Художник Щепина Екатерина

Размышление о цветовой гармонии. Сформулируем практическую мысль одним предложением "Красный пиши через зелёный, зелёный через красный и т.д." Наверняка, учащиеся художественных заведений частенько слышали эту мантру, но пренебрегают этим простым рецептом. В пример приведу свои работы из серии "Тотемы", работа выполнена масляной пастелью по синему акриловому подмалевку. В синем вы можете наблюдать проблески теплых, а в оранжевых - синие оттенки, которых можно добиться проскребанием одного цвета до другого. Возникает симультанное подсвечивание (вибрация) одного цвета другим и обогащение (усложнение) простого синего через оранжевый, и наоборот. Если же вы работаете краской, то можно добиваться этого эффекта наложением отдельных мазков, подобно импрессионистам, либо писать лессировками, либо смешивать дополнительные на палитре.

Кое-что о симультанном контрасте Понятие "симультанный контраст" обозначает явление, при котором наш глаз при восприятии какого-либо цвета тотчас же требует появления его дополнительного цвета, и если такового нет, то симультанно, то есть одновременно порождает его сам. Симультанно порожденные цвета возникают лишь как ощущение и объективно не существуют. Поскольку симультанно возникающие цвета реально не существуют, а возникли лишь в глазах, они вызывают в нас чувство возбуждения и живой вибрации от непрерывно меняющейся интенсивности этих цветовых ощущений. При длительном рассматривании основной цвет как бы теряет свою силу, глаз устает, в то время как восприятие симультанно возникшего цвета усиливается. Цвета теряют присущий им объективный характер и как бы "качаются", переходя из своей реальности в новое нереальное измерение. Цвет начинает терять свою материальность, и слова о том, что "сущность цвета не всегда идентична его воздействию", здесь полностью оправдывает себя. ⠀ Иттен "Искусство цвета" Больше всего я люблю играть с этим в работах, помещая нейтральные серые в цветную среду. Серый тут же начинает окрашиваться в дополнительный (на желтом становится фиолетовым, на красном - зеленым и т.д.) В натюрморте ниже серый нейтральный (белила титановые+сажа газовая) в нижнем слое приобретает голубоватые и зеленоватые оттенки, потому что находится рядом с дополнительными - оранжевым и красным. Здесь вообще нигде не использован зеленый, он рождается оптически.

"Если главным выразительным средством является цвет, то композиция должна начинаться с определения цветовых пятен, которые определят и ее рисунок. Тому, кто начинает с рисунка, а затем добавляет к линиям цвет, никогда не удастся достичь убедительного и сильного цветового воздействия. Цвет обладает собственной массой и силой излучения и придает плоскости иную ценность, чем это делают линии." Иттен Удивительно, что в большей части учебных заведений цвету уделяется так мало внимания. Очевидно потому, что рисунок требует длительной постановки руки да и в целом надо же научиться изображать действительность - горшки, пейзаж, человека в конце концов. И цвет в этой связи идет уже бонусом, но не ставится во главу угла. Поэтому по-настоящему энергетически ценных живописных произведений не много в общей массе живописи. Внизу приведу пару своих работ разных лет. Одно время рисунку и композиционной структуре уделялось много времени, они были во главе угла, что видно по первой работе. А затем я "заболела" физикой цвета и это уже совсем другая история...

Про живописную среду картины Иттен в книге "Искусство цвета" пишет: "Если каждый предмет и каждую плоскость изобразить в соответствии с их реальным природным цветом, то можно добиться вполне реалистически конкретного изображения. Но такая композиция будет состоять из множества отдельных частей, которые неохотно будут стремиться к объединению." Очень часто мы наблюдаем такие произведения, где цвет условен, его энергетическая составляющая не используется, подходя к полотну мы не испытываем эмоции от переживания физики волн. "Если же цвет предметов выступает как локальный цвет живописной композиции в целом, и объект обретает здесь собственный цвет как красное в общем красном или жёлтое в общем жёлтом, то предметы теряют свою изолированность. Они растворяются в своей собственной атмосфере, которая становится живописной атмосферой картины" Проще говоря, мы можем назвать картину одним общим словом - зелёная картина, красная картина и т.д. , имея в виду общий колорит, именно атмосферу произведения, где предметы связаны с этой средой и живут в ней. Работы тем самым обретают колористическую цельности. Ниже приведу в пример опять же свои картины из серии "Кокошники". Рассмотрим желтый в общем желтом на первой картине. Все окружающее пространство соткано из оттенков, в которые так или иначе примесно включен тот же желтый цвет, даже в фиолетовом мы видим отголоски желтого и желто-зеленого. Это такой маленьких лайфхак для тех, у кого возникают сложности с гармонией сочетаний - погрузите цвет в дружественную среду.

