ТЕОРИЯ ИЗО ИСКУССТВА.

В предыдущей статье я анализировала натюрморт Сезанна, и коснулась преобладания дополнительного цвета. Это напомнило мне об одном вопросе, который стоит обсудить - это ставшее практически устойчивым в художественной среде выражение "попасть в цвет". Вот этот натюрморт (фрагмент): Чаще всего это понимается буквально. То есть обучающийся, начинающий художник полагает, что нужно "слизать один в один" "натуральный" цвет предмета, который воспринимается при взгляде "в упор", в точку. И, положив язычок на плечо, усиленно старается передать этот цвет один в один...

Потому что привыкла смотреть своими глазами, ещё во время обучения. Теоретически цветовой круг должен помочь определить, какой цвет нужно использовать. Например, если свет красный - в тени присутствует зелёный, как противоположный на спектральном круге, и т.д. На деле, если мы пишем оранжевый фрукт, и так (невооруженным глазом) видно, что в тени есть синий (если он там действительно есть при конкретных освещении и окружении). Если работать с натуры и правильно смотреть, цвет интереснее искать и угадывать, чем брать "как надо"...

Вряд ли я "открою Америку", если скажу, что предметы в натюрморте должны уверенно стоять на плоскости, и для этого их основания "расставляют" от переднего плана в глубину. То есть, в построении первоочередное значение имеет расположение основания в пространстве, причём сначала ставят на основание ближайший предмет, затем от этого основания выверяют основание следующего предмета, и так далее по мере удаления предметов от рисующего. Уточню на всякий случай, вдруг не все так рисуют: это распространяется не только на предметы в натюрморте...

В период работы часто от коллег слышала слово "приём" применительно к живописи и рисунку. Дескать, студентов надо обучать приёмам. Но, давайте порассуждаем. Приём - это готовое решение, клише, которое может применить художник. Например, возле светлого тона положим темный фон, а возле тёмного - светлый, а на контрасте будет выразительность. Или приём, который описывал художник и преподаватель Константин Коровин: будучи стедунтами, он и сокурсники использовали коричневый подмалёвок для живописи, с тем, чтобы он проступал сквозь следующие прописки и служил для обобщения работы...

Эта маленькая заметка сможет снять многие "почемучистые" вопросы, которые возникают при просмотре картин разных художников. К примеру, такой: "А что это у мальчика плечо такое длинное?" А что это у Модильяни люди такие странные? А потому что есть живопись/рисунок академические, и есть творческие. Академическая живопись и рисунок предполагает постановку и решение определённого ряда академических задач. Там всё должно быть верно с точки зрения анатомии, теории живописи и т.п. Студенты в учебных заведениях занимаются именно штудией академических задач...

Сегодня продолжу очень важную тему - зачем художнику знать форму черепа, как это должно сказаться на рисовании портретов. (Это информация, общая для всех, вне зависимости от принадлежности к рисовальной школе.) Я решила провести параллель: на рисунке черепа рассмотрим основные моменты его строения, а на готовых работах художников - как эти знания отражаются на работе. Есть такой интересный момент. Если вы знаете, на что обратить внимание, мозг сосредотачивается на этой задаче, и нужная информация обрабатывается...