Парижская школа

Парижская школа. Леонард Фуджита. "Я знал, что я буду первым живописцем в Японии, но я мечтал быть первым живописцем в Париже». Париж, начало двадцатого века, сюда съезжаются художники разных стран, чтобы вдохнуть воздух свободного творчества, которым дышали великие импрессионисты и постимпрессионисты. Золотое время в истории живописи. Город живет исключительно бурно и притягивает к себе не только тех, кто стремится к успеху и материальным благам, но и тех, кто ищет совершенно новые пути в искусстве. В богемной атмосфере монпарнасских кафе и в нищете съемных мастерских создается искусство, которым уже через несколько десятилетий будет восхищаться весь мир. И не случалось, пожалуй, ни прежде, ни потом такой мощной концентрации столь непохожих, часто противоположных, отважных, независимых и сильных талантов из разных концов мира в одном городе на протяжении столь долгого времени. И вот среди этой многонациональной и многообещающей публики вдруг появляется экзотический экземпляр – молодой японский самурай в несуразных круглых очках и с нелепой челкой. Здесь его все звали Леонардом, потому что его настоящее имя выговорить было невозможно. И фамилию переиначили из Фудзита в Фуджита. Foujita Tsuguharu родился в знатной японской семье. В 1910 году закончил Национальный университет изящных искусств и музыки в Токио. К этому времени он не просто выпускник, а довольно успешный художник. С самого начала ему сопутствовал успех. Все указывало на то, что он родился под счастливой звездой. Одну из картин молодого художника даже приобрел сам Император всея Японии – Хирохито. Карьера придворного живописца была ему обеспечена, но Фуджита влекли другие горизонты. Спустя два года он отправляется в Лондон, где знакомится с европейским искусством, а еще спустя год, в 1913 году, уговаривает отца позволить ему переехать в Париж. На Монпарнасе Леонард чуть ли не в один вечер знакомится с Амедео Модильяни, Жюлем Паскином, Хаимом Сутиным, Фернаном Леже, Анри Матиссом и Пабло Пикассо. Он легко ассимилируется в парижской художественной среде. С тех пор ни одно сборище в «Ротонде» не обходится без него. Его картины знали наизусть, его имя не сходило с уст критиков и со страниц газет. Леонард даже брал уроки танца у тогда уже легендарной Айседоры Дункан. Его студия на улице Delambre на Монпарнасе стала предметом зависти многих художников, там была ванная комната и горячая вода. Многие известные модели приезжали к японцу, чтобы насладиться этой роскошью. В Париже Фуджита сразу выделяется собственным стилем. Художник тонко и деликатно сумел объединить Восток и Запад. Графика, четкая прорисовка мелких деталей, светлый колорит с переливами молочных и перламутровых оттенков — эти особенности стиля привлекли публику. Не последнюю роль сыграло и типичное для того времени увлечение японизмом. В то время, когда большинство художников отдавали предпочтение яркости и декоративности рисунка, работали широкими мазками, палитра Фуджиты была практически монохромной, похожей на гризайль своими мельчайшими и тончайшими пастельными оттенками. Он был удивительно изобретательным художником, не только в вопросах стиля, но и техники. Фуджита экспериментировал с акварелью и изобрел уникальную смесь из толченых устричных раковин, которая до сих пор не разгадана. Леонард Фуджита выделяется среди художников парижской школы тем, что объединил технику гравюры с приемами европейского модернизма. Его картины отличались жемчужным свечением и непередаваемым изяществом, чистотой и легкостью, покоряющими публику с первого взгляда. "Я знал, что я буду первым живописцем в Японии, но я мечтал быть первым живописцем в Париже», - Леонард Фужита. 1. Café, 1949 2. Self-Portrait (1936) 3. A Bistro in the Latin Quarter, 1958 4. Nu allongé à la toile de Jouy 5. Парижский пейзаж 6. Portrait De Suzy Solidor 7. Автопортрет, 1926 8. Фотография в мастерской