"Если главным выразительным средством является цвет, то композиция должна начинаться с определения цветовых пятен, которые определят и ее рисунок. Тому, кто начинает с рисунка, а затем добавляет к линиям цвет, никогда не удастся достичь убедительного и сильного цветового воздействия. Цвет обладает собственной массой и силой излучения и придает плоскости иную ценность, чем это делают линии." Иттен Вообще, друзья. я проповедник идей Иттена, стараюсь постичь этот безграничный мир цвета на практике в работах. Поделюсь и здесь кое-какими инсайтами, которые я разбирала со своими учениками в студии. А пока предлагаю вам самим ознакомиться с его трудами в книге "Искусство цвета"

В этой книге Иттена "Искусство формы" мне особенно понравилась идея о том, что картины носят субъективный характер, особенно у тех, кто ещё не прошел никакую академическую школу. ⠀ Иттен говорит о том, что любое субъективное формоизъявление предмета истинно, если оно соответствует человеческой конституции и темпераменту. ⠀ Среди художников он выделяет три основных типа: ⠀ Художники материально-импрессивного типа исходят из наблюдения бесконечного многообразия природы и реалистичного ее отображения без каких-либо экспрессивных дополнений. Их рисунки являются результатом внимательного зрительного наблюдения за натурой и в них точно воспроизводятся даже мельчайшие детали. ⠀ Художники интеллектуально-конструктивного типа исходят из конструкции предмета и пытаются все понять, упорядочить и расположить геометрически. ⠀ Художники духовно-экспрессивного типа руководствуются своей интуицией и безразличны к конструкции формы, но особенно внимательны к гармонии цвета. Судя по всему я метаюсь порой от интеллектуально-конструктивного типа к духовно-экспрессивному исходя из моих работ. Преподаватели не должны навязывать своим ученикам собственные предпочтения в отношении к формам или колориту. Им следует признавать, защищать и поощрять субъективную выраженность ученика. Изучение объективных законов формы и цвета помогает поверить в собственные силы и развить творческое дарование, заложенное природой

Художественные трудности ⠀ Всегда должно быть сложно. Это мое убеждение. Работу, которую вы видите ниже я переписывала 4 раза полностью, пока не добилась цветовой гармонии всех пятен между собой. ⠀ Если работать стало легко в какой-то теме, технике - пора что-то менять. Я знаю, что многие не заморачиваются. ⠀ Например, по поводу цвета. Йоханесс Иттен (автор книг о цвете и форме) нашел определенные пропорции дополнительных пар (красный-зеленый, оранжевый-синий, фиолетовый-желтый), которые будут компенсировать друг друга и создавать в глазу остаточное явление серого. Серый гармоничен априори. Поэтому серые картины так радуют глаз и так легко их гармонизировать художнику. Я знаю о чем говорю, тут спорить со мной бессмысленно. Больше таких работ тут И совсем иная задача гармонизировать контрасты и яркие цвета, которые раздражают глаз зрителя. Вот где начинается лаборатория художника и многократное переписывание оттенков, тонкий подбор колорита, муки творчества. ⠀ Также и с композицией, чтобы и ни отнять нельзя было кусок, ни добавить. ⠀ Художник-композитор цвета и формы никогда не стоит на месте, не садится на прием, а все время пребывает в преодолении каких-то сложных задач, которые сам себе и ставит. Да, работы не всегда могут получаться удачными, но сам процесс их появления уже невероятное наслаждение для художника. ⠀ И пусть весь мир подождёт) Больше таких работ тут

Artist Statement художника - это его художественное высказывание или то, что он в своих работах исследует. Мое исследование произрастает из глубин души, но в итоге можно смело экстраполировать это на многих людей, их переживания. Впрочем судите сами... Artist Statеment Как художника, меня интересует прежде всего построение композиции, взаимодействие локальных цветовых пятен с пятнами, содержащими орнаменты. Важным качеством картины считаю цельность, не только колорита, но и единства и соподчинения деталей, линий, форм пятен. Я отношу свои работы больше к цветной графике, нежели к живописи, цвет для меня является одним из мотиваторов к написанию той или иной работы. Например, если красное пятно столь притягательно, то к нему я подбираю все остальные цвета, задачей для себя ставлю звучание всех оттенков в едином ансамбле. Так как графика чаще требует плоского локального пятна, это повлияло на выбор материалов, с которыми я работаю: акрил, темпера, масло. Психологическая среда взрослого человек дифференцируется на слои - планы реальности и планы ирреальности (надежды и мечтания). Переход от одного плана к другому возможен, особенно когда план реальности становится слишком напряжённым. Моя картина становится игровым  экспериментом, позволяющим мне глубже исследовать свои переживания, понять себя. Моя реальная жизнь прозаична - семья, дом, работа. Поэтому игра является для меня выходом за рамки обыденности. Я пытаюсь справиться с психобиологическим напряжением, оказываемым на меня окружающей средой, иногда моя жизнь кажется мне безсобытийным рядом, но как художник я вольна генерировать собственные миры, примеряя на себя разные роли и исследуя разные идентичности. Мои работы - это игры в переодевания, стабилизирующий механизм сохранения себя, средство от выгорания, они же - способ сохранить внутреннее равновесие. Я помещаю себя в разные обстоятельства, играя с социальными, гендерными, субкультурными ролями. Особенное предпочтение я отдаю интересному костюму, когда одежда не менее красноречива, чем лицо персонажа. Происходит погружение героя в среду цветовых пятен, среду орнаментов и принтов. Рисуя их, я не только испытываю эффект замещения плана реальности, но и полностью абстрагируюсь от него, представляя себя уже чем-то третьим - не собой, не персонажем с картины, а симбиотическим организмом.