230 подписчиков
Натюрморты Кузьмы Петрова-Водкина.
Петроград, 1918-й, первый год революции. Сумрачный, застывший город. Голод и разруха. Дрова, как великое благо. Хлеба не достать.
Нетопленая квартира в бывшем дворянском петербургском особняке. Знаменитый русский художник, профессор Высших художественных курсов, принес домой петроградский паёк – тощая ржавая селёдка, две картошки и осьмушка ржаного хлеба. Он положил их на глянцевую розовую вощеную оберточную бумагу, сохранившуюся где-нибудь в подвалах Невского "Пассажа", на пронзительно синий обрывок клеенки и стал рисовать. Скупой петроградской паёк – натюрморт со вкусом голода, безмолвный свидетель переломных моментов эпохи.
В 1918–19 годах Петров-Водкин написал десять выдающихся натюрмортов. В то жестокое, страшное, скупое на радости время они стали центральной темой его творчества, возможно потому, что это был единственный жанр, в котором можно было работать в эти “окаянные дни”.
Кузьма Петров-Водкин — мощнейший и необычный художник со своими оригинальными видениями цветов, перспективных форм и композиций. Ему удалось придать жанру натюрморта новые черты, проявив совершенно своеобразный образ художественного мышления. Натюрморт он называл "острейшей беседой живописца с натурой". Одна из главных его идей заключалась в том, чтобы суметь передать через предметную живопись душу, дух, настроение окружающего мира. Художник любил использовать в картинах самые простые предметы – гранёный стакан, спичечный коробок, ложку, яблоко, письма или мятые бумаги. Благодаря этому, его работы обладают особым шармом, понятным каждому зрителю.
Еще в школьные годы Кузьма Петров-Водкин познакомился с двумя хвалынскими иконописцами – старовером Филиппом Парфенычем и монахом Варсонофием. “У Филлипа Парфеныча я узнал о процессах работы над иконой – от заготовки левкаса до санкирного раскрытия ликов и до движек”, - писал он позже. Стиль русской иконописи стал основой для формирования художественного почерка Петрова-Водкина.
Второе немаловажное раннее знакомство Петрова-Водкина произошло с художником-вывесочником Толкачевым (в наше время его бы назвали дизайнером). “У живописца вывесок я увидел другого рода, чем у Филлипа Парфеныча, палитру красок – голых, базарных, вздорящих между собой. Здесь их не охорашивали: они, как беспризорные дети, вели себя грязно и бесчинно. Меня это огорчало. У меня уже сложилось уважение к краске, и для меня небрежность к цветовому материалу означала то же самое, как если бы по клавишам фортепиано барабанили палкой”.
Эти встречи раскрыли перед мальчиком различные стороны искусства изображения, показали насколько могут отличаться творческие устремления мастеров. Под впечатлением от увиденного он сделал первые самостоятельные пробы кисти – написал иконы и пейзажи масляными красками. И понял, что чудо рукотворно, его можно создать самому.
Вероятно, секрет необычайной выразительности картин Петрова-Водкина в том, что он в очень раннем возрасте овладел иконописной техникой. Эти навыки он использовал в своих лучших работах. Подобно тому, как иконописцы некогда «вытачивали» лики святых, Петров-Водкин живописно «точил» и «заострял» объекты на своих полотнах. Благодаря этому предметы на его картинах всегда выразительны, материальны и строго размещены в пространстве. Его натюрморты как будто одухотворены. При этом пространство абстрактно.
Изобразительный язык Петрова-Водкина довольно сложно объяснить в рамках короткого рассказа. Не хочется писать о пространственном и пластическом взаимодействии предмета и среды, сферической перспективе и "планетарности" видения. Скажу так: когда я смотрю на картины Петрова-Водкина, я вижу в них преломление стиля русской живописной иконы на модные художественные течения начала ХХ века – абстракционизм, конструктивизм, в общем, на всё, что принято называть словом “авангард”.
Мне кажется, даже тому, кто ничего не смыслит в теории живописи, видно, что натюрморты Петрова-Водкина светятся.
1. Натюрморт с селедкой, 1918
2. Розовый натюрморт, 1918
3. Утренний натюрморт, 1918
4. Натюрморт со скрипкой, 1918
3 минуты
14 марта 2024