Эжен Делакруа (годы жизни 1798-1863) родился неподалёку от Парижа. До сих пор так и неизвестно кто был отец Эжена. То ли Шарль Делакруа – известный чиновник; то ли ребёнок был незаконнорождённым, а отцом считался Шарль Талейран – министр иностранных дел во Франции. Будущий художник рос очень взбалмошным мальчиком. Его другом детства был Александр Дюма, который писал о Делакруа, что к трём годам, он уже вешался, травился и горел. Всё это происходило с Эженом Делакруа по воле случая, но не без его помощи.
Уже обучаясь в лицее, и, проявив свой художественный талант, Делакруа стал спокойней. Он даже получал грамоты за свои работы, а также за знание классической литературы. Склонности к рисованию Эжен перенял у своей матери, которую звали Виктория. Но именно страсть к живописи у Делакруа зародилась в сердце Нормандии. Его дядя был художником, он часто туда отправлялся, чтобы рисовать пейзажи. Родители будущего мастера умерли рано, и Эжен первое время жил у сестры, пока она не попала в трудное финансовое положение. Тут перед Делакруа встала проблема, как жить дальше? Его выбором стала живопись. Он поступил в мастерскую Пьера-Нарсиса Герена.
В 1816 году Делакруа поступил в Школу Изящных Искусств, где преподавал всё тот же Герен. Там он получил много знаний, но настоящими уроками для него стало посещение Музея Лувр, в котором он познакомился с Теодором Жерико и Ричардом Парксом-Бонингтоном – талантливыми молодыми живописцами той поры. Общение с молодыми художниками шло Делакруа на пользу. Он развивался, стал более начитан, познакомился с произведениями Уильяма Шекспира, картинами Питера-Пауля Рубенса и Тициана. В 1818 Делакруа позировал Жерико, когда тот рисовал картину «Плот „Медузы“». Это была необычайная картина, которая положила начало французскому романтизму, и этому событию свидетелем был лично сам Эжен Делакруа.
В 1832 году Делакруа с группой отправился в Марокко с дипломатической миссией. Это поездка сыграла огромную роль в изменении стиля рисования художника. Он увидел Африку, которую представлял себе совсем по-другому. Сделав там огромное число набросков, они вылились в замечательные картины по приезду во Францию. К этому времени Эжен уже стал получать персональные заказы, в том числе и роспись потолков в Лувре. Двенадцать лет он работал для Церкви Сен-Сюльпис, расписывая фрески. К 1835 Эжен Делакруа серьёзно заболел. Его болезнь была связано с горлом, которую не могли вылечить, и которая привела его к смерти. Умер он 13 августа 1863 года в Париже в возрасте 65 полных лет.
1 картина. «Смерть Сарданапала»
- Дата создания: 1827 год
- Размеры: 392 х 496 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
В 1821 году английский поэт – лорд Джордж-Гордон Байрон – написал трагедию, основанную на легенде о царе Сарданапале. Шесть лет спустя поэма вдохновила Делакруа – великого мастера эпических картин – на создание большой драматической композиции. Пока враги готовятся ворваться в город через проломы в разрушенных стенах, Сарданапал лежит, облокотясь, на своём ложе, созерцая зрелище резни и смятения. Кроме предавшегося созерцанию царя и слуги, подающего ему яд для самоубийства, остальные фигуры корчатся в оргии насилия и отчаяния. Картина Делакруа – это характерное произведение французского романтизма начала XIX столетия; в ней ощущается могучая энергия; сверкание золота, жемчуга и драгоценных камней передано яркими красками, нанесёнными мощными мазками.
Согласно легенде, Сарданапал был царём Ассирии в VII веке до нашей эры, ведя беспутную жизнь в неге и роскоши. Будучи осаждённым в своей столице индоевропейским племенем мидян, он после двух лет осады решил не сдаваться врагам и уничтожить весь город со всеми его богатствами. Готовясь принять яд, Сарданапал приказал, чтобы его жёны, слуги и сокровища были сожжены вместе с ним в огромном погребальном костре. Эта же участь ждала и его любимую наложницу Мирру, которой была оказана «честь» смешать свой пепел с его пеплом. Этот адский костёр горел целых пятнадцать дней.
2 картина. «Пантера, Нападающая на Всадника»
- Дата создания: примерно 1855 год
- Размеры: 28,5 х 23,5 сантиметра
- Место нахождения: Национальная Галерея в Праге (Прага, Чехия)
Схватка человека с диким животным – один из любимейших мотивов самого яркого представителя французского романтизма Эжена Делакруа. Великолепный, мощный и безудержный зверь был олицетворением яростной стихийной силы, так увлекавшей художников сего направления. Мужественное противостояние хищнику ставило человека на грань жизни и смерти, обостряло чувства, и было чревато трагедией. Делакруа обожал диких животных, он постоянно посещал зоопарк, где делал массу набросков, а неудержимая фантазия подсказывала художнику всё новые и новые повороты подобных сюжетов.
