В нашей сегодняшней рубрике «Что с этим миром?» мы разбираем феномен красоты. Разобраться в этой, казалось бы, простой теме оказалось куда сложнее, поэтому Карина Миленина, автор канала «Патрик на линии» и одноименного подкаста о модной индустрии, разложила для нас это непростое понятие по полочкам. Делаем ставки, что вы и не догадывались, насколько феномен красоты важен для всего нашего общества.
Слово «красота» часто встречается в разговорах о современной моде, даже если оно не упоминается. Красота, с точки зрения моды, когда-то была чем-то определенным: критики были уверены в том, что они имели в виду, когда произносили это слово, а дизайнеры знали, чего хотят достичь. Но интерес к красоте в искусстве и гуманитарных науках находился в своего рода свободном падении, по крайней мере, последние 60 лет, и только в последние десятилетия пришел в еще больший упадок. Сегодня наше отношение как к слову, так и к понятию стало несколько запутанным. Неприятное напоминание о подавляющих идеалах и традиционных ценностях, художники и дизайнеры часто выступают против этого, и как анти-мода, так и искусство «контр-красоты» стремятся избежать идеалов. Но часто все, что в результате получается, — это замена нового стандарта красоты старым. И если более подрывная сторона моды прилагает усилия, чтобы избежать статус-кво красоты, то когда дело доходит до большей части рекламы и дизайна, это неизбежно. От кантианских ценностей до постмодернистского диссидентства, мы размышляем об эволюции красоты как концепции на протяжении всей истории.
«Чистая» красота
Европа эпохи Просвещения была отмечена строгим изучением природы красоты. Хотя их работа ни в коем случае не была первой попыткой дать определение прекрасному, это, несомненно, была первая эпоха, когда эта озабоченность в такой степени доминировала в культурной жизни. В 1757 году Эдмунд Берк опубликовал свой трактат «Философское исследование происхождения наших представлений о возвышенном и прекрасном», который считался одним из первых всеобъемлющих исследований красоты, наряду с работами Канта и Баумгартена, которые также хотели раз и навсегда понять смутный и загадочный феномен красоты. Большая часть их любопытства заключалась в том, чтобы выяснить, что отличает красоту от других эстетических качеств. Эти идеи были, в значительной степени, переработкой древнегреческих и римских концепций. Теории о красоте, возникшие в результате зацикленности ученых эпохи Просвещения на классике, господствовали над художниками и дизайнерами во второй половине столетия: когда критики восхваляли классическую архитектуру, а Европа покрылась множеством неоклассических колонн, художники взялись за темы из греческой и римской мифологии, а также попытались подражать формальному стилю античности.
Мода не избежала этого влияния: изобилие драпировок и мантий проявились в ограниченной и крайне неудобной одежде в стиле рококо. Женщины стремились воссоздать облик статуй Афины: ожившие скульптуры, мраморные богини. Особой привлекательностью отличалась манера, с помощью которой скульптурный мрамор создавал иллюзию тонкой ткани, свисающей с тела. Наиболее ярко это проявилось в платье Directoire в греко-римском стиле, которое стало вершиной стиля Ампир и Регентство и ассоциировалось с деятелями революции, такими как мадам Тальен, которая провозгласила этот стиль.
Также стоит отметить обилие белого цвета. Историк искусства Винкельман был особенно поражен этим, представив мир античности как один из бледных и светящихся мраморных плит (несмотря на то, что большая часть этого мрамора была бы окрашена в яркие цвета). Это стало оттенком утонченности и культуры, как эстетической, так и моральной чистоты, а позже стало рассматриваться как естественный выбор для неоклассической моды, такой как вышеупомянутое платье Directoire.
