Первые слова, сказанные в кинематографе - "Wait a minute, wait a minute, you ain’t heard nothin' yet" (Подождите, подождите, Вы еще ничего не слышали). Фильм: "Певец джаза", 1927 г., реж. Алан Кросленд
В 1927 году на экраны выходит первый полнометражный звуковой фильм «Певец джаза» (The Jazz Singer). Его выпустила фирма Ворнер Бразерз и снята она была по технологии Витафон, т.е. звук записан не на саму пленку, а на граммофонную пластинку.
Ворнер Бразерс пошла ва-банк, потратив огромное количество денег и поставив под удар свое благополучие. Они не стали дожидаться качественной системы синхронного воспроизведения изображения и звука. Объективно, они даже отставали технологически от своих конкурентов, ведь компания Фокс уже владела технологией качественной записи звука на пленку. Но именно Ворнер Бразерс смогли собрать первые плоды с разросшегося впоследствии звукового кино.
Сам по себе фильм «Певец джаза» – скорее не звуковой, а немой. В нем были лишь отдельные эпизоды-номера с музыкальным сопровождением. Но революционным для истории кино стало то, что впервые в фильме прозвучали не просто звуки музыки и шумы, а человеческий диалог. И этот диалог изменил все…
Спустя 9 месяцев Ворнер Бразерс выпустили на экраны первый полностью звуковой фильм «Огни Нью-Йорка» (Lights of New York).
Эпизод фильма "Огни Нью-Йорка", 1928 г., реж. Брайан Фой
Последний кинотеатр в США без синхронного воспроизведения звука исчез к 1934 году. Понадобилось 7 лет чтобы киноиндустрия окончательно перестроилась и превратилась в звуковую. Причина такого достаточно длительного переходного периода заключается не столько в технических ограничениях и экономических издержках, которые должны были понести кинотеатры для приобретения оборудования и обучения персонала.
В этот период многие задавались вопросом, нужен ли вообще для кино переход на звук. Ведь немое кино было на тот момент в расцвете, конец 1910-х и 1920-е годы заслуженно считается «золотым веком» немого кино. Но звуковой кинематограф все же имел бешеную популярность среди зрителей. И профессиональному киносообществу пришлось перестроиться.
Как мы уже писали ранее, кино в то время уже мастерски владело монтажными приемами, приобрело масштаб и динамичность. А синхронная запись звука и изображения поставили перед кинематографистами технические ограничения, которые уже были успешно преодолены немым кино. Для того, чтобы сделать звуковой фильм, кинематографистам приходилось приносить в жертву множество других аспектов кино.
Во-первых, работа камеры сама по себе была шумной, звук камеры мы слышим на всех старых пленках. Для того, чтобы минимизировать этот шум, камеру устанавливали неподвижно на одной точке. Их даже ставили внутри специальной стеклянной будки дабы минимизировать шум.
Во-вторых, потребность записывать звук непосредственно во время записи изображения вернула киносъемки с натуры в павильоны. Любая запись видео в экстерьере усложняется шумами природы и уличного движения, минимизировать эти шумы на заре звукового кино не умели.
В-третьих, актерам необходимо было стоять максимально близко к микрофонам. Поэтому даже простое передвижение актеров во время беседы было крайне ограничено.
В-четвертых, возможности монтажа были сильно лимитированы, синхронность записей была весьма хрупкой субстанцией в те времена. Диалоги и музыкальные номера записывались одним кадром и одним планом. Сводить звук на монтаже было очень сложно, поэтому эпизоды должны были быть записаны максимально корректно прямо во время съемок. Первые звуковые фильмы характеризуются обилием очень длинных одноплановых эпизодов.
Эти технические проблемы со временем были решены и даже стали основой для формирования новых художественных решений в кино. А вот где звуковое кино сыграло поистине роковую роль – это система изобразительных и выразительных средств художественного кинематографа. Абсолютно изменились требования к актерам и их способностям.
Вернемся немного назад во времени и уточним, что требовалось от актеров немого кино. Когда кино только зарождалось требований к актерам не было вообще. Так, братья Люмьер снимали самих себя (например, в фильме "Завтрак младенца" 1895 г. мы видим семейство Огюста Люмьера), прохожих на улице и случайных людей.
Довольно долгое время стать актером можно было лишь проявив желание сниматься. Как только кино усложнилось и из набора запечатленных двигающихся картинок переросло в постановочный сюжет, в кино стали приглашать театральных актеров. Театральные актеры входили в мир кино с неохотой – как искусство кино они не рассматривали, к тому же высокодоходной эта деятельность не была.