Амедео Модильяни, художник, умерший на пороге славы и Жанна Эбютерн, его преданная спутница, не пожелавшая пережить разлуку с ним. (часть вторая). Их любовь была пропитана запахом масляных красок, алкоголя, гашиша и сырости нетопленой мастерской. Около 30 портретов возлюбленной написал художник за те три года, которые были отведены им судьбой. Амедео называл ее лучшей своей моделью, она часами могла сидеть неподвижно, пока он писал её портрет. Сейчас они продаются за миллионы долларов. Только недавно были обнаружено несколько картин, написанные самой Жанной – оказалось, она была хорошим художником и обладала своим, уникальным стилем. Но главным в ее жизни было не искусство, а он – Амедео. Каждый вечер она находила его в одном из парижских кафе и смиренно доставляла на трамвае домой. Когда друг Модильяни Леопольд Зборовски стал убеждать Жанну, что художника нужно срочно спасать, она невозмутимо ответила: «Вы просто не понимаете – Моди обязательно нужно умереть. Он гений и ангел. Когда он умрет, все сразу это поймут». Мало что изменилось, когда у них родился ребенок, девочка, тоже Жанна. Друзья этого маленького семейства тревожились всё больше: больной художник, хрупкая женщина и младенец жили в нетопленной мастерской, частенько голодали, и, кажется, не собирались ничего менять. Они не были хорошими родителями. Она думала только о своем гении, а гений думал об искусстве. В этот период работы Модильяни, наконец, начали пользоваться успехом и приносить доход, но художник продолжал пить. Зима 1920 года была особенно суровой, Модильяни сильно простудился и слёг. В конце января друзья застали его лежащим на кровати в холодной мастерской почти без сознания. У него была последняя стадия туберкулеза. Беременная на 8-м месяце Жанна сидела рядом, бессмысленно глядя в одну точку. 24 января он умер в больнице для бедных. На следующий день она выбросилась из окна родительского дома. Музе не было места в этом мире без ее гения. После их смерти маленькую Жанну удочерила сестра Амедео. Жанна Модильяни станет одним из лучших биографов отца. Спустя несколько лет после смерти художника родители Жанны Эбютерн согласились перезахоронить ее рядом с возлюбленным. На кладбище Пер-Лашез две могилы рядом: «Амедео Модильяни, художник, умерший на пороге славы» и «Жанна Эбютерн, его преданная спутница, не пожелавшая пережить разлуку с ним». ⠀ Мир признал Амедео Модильяни гениальным скульптором и живописцем только после его смерти. Жанна знала это всегда. Начало истории: Амадео Модильяни и Жанна Эбютерн. История любви 1.   Портрет Жанны Эбютерн в широкополой шляпе, 1918 2.   Портрет Жанны Эбютерн, 1918. 3.   Портрет Жанны Эбютерн в желтом свитере. 4.   Портрет Жанны Эбютерн в профиль, 1918 5.   Амедео Модильяни. 6.   Жанна Эбютерн.

Амедео Модильяни и Жанна Эбютерн. История любви. ⠀ Запечатленная в созданных художником портретах, история любви Амедео Модильяни и Жанны Эбютерн, стала одной из самых известных романтических историй в искусстве ХХ века. ⠀ Они встретились в апреле 1917 года в художественной академии Коларосси. Жанна – 19-летняя студентка, делающая свои первые наброски. Амедео, или, как называли его в богемной среде, Моди (фр. - проклятый), - 32-летний бедный художник, воспользовавшийся возможностью за 50 сантимов получить место с мольбертом и писать обнаженную натуру. Модильяни к тому времени уже десять лет как жил в Париже, и был довольно известным в узких кругах художником, у него за плечами было множество романов, в том числе и с Анной Ахматовой. ⠀ Умный, обаятельный, прекрасно образованный, он жил за гранью нищеты. За годы жизни в Париже страстный и увлеченный искусством красавец Модильяни растерял свой лоск, изящные костюмы сменил на мятый вельветовый пиджак и длинный шарф.  