачем? Неужели для художника, это было очень важно?
В том-то и дело, что очень! Очень важным для Клода Моне было это слово в названии картины. Почему? Да потому что оно определяло художественный смысл картины, её необычное техническое исполнение. Оно давало понимание чего-то нового, до этого неизвестного и невиданного. Нет, нет, не думайте: и холст, и масляные краски были обычными. Необычным было то - как художник накладывал эти краски на холст, как он создавал изображение. Это были совершенно иные способы и приёмы, нежели те, которые использовались в традиционной, академической живописи.
Какие же это были приёмы? На этом давайте подробнее остановимся.
Итак в живописи, изображение получается по мере того, как художник наносит краску на изобразительную поверхность. Иногда, искусствоведы называют поверхность основой, и она может быть разной: камень, бумага, дерево, холст. Каждый художник, наносит краску по-своему - то есть у каждого есть свой индивидуальный почерк: иногда говорят - свой стиль. Естественно, этот стиль вырабатывается в процессе того, как человек учится, как он старается освоить приёмы, которым учит его учитель (учителя), изучает способы письма разных мастеров - как далёкого прошлого, так и ему современных. И, конечно же, его собственная рука, его мозг, создают свой, присущий только им, характер и метод наложения краски. Так вот, Клод Моне, при написании своих картин, использовал такие приёмы наложения на поверхность краски, которые позволяли изображению обретать какое-то особенное состояние. Оно вовлекало зрителя в удивительную игру, в которой, на изобразительной плоскости происходило, как бы хаотичное движение мазков, из которых получалось необычное и своеобразное изображение – то есть образ. Зримо, картины Клода Моне, отличались от привычных картин. Их рассматривание, понимание, происходило по-другому - не так, как как это было с «привычными» картинами. Это была какая-то новая, незнакомая живопись. Она - удивляла, впечатляла, вызывала вопросы.
И вот здесь, как мне кажется - кроется тайна собственно живописи. От того, как ляжет на поверхность краска: каким слоем, каким мазком, каким цветом - от этого и будет зависеть художественное качество изображения. Но в таком случае напрашивается вопрос: - А что мы понимаем под художественным качеством изображения?
И вот тут, без краткого исторического экскурса, нам не обойтись.
Как только, стали появляться первые наскальные изображения первобытных художников, так постепенно, в силу разных причин, стали появляться и зрительские суждения о них. И естественно, одним из главных вопросов, становился вопрос, так называемого - правильного изображения.
Уже к периоду эпохи Возрождения считали: что если глаза человека видят мир так, как они его видят, то и изображение этого мира на плоскости должно быть абсолютно похожим на, увиденное. И такое изображение, которое наиболее полно соответствовало увиденному настоящему, считалось правильным, - а значит хорошим, достойным, качественным. О вопросах художественного качества изображения стали говорить, их стали изучать, над ними стали думать. Многие великие художники стали посвящать этому свои размышления - труды. От них не отставали философы, литераторы, священнослужители. Их тоже интересовали вопросы художественного качества изображений. Постепенно сложились определённые школы, направления, которые вырабатывали свои системы создания изображений. Художников учили изображать правильно. Особенно много внимания, уделяли этому в создаваемых в разных странах художественных академиях. Они становились главными школами воспитания художников и, система обучения в них подразумевала овладение в течение длительного времени приёмами и способами, позволяющими создавать качественное художественное изображение. Так, в истории изобразительного искусства появилось понятие ТРАДИЦИОННОЙ АКАДЕМИЧЕСКОЙ ЖИВОПИСИ, которая основывалась на изучении и освоении традиций мастеров прошлого. В течение длительного времени академическая живопись считалась эталоном правильного, качественного, художественного изображения.
И вдруг, во второй половине 19 века, во Франции, появляются художники, которые начинают создавать изображение на плоскости в совершенно иной манере. И одним из первых, был тот самый Клод Моне, написавший в 1872 году картину «ВПЕЧАТЛЕНИЕ. ВОСХОД СОЛНЦА ».