Мастер написал «Поединок Арабского Воина со Львом» и «Пантеру, Нападающую на Всадника». Если в первой работе главным действующим лицом является человек, то во второй основной герой – это хищник, ведь другое название картины – «Охота Пантеры». Именно это опасное, страшное, но в то же самое время исполненное грациозной силы животное больше всего занимает Делакруа. Пятнистый, переливающийся тёмным золотом гибкий силуэт пантеры – центр композиции, притягивающий взгляд зрителя. Лицо всадника недоработано, зато необычайно красивый белый конь и вцепившийся в него хищник изображены во всём своём великолепии. Извивающееся тело схватившей добычу дикой кошки задаёт ритм вихреобразному движению всех персонажей картины. Сильные контрасты белых, рыжих, чёрных, бледно-бирюзовых и багряных цветов сообщают дополнительную динамику этой бурной сцене. Исход битвы ещё не решён, картина кажется незаконченной, а всё в ней – зыбким и подверженным изменениям.
3 картина. «Тигр и Лев»
- Дата создания: 1856 год
- Размеры: 23 х 30,5 сантиметров
- Место нахождения: Национальная Галерея в Праге (Прага, Чехия)
Эжен Делакруа очень любил изображать романтические сцены противостояния животных. Он писал буйвола и льва, тигра и змею. Хищники из породы кошачьих почти всегда были персонажами таких картин, художника завораживали их сила и грация, величие и ярость, жестокость и красота. Внимательное наблюдение за зверями в вольерах зоопарка помогало Делакруа понять их повадки и нрав. С не меньшим усердием и азартом он изучал и полотна старых мастеров с изображением могучих животных. Особенно нравилась французскому живописцу картина «Охота на Львов» кисти Питера-Пауля Рубенса, он даже написал несколько собственных версий этого сюжета. В 1832 году художника включили в состав официальной дипломатической миссии, направленной с визитом в Марокко, и у него появилась возможность увидеть царя зверей в дикой природе лично. Темперамент и мощь львов особенно импонировали создателю романтических картин. О нём говорили так:
«Когда Делакруа пишет – это лев, терзающий свою добычу».
Тигры, как и пантеры, волновали фантазию мастера не только своим свирепым нравом, но и экзотической яркостью облика.
Сопоставить льва и тигра, двух равных по силе, но разных и не встречающихся друг с другом в природе хищников – задача, достойная кисти романтика. Художник представляет целиком вымышленную картину: под покровом темноты ко льву осторожно подкрадывается тигр. Распластавшись по земле всем своим гибким и длинным телом, он протянул правую лапу к противнику и, кажется, вот-вот бросится на него. Лев грозно рычит, прижав к голове уши, он тоже готов к схватке. Делакруа показывает напряжённый момент, когда хищники ещё не начали борьбу, они только демонстрируют свою силу, пугая один другого. Ещё минутка – и выбор будет сделан: звери или совьются в яростный клубок, или разбегутся. Встреча льва и тигра происходит ночью, сцена освещена неверным светом луны, который выхватывает из мрака фигуры животных и сухую каменистую почву. На дальнем плане творения слегка светлеет горизонт, во мгле уже забрезжил рассвет. Диагональная композиция и световые эффекты сообщают картине динамизм и таинственность.
4 картина. «Охота на Львов в Марокко»
- Дата создания: 1854 год
- Размеры: 74 х 92 сантиметра
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Эжен Делакруа – это французский живописец и график – один из родоначальников романтического направления в европейском художественном искусстве. Полотно интересно сюжетом, новым для своего времени, необычайной красочностью и эмоциональностью изображения. Художник написал картину, в которой сумел живо передать свои впечатления от Марокко, через целых двадцать лет после путешествия в Африку.
Сцена охоты пронизана динамикой и энергией, буквально чувствуется напряжённая атмосфера, царящая перед схваткой со львом. Делакруа выбирает не кульминацию события, а момент, предшествующий ей. Ещё минута – грянет выстрел и начнётся борьба. Цветовые соотношения наполнены контрастами красного, синего и зелёного. Природа, служащая фоном происходящему, не бесстрастна, она выступает одним из героев произведения. Во всём ощущается внутреннее движение: ствол дерева кажется перекрученным, бурлит и поднимается волнами даль, уходящая к горизонту, беспокойно переступает с ноги на ногу и вырывается лошадь. Подобная трактовка темы весьма показательна для художника-романтика. Путешествуя по Востоку и Африке, интересуясь культурой других стран, романтики привнесли в искусство новые, неизбитые сюжеты.
5 картина. «Свобода, Ведущая Народ»
- Дата создания: 1830 год
- Размеры: 225 х 360 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Борьбе за свободу и независимость Франции посвящено, наверное, самое известное произведение главы французской романтической школы живописи Эжена Делакруа под названием «Свобода, Ведущая Народ», созданное под впечатлением от революции в Париже в июле 1830 года. Оказавшись перед задачей изображения абстрактного понятия «свобода», художник использовал аллегорию. Рождённая в бурное революционное время мечта о свободе, несущей в жизнь перемены, воплотилась в полуобнажённой женщине. В её облике просматриваются черты образцов античного искусства: пропорции лица соответствуют канонам красоты, которым подчинялась греческая скульптура.