В его маленькой мастерской неподалеку от Люксембургского сада всего-то и было вещей что мольберт, узкая кровать, пара стульев да большой чемодан, на котором частенько ночевали гости – такие же полуголодные увлеченные искусством фантазеры. Но самыми постоянными друзьями художника были алкоголь и гашиш. А еще он был болен туберкулезом. ⠀ Жанна была его полной противоположностью. «Она была похожа на птицу, которую легко спугнуть. Женственная, с застенчивой улыбкой. Говорила очень тихо. Никогда ни глотка вина. Смотрела на всех как будто удивленно». Миниатюрная, нежная, кроткая, получившая строгое католическое воспитание – неудивительно, что ее родители не желали дочери такого неприкаянного мужа-бессребреника. Однако удержать Жанну уже не могло ничего. В своего Амедео она влюбилась без памяти и с первого взгляда. ⠀ Многие удивлялись, что нашла Жанна в немолодом художнике. Он беспробудно пил, был болен, его единственная прижизненная персональная выставка закончилась скандальным провалом, он продавал наспех сделанные рисунки, а вырученные деньги тратил снова на выпивку.  ⠀ О донжуанстве Модильяни говорил весь Париж. Красивый, романтичный, с ореолом трагичности, у него были романы с самыми яркими и экстравагантными дамами из парижской богемы. Нищий, гордый, потерянный и страстный – живая достопримечательность богемного Монмартра, объект желания всех мадемуазель в округе, мечтавших ему позировать. Амедео менял их с такой же скоростью, с какой писал картины. В кафе и ресторанчиках его часто кормили бесплатно – за наброски на салфетках. Картины продавались плохо. Впрочем, гордый итальянец даже с пустым кошельком не соглашался писать портреты за деньги. Никто не может диктовать ему что и как рисовать. За мольбертом Модильяни проводил все свое время, когда не пил и не кутил с друзьями в кафе. В приступах яростной самокритики он уничтожал одну картину за другой. Он не жил – сгорал. Но появилась Жанна и вдохнула жизнь в него и в его творчество. Он раньше видел её во сне. Довольно часто и очень ясно. Даже признался однажды другу, румынскому скульптору Константину Бранкузи, что ждёт единственную, которая станет его вечной любовью – ту самую, из сновидений. И вот она появилась и стала центром его творческой вселенной. Инденбаум, приятель Модильяни, вспоминал: «Поздней ночью его можно было увидеть на скамье перед «Ротондой». Рядом сидела Жанна Эбютерн, молчаливая, хрупкая, любящая, настоящая Мадонна рядом со своим божеством…». Продолжение истории: Амадео Модильяни, художник, умерший на пороге славы, и Жанна Эбютерн, его преданная спутница, не пожелавшая пережить разлуку с ним. 1.   Портрет Жанны Эбютерн, 1918. 2.   Портрет Жанны Эбютерн в красной шали, 1917. 3.   Портрет Жанны Эбютерн, 1918. 4.   Портрет Жанны Эбютер в синем кресле, 1918. 5.   Портрет Жанны Эбютерн в шляпе.

Хаим Сутин. Часть вторая, дружба с Модильяни. Как-то раз сидели Хаим с Осипом Цадкиным (впоследствии Цадкин написал мемуары о Сутине, по которым можно предположить, что всю тусовку вокруг нелюдимого Сутина создал именно он) в кофейне на Монмартре, встретили Амедео Модильяни, который был заметно навеселе. Тот захотел посмотреть работы «новенького» для Парижа Сутина. В скором времени пьяные и веселые Цадкин и Модильяни ввалились в подвал Сутина. Хаим стоял раздетый перед холстом и любовно смотрел на него, словно это была девушка. Потом он бережно взял кисть и нанес два-три сильных и ровных мазка на поверхность холста. Казалось, будто на холст попала струя крови. Хаим обозначил вокруг «раны» контуры человеческого тела и водрузил ему на голову нечто несуразное, похожее на цилиндр, который через мгновение превратился в белый колпак поваренка. Кстати, голым Сутин рисовал потому, что у него не было денег на одежду. Он снимал ее, чтобы не запачкать. После той истории Модильяни притащил Хаима к себе в мастерскую, нарисовал его портрет и предложил перебраться из подвала к его другу Леопольду Зборовскому, который продавал картины Модильяни. Зборовский был не против и в последующие годы начал продавать работы и Сутина, чем спас его от нужды и голода. Благодаря его материальной поддержке художник смог прожить около трех лет на побережье Средиземного моря. В его искусстве в это время произошли значительные перемены. Жена Зборовского была