Так вот, когда в 1874 году, на выставке, её впервые увидели зрители, то многие из них, привыкшие к академической живописи, были потрясены. Они не могли, да и, наверное, не хотели понять - почему так и, что это за живопись такая, да и вообще можно ли считать это живописью. А Клод Моне, был к тому же не одинок, на этой выставке были представлены работы и других французских художников, выполненные в такой же, необычной манере.
Их картины тоже были посвящены различным явлениям и, они тоже призывали глаза зрителя внимательно всматриваться в изображённое, и находить в нём образ, написанный в непривычной для глаз манере.
Изображая восход солнца, Клод Моне, как бы говорит зрителю: - Эта картина не столько о природном явлении, сколько о моём впечатлении, от увиденного. Она о моих, особых ощущениях, моём новом, необычном видении природного явления, его жизни, его настроении. Это мои впечатления, и я хочу их так изобразить, и для этого использую именно такой способ нанесения краски на холст. -
В картине «ВПЕЧАТЛЕНИЕ. ВОСХОД СОЛНЦА», Клод Моне подарил зрителю замечательную возможность - самому приоткрыть ту удивительную пелену, которая «вплетена» в ткань изображения и придаёт ему ту самую изысканность и красоту, за которую многие любят эту великолепную картину. Зритель почти осязает вибрацию воздуха – так необыкновенно красиво написан восход солнца. Вот почему, слово ВПЕЧАТЛЕНИЕ, занимает своё, вполне, по смыслу определённое, место в названии картины. Во французском языке оно звучит, как ИМПРЭСЬОН. Вот здесь то и кроется тайна названия этих художников и их искусства, именно оно, явилось источником такого необычного названия этого художественного направления.
Французский критик Луи Леруа, побывавший на их первой выставке и увидевший картину Моне, назвал их ИМПРЕССИОНИСТАМИ ( так это звучит на русском языке ) и это название вошло в историю искусства и сохранилось до наших дней.
Им было очень нелегко, этим замечательным художникам, особенно в первые годы появления их искусства. Их творчество не принимали, критиковали, ругали. А они, продолжали писать свои удивительные картины и настало время, когда и на их улицу пришёл праздник.
Они стали любимы и признаны огромным количеством зрителей. Их произведениями гордятся многие крупнейшие художественные музеи мира. А знаменитая картина « ВПЕЧАТЛЕНИЕ. ВОСХОД СОЛНЦА », хранится в музее Мармоттан - Моне, в Париже.
В своё время, импрессионисты, не отменили законы искусства, они просто применили свои, новые способы нанесения красочного слоя на холст и от этого явили миру своё художественное видение образа. Они создали свой, особенный, способ размышления над живописным изображением.
Они хотели, чтобы глаз смотрящего человека, передавал в его мозг не привычное, ему (глазу) изображение, а как бы «заставлял», целую систему (ГЛАЗ ПЛЮС МОЗГ) (совместно), самостоятельно обнаруживать увиденное - выстраивать изображение и получать от этого удовольствие. Потому что в этом случае, изображаемое явление, получало особую красоту, особую интонацию, особую поэзию.
Я сказал поэзию и я не ошибся - имея ввиду те, удивительные качества художника-импрессиониста, позволяющие ему не столько передавать увиденное, сколько его сочинять, придумывать, с помощью различных колористических комбинаций - давать ему своё, своеобразное художественное толкование.
Импрессионисты подарили миру иное видение художественного изображения. Оно было не хуже и не лучше, традиционного академического письма - оно было просто другим.
Другим, потому что время было другое, и другие, видимо, задачи вставали перед искусством, а значит - были вполне естественные и закономерные поиски нового. Импрессионисты были просто – НОВЫМ и это новое, постепенно и справедливо обретало свою жизнь.
Картины импрессионистов - это великое наследие мировой художественной культуры. Они доставляют истинное наслаждение тем зрителям, которые любят в искусстве не просто внешние проявления, но, прежде всего его образную суть, его художественный смысл, его специфическую драматургию.
