Картины великих художников🖼️

🖼️Датский художник Вигго Юхансен Картина . Светлое Рождество🎨🖌️ Свои картины он писал в реалистичной манере с небольшим налетом французского импрессионизма. Характерной особенностью его творчества является специфическая игра света и тени – с помощью этого приема он выделяет важное, обращая на него внимание зрителей. Одной из ключевых работ считается «Счастливое Рождество» — настоящий символ праздника и безмятежной радости. На полотне представлен Рождественский сочельник. Изображена большая гостиная комната. Свет в ней погашен, но это не мешает разглядеть детали интерьера: большой книжный шкаф, две вазы с букетами из сухоцветов, зеркало в позолоченной раме, на возвышении в углу гипсовый бюст. В центре композиции – огромная рождественская елка. Она украшена мишурой, игрушками и сладостями, на ветвях сверкают настоящие свечи. Огоньков так много, что они создают вокруг елки мерцающий ореол. Теплое свечение распространяется по комнате, отражаясь на лицах людей, создавая причудливые тени. Вокруг дерева водят хоровод дети разного возраста и две молодые женщины. Они поют гимны, а на их лицах написана неподдельная радость и ожидание чуда. Еще одна женщина постарше – няня или бабушка – стоит в стороне и с теплой улыбкой наблюдает за общем весельем. Она словно отстраняется от праздника, уступая свое место подрастающему поколению. Художник очень мастерский использовал световые эффекты, сделав огоньки ёлки необычайно «живыми», яркими и насыщенными. Кажется, что кто-то действительно включил на картине маленькие фонарики. И сразу на ум приходит лунная магия Куинджи. На ёлке можно разглядеть бусы, бантики, бумажные гирлянды, куклы, конфеты, некое подобие мишуры и многое другое . 🎨Вигго Юхансен, Хиршпрунга, Копенгаген Чуть было не оставил живопись из-за пылкого увлечения музыкой. В 1885 году картины Юхансена увидел Париж — а сам художник был пленен работами Клода Моне и их потрясающей колористикой. По возвращению на родину в картинах Юхансена появились светлые краски и больше света. Одна из таких замечательных картин, созданная в его новом творческом стиле художника — «Светлое Рождество». Картин этого мастера. Она действительно была начата на Рождество 1890 года в доме семьи Юхансенов, где в этот веселый праздник традиционно собрались домочадцы. Написать ее в один день было невозможно, поэтому вся семья попеременно позировала для отдельных деталей работы вплоть до апреля 1891 года.

Несравненный скульптор, прекрасный рисовальщик и талантливый художник (хотя и не считавший живопись "своей" стезей), Микеланджело был и остается одним из самых именитых деятелей искусства всех времен. 🌅Распятие Святого Петра - фреска итальянского мастера эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти (ок. 1546–1550). Работа расположена в Капелле Паолина Апостольского дворца в Ватикане и считается последней фреской Микеланджело. Художник изобразил Святого Петра в момент возложения его римскими солдатами на крест. Микеланджело сосредоточил внимание на изображении боли и страдания. Реставрация фрески, завершенная в 2009 году, позволила обнаружить изображение, которое, как полагают, является автопортретом самого Микеланджело. Фигура мастера присутствует в верхнем левом углу фрески в красной тунике и синем тюрбане. Скульпторы эпохи Возрождения часто носили синие тюрбаны, чтобы пыль не попадала на волосы. Микеланджело решил сосредоточиться на гораздо более мрачном моменте в жизни святого. Святой Петр получил статус великомученика не только потому, что был «первым наместником Христа», но и потому, что, подобно Христу, был распят. Фреска «Распятие» расположена на восточной стене капеллы Павла, что весьма примечательно, потому что это место, где кардиналы всегда проводили выборы нового Папы. Фон фрески проработан минимально и являет собой почти условно обозначенный горный пейзаж. Вазари заявляет: «В этих сценах нет ни пейзажа, ни каких-либо деревьев, зданий или других элементов». Горы окрашены в слабый синий оттенок; земля, представленная на среднем и переднем планах, имеет бледно-желто-зеленый цвет, который в некоторых местах содержит большее количество охры. Самым впечатляющим элементом этой внушительной по размерам фрески является ее центральный композиционный элемент. В отличие от многих предшествующих представлений о мученичестве Петра, здесь изображено возложение Петра на крест - момент предшествующий непосредственно распятию. Угол, под которым Микеланджело расположил крест, оживляет композицию и придает ей интенсивный динамизм. Ярко выраженная диагональ подчеркивает круговое расположение фигур, за которым мимо воли следует вззгляд зрителя. Если читать картину слева направо, фигуры, поднимающиеся по ступеням в левом нижнем углу, направят взгляд вверх к группе всадников. От них взгляд переместится к группе людей, расположенных в правом верхнем углу, которые, в свою очередь, приведут его к одному концу распятия. 