рафинированной польской аристократкой, считала Сутина мужиком, бесилась от присутствия Хаима и запретила приводить его в дом. В отместку Модильяни нарисовал портрет Сутина прямо на двери ее квартиры. Хаим стал легендарной личностью среди обитателей Монпарнаса именно из-за этой двери. От его портрета пытались избавиться, но тщетно, и, в конце концов, дверь сняли с петель и выставили на продажу. Ее купил какой-то сумасшедший мануфактурщик, любитель постимпрессионистов Люсьен Map. А через десять лет продал: она стоила в тысячу раз больше. Новым владельцем двери оказался арабский шейх. Говорят, что Модильяни был первым, кто увидел в Сутине талант. Он поверил в него, поддержал. Амадео знакомил друга с нужными людьми, приводил натурщиц, помогал и боролся за него в тот момент, когда все его оттолкнули. Разница между ними разительна: Сутин - едва сводящий концы с концами, неопрятный, странный, нелюдимый провинциал. Модильяни - франт, элегантный и обаятельный итальянец, знаток живописи, декларирующий по памяти сонеты Данте. Тем не менее они стали близкими друзьями. Уже будучи тяжело больным, Модильяни сказал Збровскому: «Не беспокойтесь, в лице Сутина я оставляю вам гения» и заставил его пообещать поддерживать друга, когда Модильяни умрет. Сутина вряд ли можно назвать гениальным рисовальщиком, но его творчество - это взрыв, эмоции, выразительность, вдохновение, это безумное чувство цвета и гармонии. Возможно, постимпрессионизм, экспрессионизм, кубизм потому так любимы многими, что нам кажется, будто для такого искусства требуется больше вдохновения, чем мастерства, и оттого создается иллюзия, что оно нам ближе. Кстати, хочу заметить, что картина “Кондитер”, которую вы видите на обложке поста написана в 1927-м году, а Модильяни умер в 1920-м. Как бы часто вас не пытались запутать в интернете, представляя ее для иллюстрации истории знакомства Сутина и Модильяни, знайте, что это никак не может быть тот самый поваренок. При этом очевидно, что это одна из любимых тем Сутина, к которой он возвращался много раз. Читайте также: Хаим Сутин. Алкоголь, красный цвет и бычьи туши. 1.   Кондитер, 1927 2.   Фазаны, 1925 3.   Букет цветов с гипсовой статуей, 1918 4.   Натюрморт с селедкой, 1923 5.   Красная лестница в Кань, 1918 6.   Кондитер из Кань, 1923 7.   Музыкант, 1927 8. Амадео Модильяни. Портрет Хаима Сутина, 1915

Хаим Сутин. Алкоголь, красный цвет и бычьи туши. Сегодня начну рассказывать об очень неординарном художнике, в представлении о котором, как ни о каком другом, господствуют стереотипы. Точнее, один главный стереотип сумасшедшего художника, то ли гения, то ли безумца, творчество которого можно описать тремя словами: алкоголь, красный цвет и бычьи туши. Застенчивый провинциал, он многим казался малограмотным невеждой. Неуклюжий, неопрятный, с «глазами затравленного зверя», в надетом на голое тело поношенном пальто... «Абсолютно дикий человек», - так охарактеризовал Сутина один из современников. Он колотил по ночам в двери соседей, требуя, чтобы ему дали хоть кусок хлеба. Но раздобыв пару селедок и луковицу, немедленно брался за натюрморт и, хотя его рассудок мутился от голода, не притрагивался к еде, пока не доводил работу до конца. Со всеми он пытался расплачиваться своими картинами: с людьми, у которых одолжил денег, с полицейским, который с пониманием отнесся к нему в участке, когда Сутина доставили в полицию, обнаружив его спящим в мусорном ящике. Натурщицы, измученные многочасовыми сеансами, плакали и отказывались работать с ним. Соседи разбегались, не в силах вынести запах разлагавшегося мяса, которое Сутин в жаркие летние дни приносил для натюрмортов с бойни, расположенной по соседству. А он, не замечая смрада, стоял раздетый перед мольбертом и творил. О любой его картине, портрете, пейзаже, натюрморте, можно сказать: «Больно смотреть». Его полотна наполнены драматизмом даже в том случае, если он изображает селедку. Его кисть порывиста, независимо от того, что он пишет - рощу в ветреный