Так или иначе, но театральные актеры стали первыми актерами кино. Их игра, также как и сами кинопостановки поначалу ничем не отличались от театральных представлений. В кино не было крупных планов и от актеров требовалось по большому счету только одно – активно двигаться, сильно жестикулировать и гримасничать. Постепенно кинематограф развивался и появилось то, что не свойственно театру – крупные планы. Теперь актеры должны были научиться выражать эмоции персонажа на своем лице. От актеров потребовалась более тщательная проработка образа. И вместе с этим лица актеров стали узнаваемы среди зрителей, появились кинозвезды. Вслед за славой киноактеры получили и большую зарплату.
«Золотой век» немого кино характеризуется формированием кинообразов. Так, Чарли Чаплин выстроил известный всем образ персонажа бродяги, поддерживаемый характерной мимикой, костюмом и походкой. Бастер Китон в свою очередь выстроил свой образ на контрасте – в отличии от избыточной мимики, свойственной персонажам немого кино, его лицо оставалось равнодушным в любой трагичной и комичной ситуации.
С увеличением длительности кинофильмов усложнялись образы персонажей, разыгрывались неоднозначные характеры, обладающие противоречивыми поведенческими чертами. Персонажи фильмов стали меньше суетиться в кадре. Однако избыточность пластики и мимики персонажей немого кино, выработанная для достаточного и понятного выражения мыслей и чувств героев, сохранялась. Главным для эпохи немого кино было движение, ведь кино воспринималось именно как «движущиеся картинки». Многие актеры немого кино были по большому счету акробатами – они постоянно выполняли всяческие трюки.
И вот появилось звуковое кино, в котором мысли и чувства не требовалось изощренно изображать телом, а требовалось произносить соответствующие мыслям и чувствам слова. Многие звезды немого кино, актеры и режиссеры в одночасье лишились работы так как не смогли соответствовать новым требованиям художественной выразительности.
Звуковое кино потребовало от актеров умения говорить, петь и танцевать, ведь первые звуковые фильмы были именно музыкальными произведениями. Эксцентричные немые комедии сменились музыкальными номерами - какофония музыки, слов и шумов была достаточно долгое время на первом месте (В Голливуде вплоть до 1980-х годов существовала особая категория "музыкальных звезд". Такие актеры как Мерилин Монро, Фрэнк Синатра, Барбра Стрейзандт, Дебби Рейнольдс, Лайза Минелли, Джуди Гарлендт, Элвис Пресли, Фред Астер и многие другие выстроили свою карьеру именно на способности петь).
Развиваясь, звуковое кино редуцировало яркую эмоциональную выразительность немых персонажей. Игра стала все тоньше и тоньше, сегодня актеры для выражения испуга не выкатывают глаза и не махают руками (только если это не комедия) – зрители понимают эмоции всего лишь следя за микромимикой, микродвижениями персонажей и следуя эмоциональному настрою фоновой музыки. Игра актеров стала ориентироваться на реалистичность.
Звуковое кино не просто прибавило диалоги к существующей системе выразительности, оно полностью изменило киноязык – в фильме появились новые темы, новые изобразительные приемы, новые средства выражения. Более того, со звуком появилась и «наука» соотношения картинки и звука. Стало ясно, что зрители воспринимают звук и изображение целостно, что с помощью этого сочетания можно добиваться новых высот вовлечения зрителей в происходящее и сильнее воздействовать на них. Кинематографисты поняли, что звук может не только дополнять картинку, но и изменять ее смысл.
И, наконец, звуковое кино сыграло значимую роль в кинобизнесе тем, что лишило его универсальности. Если немое кино могло свободно продаваться и покупаться во всем мире, то звуковое кино натолкнулось на языковой барьер.
Поначалу голливудские студии даже шли на то, чтобы снимать параллельно по 3 языковые версии фильма. Перед камерой сначала разыгрывался эпизод с англоязычными актерами, затем на их место становились франкоязычные актеры, а за ними сцену разыгрывали актеры, владеющие немецким языком. Но, естественно, это было дорогостоящей затеей и киностудии быстро пришли к идее включения в кинопроцесс таких технологий как дублирование и субтитры.
Даже сегодня языковой барьер остается значимым фактором для проката фильма. Фильм снятый на наиболее универсальном современном языке – английском, имеет намного больше возможностей для успеха. Фильм снятый на другом языке должен как минимум иметь англоязычные субтитры. По этой же причине мюзиклы довольно редко выходят на экраны современных кинотеатров – для глобального мирового кинорынка музыкальные проекты – это слишком дорого, долго и сложно (Переводчики, певцы, звуковой монтаж каждой национальной версии должны сработать на высшем уровне, чтобы максимально передать оригинальную неискаженную версию фильма).