🌅Одна из двух последних значительных работ Микеланджело Буонарроти, выполненных в поздний, кризисный период его творчества. Фреска написана в период 1546—1550 годов по заказу папы Павла III. Другая фреска, расположенная на противоположной стене капеллы: «Обращение Савла» была написана ранее: между 1542 и 1545 годами Папскую капеллу начали строить в 1537 году. «Распятие Святого Петра», вторая из двух композиций капеллы, написанная на известный сюжет о мученической смерти святого апостола Петра. Предназначавшаяся для боковой стены небольшой, прямоугольной в плане капеллы, композиция должна была быть закончена к 1550 году. Микеланджело ко времени завершения работ в капелле было уже семьдесят пять лет. Он много болел. В 1549 году скончался папа Павел III. В том же году в капелле случился пожар, что привело к замедлению работ. Новый понтифик Григорий XIII, возможно, намеревался поручить завершение фрески не престарелому художнику, а Лоренцо Саббатини и Федерико Цуккаро, работавшими в капелле над изображениями других важных эпизодов из жизни святых Петра и Павла. Тем не менее, к 1550 году обе фрески были готовы. В Нидерландах в Харлеме, в музее Тейлера, на листе с архитектурными этюдами имеются зарисовки итальянским карандашом к фреске «Распятие апостола Петра». Кроме этого, в Неаполе, в музее Каподимонте, хранится повреждённый фрагмент картона Микеланджело, состоящий из девятнадцати листов, наклеенных на холст (263x156 см) и повреждённых в нескольких местах После окончания работ над фресками в капелле Паолина, Микеланджело почти полностью посвятил себя архитектуре.

Исаак Ильич Левитан (1860–1900) – знаменитый российский художник. Его картины – своего рода эталон отечественной пейзажной живописи. В своих произведениях Левитан сумел не только мастерски отобразить увиденную им красоту русской природы, но и передать зрителю тончайшие оттенки своего настроения. «Крымский пейзаж» был написан 26-летним Левитаном, когда художник впервые в жизни совершил большое путешествие к Чёрному морю. Его воображение поразили яркие краски юга, открывающиеся с гор бескрайние просторы моря и неба. «Вот где вечная красота, - пишет художник из Ялты, и вот где человек чувствует своё полнейшее ничтожество! Да что значит слова, - это надо самому видеть, чтоб понять»! 🌅В 1886 году Исаак Левитан совершает поездку в Крым. И хотя его пребывание там было довольно кратким, этюды и картины, написанные Левитаном во время этой поездки, стали новым, весьма выразительным и проникновенным словом в художественном освоении этого благодатного края. На крымских работах Левитана мы практически не увидим знаменитых ландшафтов, и южная природа предстает не столько с парадной, а скорее с будничной стороны, в то же время исполненной неповторимой поэтичности. 🌅Взгляд зрителя скользит полинии прибоя вдаль,упираясь ввеличественные очертания Аю-Дага сбелыми саклями уподножий иразросшиеся кипарисы. Это немерина втрадиционном смысле— море в«Крымском пейзаже» неявляется центральным героем. Всегда остро переживавший безбрежность водного пространства иэмоционально подавленный им(так будет нетолько наЧёрном море,ноикогда художник впервые окажется наВолге), Левитан нестремится запечатлеть безбрежность или величие моря. Скорее,ему композиционно важнее небо: эти серые ижелтоватые негустые тучи,чрезвычайно богатые пооттенкам,сголубоватыми прорывами как нельзя лучше передают настроение пасмурного весеннего дня вКрыму. Сотрудникам музея вПлёсе,где хранится«Крымский пейзаж», удалось рассмотреть впестроте его переднего плана даже изображения людей:«Наберегудве маленькие фигурки,которые так редко встречаются влевитановских пейзажах. Он избегал в картинах изображения людей или тем более жанровых сцен,стараясь „очеловечить“ природу своими переживаниями и чувствами. Вфигурках,мужской и женской,можно угадать самого художника вчёрном костюме и красной турецкой фескеего спутницу. До появления крымских пейзажей живописца «никто из русских художников так не почувствовал, не воспринял южной природы с её опаловым морем, задумчивыми кипарисами, цветущим миндалем и всей элегичностью древней Тавриды. Левитан как бы первый открыл красоты Южного берега Крыма».