день или портрет томной красавицы. Его многочисленные гладиолусы выглядят такими же «освежеванными», как его полотна с тушами. Его лучшие картины были написаны «на одном дыхании», без предварительных набросков, в максимальном напряжении творческих сил. При этом художник часто возвращался к одному и тому же мотиву, добиваясь адекватного воплощения своего замысла и постоянно уничтожая несовершенные, с его точки зрения, работы. Его палитра содержала более 40 красок, и для каждой употреблялась отдельная кисть. Так сложилось, что признание пришло к нищему голодному художнику неожиданно, во многом благодаря изображениям окровавленных бычьих туш, кстати, навеянным произведением Рембрандта. Сам Хаим толком не понимал, как это произошло. Работы Сутина увидел американский коллекционер Альберт Барнс и приобрел 50 его картин. Этот момент можно считать одним из ключевых в биографии художника: такие поступки коллекционеров незамедлительно вызывают резонанс. Наконец жизнь улыбнулась Сутину, его картины стали хорошо продаваться, благодаря чему он смог завести собственную студию на площади Клема, где написал свои самые знаменитые “мясные” картины. Хаим Сутин всю жизнь работал в трех жанрах – пейзаж, портрет, натюрморт. На мой взгляд, во всех одинаково мощно. Сегодня покажу всего понемногу из того, что мне нравится. Продолжение: Хаим Сутин, часть вторая. Дружба с Модильяни. 1.   Пейзаж в Кань, 1925 2. Натюрморт с селедкой и луком, 1917 3.   Натюрморт с супницей, 1916 4.   Пейзаж, 1918 5.   Натюрморт с фруктовой вазой и тремя бутылками, 1916 6.   Лежащая женщина (Женщина, лежащая на красном диване), 1916 7.   Цесарка, 1927

Автопортреты художников начала XX века. Продолжу так занимающую меня тему. На прошлой неделе я уже показывала вам десять автопортретов художников эпохи конца XIX века, времени расцвета импрессионизма и последовавшего за ним постимпрессионизма. Сегодня плавно перейдем с этой темой в новое столетие. В живописи самого начала ХХ века все еще был популярен импрессионизм со своей чистотой, воздушностью и мимолетностью. Однако, двадцатое столетие стало одним из самых противоречивых в истории, и это в полной мере отразилась и в изобразительном искусстве. На смену легкому, воздушному импрессионизму пришли новые неординарные направления, которые принято объединять общим названием - авангардизм. Несмотря на это обобщение, стили, которые к нему относятся, могут быть весьма противоречивыми и иметь абсолютно разные черты. Вы наверняка слышали, какие течения захватили умы и сердца художников начала XX века, самые известные из них: экспрессионизм, дадаизм, конструктивизм, кубизм, супрематизм, примитивизм, футуризм, сюрреализм. Да, живопись нового столетия отличалась небывалым разнообразием. Это было время поиска новых форм и средств художественного выражения. Талантливые представители авангардизма, те, что последовательно придерживались прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями. Вообще, в изобразительном искусстве существует огромное разнообразие стилей и направлений. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии и смешении. В рамках одного художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и подчас их трудно различить. В общем, не огорчайтесь, если у вас в голове путаница, когда вы пытаетесь разобраться в авангардизме. На этом можно считать, я вас подготовила к просмотру автопортретов великих художников начала ХХ века. Смотрите, удивляйтесь, наслаждайте и, как говорится, почувствуйте разницу. И не говорите потом, что я вас не предупреждала. 1.   Пабло Пикассо. Автопортрет с палитрой, 1906 2.   Марк Шагал. Прогулка (автопортрет с Беллой), 1917 – 18. 3.   Эдвард Мунк. Автопортрет с бутылкой вина, 1906 4.   Казимир Малевич. Автопортрет, 1910 5.   Хаим Сутин. Автопортрет, 1918 6.   Анри Матисс. Автопортрет, 1918 7.   Сальвадор Дали. Автопортрет с “Юманите”, 1923 8.   Хуан Миро. Автопортрет, 1919 9.   Василий Кандинский. Автопортрет 10. Рене Магритт, Автопортрет, 1929