Скульптура от дилетанта

Стоит ли смотреть фильм "Работа без авторства". Живопись мертва? Фильм не даёт ответов на вопросы. Так стоит ли тратить три часа своего драгоценного времени на просмотр. Попробуем разобраться. Картина повествует о становлении немецкого художника Герхарда Рихтера на фоне исторических событий двадцатого века. Главный герой проходит свой творческий путь от двух сменяющих друг друга тоталитарных режимов к условной свободе. Фильм создан на контрастах фашизма, социализма и капитализма. Фильм - плотное сплетение политики и искусства. Между строк возникает вопрос: а может ли вообще быть искусство вне политики? С самых первых кадров зрителя погружают в рассуждения о предназначении искусства на выставке "Дегенеративное искусство" в 1937 году в Мюнхене. Основной тезис длинной тирады гида галереи - искусство должно служить народу и побуждать к действию, воспевать красоту окружающего мира и человека. Рассуждения перекликаются с послевоенными высказываниями чиновников ГДР об искусстве воспевающем человеческий созидательный труд, посыл ясен - в тоталитарных режимах искусство заложник идеологии, искусство во все времена вынуждено обслуживать правящий класс, идеология не имеет значения. Кто музыку заказывает, тот девушку и танцует. Сквозь фильм мы можем увидеть ясные красивые глаза художника, услышать его уверенный голос с пафосными интонациями произносящий слово правда. Правда в искусстве. Режиссёр не нагружает своих героев рефлексией на тему субъективности правды, мировоззрение его художника сформировано под влиянием фашизма. Он привык делить мир на чёрное и белое. Мы вынуждены смотреть на происходящее глазами главного героя, что несколько сужает пространство к размышлению. Самое вкусное и сочное во всем фильме - это диалоги об искусстве в разных регистрах от "искусство должно", до полной свободы и отрыва от реальности. Чувствуется предвзятость режиссёра к советской эстетике. Он противопоставляет советский реализм постмодернизму, кубизму, экспрессионизму и всему тому, что не вписывается в жесткие каноны советской цензуры, причём делает это откровенно плоско при помощи избитых киношных клише. ГДР показана в серых тонах, чиновники в серых мешковатых костюмах с лицами без эмоций, в этих людях нет характера и жизни. Они не верят тому, что говорят. Режиссёр им отказал в праве быть личностями. Финальная сцена объясняет творческий тупик середины двадцатого века, когда нечего сказать, есть только реальность и правда, к которой нечего добавить от себя. Художник намеренно убрал свой авторский голос из своих картин. Искусство — зеркало реальности, не должно быть кривым, изображение может со временем потускнеть, но в нём всё ещё будет правда. Картина содержит в себе несколько слоев повествования и затрагивает несколько острых тем, она не только про искусство, но и про судьбы людей в разные периоды истории, о сложном выборе и непростых решениях. Фильм не безупречен, но он даёт богатую пищу для размышления.

Альбан Берг + Пауль Клее = синестезия. Что можно получить при случайном сочетании картины и музыки? Профессиональные критики придумывают сложные термины, понятные только узкому кругу посвящённых, бывают моменты интуитивного поиска, доступные простому обывателю. Самостоятельный опыт открытия невозможно заменить сухой терминологией. Иногда, неожиданно для себя, можно открыть новые способы понимания искусства, соединив два непростых произведения. Если вам непонятно творчество Пауля Клее, то, возможно, есть ключ к его пониманию через музыку не менее странного человека — Альбана Берга. Яркий представитель экспрессионизма Новой венской школы в компании известного художника-авангардиста. Они оба искали новое слово в искусстве, оба сложны для понимания и, на мой взгляд, прекрасно дополняют друг друга. Соединив палочки и кружочки Клее со «скачущим» смычком скрипки Берга, можно получить медитативный сюрреализм как сугубо личное переживание без жёсткой оценки критиков-профессионалов.