Мадонна в гроте» Автор: Леонардо Да Винчи. 🖼️Главная особенность одной из самых загадочных картин в западном искусстве «Мадонна в скалах» — это то, что их на самом деле две. О них по сей день историки и искусствоведы ведут горячие споры. Происхождение культового полотна, тайные смыслы, которые зашифровал в своей работе славящийся своими загадками да Винчи — всё это не даёт покоя исследователям. Картина была заказана мастеру 25 апреля 1483 года Братством Непорочного Зачатия для центральной панели деревянного алтаря, построенного Джакомо дель Майно для Часовни Зачатия. Часовня являлась частью церкви Сан-Франческо-Гранде в Милане, Италия. В росписи алтаря также участвовали два брата: Евангелиста и Амброджо де Предис. Первую работу приобрёл герцог Миланский Людовико Сфорца, покровитель да Винчи. Также он оплачивал Леонардо труд над вторым вариантом. В 1625 году «Мадонна в скалах» перешла во владение Кассиано даль Поццо и хранилась в замке Фонтенбло во Франции. Некоторые искусствоведы считают, что вторая версия картины была написана совсем не гением Возрождения, а группой его учеников. В пользу этой теории говорят некоторые стилистические отличия, намекающие на чужую руку. 🖼️Картина существует в двух вариантах, один из которых находится в Лувре (Париж), другой – в Лондонской Национальной галерее. Художник начал над ней работу в 1483 году, но поначалу оставил картину у себя из-за проблем с заказчиками по поводу оплаты. Завершил он её лишь спустя 10 лет, но замыслил сделать повторение картины. А в 1508 году, при участии свого ученика Амброджо де Предиса, художник, несколько видоизменив, все же закончил второй вариант картины, которая ныне и находится в Лондоне. Изображения на этих двух полотнах во многом отличаются. Лондонский вариант: Фигуры персонажей выглядят несколько крупнее, к их головам дорисованы нимбы. Архангел Уриил больше не указывает пальцем на малыша, сидящего справа от Божьей Матери, который на этот раз держит удлиненный крест – символ Иоанна Крестителя. 🖼️Сюжет изображает встречу Девы Марии и Младенца Христа с маленьким Иоанном Крестителем во время бегства в Египет. В основу композиции Леонардо да Винчи положил апокрифический сюжет из текста «Жизни Иоанна по Серапиону» о детстве Христа. На картине Дева Мария сидит на земле скалистого грота, возвышаясь над фигурами Христа и св. Иоанна, как бы оберегает и охраняет их, простирая руки. Гармоничность и нежность сцены контрастирует с тёмным фоном — скалистым гротом, и некоторые исследователи видят в нём отсылку к будущим крестным страданиям Христа. Очертания фигур смягчены сфумато — техникой сглаживания контуров и цветовых переходов, изобретённой Леонардо. Пространство картины воспринимается как очень воздушное, лёгкое, нежное. На переднем плане полотна изображены четыре фигуры, стоящие на коленях. Центральная фигура — Пресвятая Богородица, справа от неё (слева от зрителей) находится фигура маленького Иоанна Крестителя. Правая рука Марии лежит на плечах Иоанна, как бы мягко удерживая его, так сказать, под своим крылом. Он стоит на коленях, согнув левую ногу, его руки сложены в молитвенном жесте, направленном на Иисуса Христа, который находится напротив него. Слева от Марии (справа от зрителя) фигура сидящего ангела. Его крылья едва видны. Левая рука Марии поднята над головой младенца Иисуса. Указательный палец правой руки ангела указывает на фигуру святого Иоанна, а его левая рука нежно поддерживает Христа. Интересно, что на второй версии картины отсутствует эта деталь, а взгляд ангела более медитативен и несколько отстранён. Иисус расположен к зрителю ближе всего, он держит правый указательный и средний пальцы в жесте благословения Иоанну, а левой рукой опирается на камни рядом с собой. Фигуры изображены на фоне скал, в пещере. Рядом какой-то водоём, а вдоль изогнутого верхнего края композиции бесконечно голубое небесное пространство. На переднем и заднем плане с ботанической точностью изображены различные растения. Учёные идентифицировали пальму, первоцвет, цикламен и водосбор. Уникальной картину делает манера изображения фигур да Винчи.