Культ красоты
В то время как исследование прекрасного достигло своего пика в эпоху неоклассицизма, можно сказать, что именно в конце века преклонение перед красотой вступило в свои права: это уже не то, что нужно просто понимать или даже ценить, а то, чему следует безоговорочно поклоняться. Возможно, самым влиятельным в этом движении был искусствовед Уолтер Патер. После публикации его «Размышлений об искусстве и красоте» в 1868 году последовало настоящее извержение. Это был призыв к предельному почитанию красоты и «любви к искусству ради него самого». Этот призыв был воспринят некоторыми гораздо шире, чем ожидал даже Патер, вдохновив группу эстетов, которые, как известно, пели и выкрикивали строчки из его произведений с крыш Оксфорда и Лондона. Одним из самых знаменитых учеников Патера был Оскар Уайльд, который, наряду с возникшими кружками любителей удовольствий и поставщиками изысканного вкуса, придавал первостепенное значение вопросам пошива одежды. Бархатные жакеты, шелк и парча стали костюмом движения, а декоративный фон подчеркивал его уникальность: салоны были переполнены декоративными узорами, декоративными деликатесами, богато украшенными нагрудниками и цветочным изобилием. Там, где принципы неоклассицизма «форма превыше содержания» и «искусство ради искусства» уступили место простоте внешнего вида, любовь к визуальным излишествам стала ярко выраженной чертой эстетизма и последовавшего за ним «декаданса».
Это различие было слишком велико для многих, и вскоре движение стало ассоциироваться с моральной порочностью и нежеланным гедонизмом. Эта негативная реакция на мужскую викторианскую мораль разразилась печально известным судебным процессом, которому суждено было оставить свой след во всех европейских империях. Это широко разрекламированное осуждение Уайльда, который закрепился в общественном сознании как любящий красоту эстет, в конечном счете заставило многих бояться открыто выражать страсть ко всему, что связано с движением.
Однако это не значит, что зацикленность на красоте полностью угасла. Многие из тех же вкусов все еще были заметны в межвоенный период у таких деятелей, как группа Блумсбери и другие модернистские деятели, чьи формалистические тенденции накладывались на эстетизм. Интерес к декоративно–прикладному искусству оставался заметным, примером чего является Omega Workshop, дизайнерская студия, основанная членами Bloomsbury Group Ванессой Белл, Дунканом Грантом и Роджером Фраем, которая создавала различные работы, включая предметы моды, хотя стиль был несколько далек от викторианского эстетизма - и более архетипичный эстет, по-видимому, еще не вымер. Художник Стивен Теннант дал совет сегодняшней леди для журнала Vogue за 1928 год: «Гораздо лучше выглядеть как самая скучная манекенщица Chanel, чем как страстная англичанка, любящая красоту, чей гардероб состоит из блузок, сари, пальто цвета мандарина, старинного бархата, расписных деревянных бус, огромных тусклых серебряных бляшек, и так далее».
Сам «любящий красоту» эстет, мы видим в статье Теннанта, что эстет прошлых десятилетий все еще был очень жив в англичанке, которую он описывает; но мы также видим, что даже среди таких любителей красоты, как он сам, старые тенденции начинали раздражать.
Красивая и проклятая?
После Второй мировой войны общее отношение к идее красоты значительно изменилось. Многие художники, писатели и дизайнеры отказались от идеи поклонения красоте после насилия войны и сочли, что их работы должны отражать это. Репутация красоты как ценного художественного качества быстро пошла на убыль. Когда-то это было целью искусства, но теперь рассматривалось как отвлекающий элемент, который был поверхностным, косметическим и пенистым. Появившаяся авангардная мода стремилась осудить красоту или, что более важно, старые идеалы красоты, которые они находили такими удушающими. Новые источники вдохновения были найдены в машинах и новых материалах, как это было спародировано Уильямом Кляйном в сцене показа мод «Как дела, Полли Мэггу?».
Было отмечено, что даже на слово «красота» в последние годы наложено определенное табу, и критики чаще называют работу «интересной», даже если на самом деле они имеют в виду красоту. Результатом является производство искусства и моды, в которых красота контрабандой внедряется в работу под эгидой политики, что в конечном счете наносит ущерб искусству и дизайну фундаментально радикального характера. Современная мода в более коммерческом масштабе по-прежнему следует прототипам, заложенным в более ранних концепциях прекрасного, концепциях, которые были во многих отношениях проблематичными столетия назад и стали только более проблематичными сегодня. Это не значит, что стремление к красоте не может быть подрывным. От Грейс Уэйлс Боннер до Рика Оуэна и Гарета Пью современная мода и «антимода» продолжают бросать вызов стандартам красоты и искажать устоявшиеся представления о вкусе; но неизбежно ли это означает установление новых?