Рафаэль Сикстинская мадонна. 1513—1514 Холст, масло. 265 × 196 см Галерея старых мастеров, Дрезден. Викисклад Кликабельно - 3028px × 4151px История создания Картина была написана в качестве алтарного образа для церкви монастыря св. Сикста. Юлий II решил отблагодарить монахов (которые активно агитировали за присоединение к Риму) и заказал у Рафаэля Санти (к тому времени уже признанного мастера) заалтарный образ, на котором Дева Мария является святому Сиксту. Рафаэлю заказ понравился: он позволял насытить картину символами, важными для художника. Живописец был гностиком — приверженцем позднеантичного религиозного течения, опиравшегося на Ветхий Завет, восточную мифологию и ряд раннехристианских учений. Гностики из всех магических чисел особо чтили шестерку (именно на шестой день, по их учению, Бог создал Иисуса), а Сикст как раз переводится как «шестой». Работа над «Мадонной» была закончена в 1513 году, до 1754 года картина находилась в монастыре Святого Сикста, пока ее не купил саксонский курфюрст Август III за 20 000 цехинов (почти 70 килограммов золота). До начала Второй мировой «Сикстинская Мадонна» пребывала в галерее Дрездена. 🕊️» Надо сказать, что слава к ней пришла много позже после написания. Два века она пылилась в Пьяченце, пока в середине 18-го века её не купил Август III, курфюрст саксонский и король польский, и не увёз её в Дрезден. 🕊️Мария выходит нам навстречу мягкой, невесомой поступью, словно желая преодолеть границы изображения. Но в то же время Рафаэль препятствует этому намерению, подчеркивая ощутимую материальность: веревки, на которой крепится завеса, стоящей в углу папской тиары и и двух ангелов (край гробовой доски или перил). В результате порыв оказывается «закован» в неподвижную раму. Во-вторых, в том, как Рафаэль пишет лица Мадонны и младенца Христа, он приближается к не свойственной ему трагичности. В этих образах он достигает удивительной глубины и проникновенности, которая в свое время поразила, среди прочих, В. А. Жуковского и Ф. М. Достоевского. Следует обратить внимание, — это тёмно-изумрудная завеса в верхней части картины. С одной стороны, она является знаком особого благоговения и отсылает к древнему обычаю, в соответствии с которым особо чтимые церковные образы завешивали, а открывали для поклонения только в торжественных случаях. Так, внизу он помещает изображение края громовой доски, на которую опираются ангелы. В образе Сикста угадываются черты недавно почившего папы. В правой части полотна художник пишет св. Варвару, которая, по преданию, встречает души усопших. Дева Мария, едва касаясь стопами облаков, выходит навстречу зрителю. Она держит своё дитя, крепко прижимая его к себе, не желая его отпускать, но в то же время — отдавая его миру, ведь он — не только её сын, он Сын Человеческий, Спаситель мира. Рафаэль по праву считается гением, создававшим непревзойденные образы гармонии. Однако в «Сикстинской Мадонне», кажется, легендарная рафаэлевская гармония как раз и нарушается. Во-первых, это связано с тем, что художник словно стремится вырваться из идеально уравновешенного и устойчивого пространства ренессансной картины, передать ощущение мимолетного чудесного видения, «прорывающего» земное пространство.

🟢Борис Кустодиев — живописец, график, скульптор, мастер книжных иллюстраций. Художник достоверно изображал жизнь русской провинции: ярмарки, праздники и народные гуляния. Его полотна отличались характерной яркостью, многоцветностью, точным воссозданием деталей. Кустодиев выработал собственный стиль в живописи — сказочный, народный, по-лубочному пестрый. 🟣Борис Кустодиев путешествовал по деревням и писал этюды: пейзажи, жанровые сценки, портреты крестьян. Народные праздники и гуляния нашли свое отражение во многих произведениях художника разных лет. Подобный сюжет Кустодиев выбрал и для дипломной работы в петербургской Академии художеств. «🟠Елочный торг» — произведение, созданное в 1918 году. Борис Кустодиев изобразил елочный базар как праздничное зрелище. Пространство картины напоминает сцену: реальную атмосферу предновогодней суеты художник превратил в представление. Кустодиев расположил людские фигуры хаотично — это создает впечатление, что изображение на картине можно продолжить в любую сторону. Незамкнутость композиции и своеобразная текучесть усиливают это ощущение. 🟢Кустодиев придавал большое значение линиям и игре цветовых пятен. Свет в «Елочном торге» весьма условен: мастер намеренно лишил небо глубины, а купола церкви написал интенсивными цветовыми пятнами, сведя разницу планов почти на нет. Так Кустодиев добился декоративности изображения и создал настроение новогоднего представления: купола церкви кажутся сказочными, а люди на базаре — красочными костюмированными декорациями вокруг главного предмета торга — елки. Художник делает легкие мазки кисти по холсту и по особому деликатно. Кустодиев придавал большое значение игре цветовых пятен и лини и рисунку. 🟣Художником подмечены настоящие типажи русской провинции и перенесены на холст и была передана реальная атмосфера праздничной суеты, а также праздничное костюмированное представление разыграл перед нами мастер. В этом произведении повсюду видна жизнь: суетятся и радуются люди, в небе летают красивые белые снежинки и все эти события окутаны хвойным ароматом красавицы ели.