Но эта современная Венера утратила отрешённость греческих прототипов и стала воплощением идеалов нового времени. Свободные одежды, развевающиеся на ветру и сообщающие её образу и картине характерную для романтизма динамику, дополняются колпаком якобинцев (членов политического революционного движения), ружьём, штыком и знаменем. Героине отведено центральное место на полотне, хотя первоначально Делакруа не собирался изображать её как аллегорию, а хотел ограничиться романтической смертью прекрасного героя баррикад. Девушка призывает идти вперёд, даже если путь преграждают бездыханные тела тех, кто уже отдал свою жизнь в борьбе за свободу. Люди, в большинстве своём студенты, вышли на улицы добиваться отмены ряда правительственных ограничений. Художник написал и самого себя среди восставших. Чересчур реалистично изображённые жертвы, помещённые на передний план картины, вменялись в вину живописцу как шокирующие и эпатирующие публику.
6 картина. «Охота на Тигра»
- Дата создания: 1854 год
- Размеры: 73,5 х 92,5 сантиметра
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Эжен Делакруа по праву считается главой французского романтизма. Долго не признававшийся официальными художественными кругами, свято чтившими традиции академической школы, он творил новое искусство, став кумиром для молодых живописцев. Яркие краски Делакруа черпал из впечатлений от путешествий по Северной Африке, где наблюдал поражавшие воображение сцены охоты на диких зверей. Художнику замечательно удавались сложные ракурсы, он мастерски компоновал фигуры на плоскости, выбирая наиболее экспрессивные и динамичные схемы.
Отчаянная борьба животного и хладнокровно-жестокие, чётко выверенные действия охотников, ужас обезумевшей, вставшей на дыбы лошади, готовой сбросить своего седока, его опасное положение, требующее огромных усилий – усидеть на коне и поразить разъярённого тигра – этот чисто романтический накал страстей, характерный для искусства Делакруа, будоражит чувства зрителей и в наше время.
7 картина. «Ладья Данте»
- Дата создания: 1822 год
- Размеры: 189 х 246 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Мощное и решительное начало творческого пути художника, сия работа была принята не только начинающими молодыми романтиками, но и уже признанными мастерами академической школы. Молодой автор с пониманием воспринимал критику маститых, признавая несовершенство рисунка и слабую «живописную мощь». Но работа нравилась самому автору, публика с интересом отнеслась к новшествам, критика без особых восторгов, но также приняла работу. Творческая интерпретация одного из самых интересных сюжетов мировой литературы, революционное толкование символов, откровенное заимствование приёмов у мастеров эпохи Возрождения – всё вместе сделало работу яркой, сочной и новаторской.
Через Стигийское болото лежит путь Данте и Вергилия. Гневные, осуждённые на вечные муки в болоте, пытаются всеми силами проникнуть в лодку, вернуться в мир живых. Страдания грешных душ изображены в лучших традициях эмоционального барокко. Но фигуры главных героев скорее близки к классическим канонам. Нечёткость рисунка скорее «работает» на идею произведения. Словно сами страсти и эмоциональный накал искажают пространство и делают очертания деталей работы нечёткими, размытыми. А яркие цвета делают картину ещё более выразительной и атмосферной.
8 картина. «Резня на Хиосе»
- Дата создания: 1824 год
- Размеры: 417 х 354 сантиметра
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Живопись иногда становится резкой, бьющей наотмашь, опасной и обличающей. Никого не оставили равнодушными события на греческом острове, пережившим кровавую бойню, устроенную турками поработителями. В этой истории было всё – вероломство, кровожадность, бесчестие и предательство. В наказание за свободолюбие и стремление сбросить с себя иноземное ярмо жители были наказаны. По приказу правителя Османской империи убивали детей, женщин и мужчин. Из стотысячного населения выжило менее двух тысяч, которые в итоге были насильно обращены в ислам. Для передачи всего ужаса резни художник использует необычный приём. В его работе нет сильных эмоций, на лицах жертв нет страданий, лица убийц также показательно спокойны. Но именно это и вызывает самый сильный отклик в душе зрителя.
Несчастные жертвы вероломного нападения перестали сопротивляться, они покорились своей участи и ждут неизбежного конца. В них даже нет страха смерти, лишь одно ожидание. Турецкий всадник на вздыбившемся коне также не испытывает к своим жертвам никаких чувств. Он лишь выполняет приказ и спокоен, уверенный в справедливости происходящего. Безликая природа, создающая фон для переднего плана творения, также никак не подчёркивает драматизм сюжета. Она равнодушно созерцает, не в силах изменить ход трагедии.
9 картина. «Портрет Фредерика Шопена»
- Дата создания: 1838 год
- Размеры: 46 х 38 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Не самая известная, к тому же полностью так и незаконченная работа великого художника, тем не менее, привлекает внимание критиков и публики уже почти два века к ряду. Всё дело в истории создания работы. Мастер был дружен с композитором. Их объединял неукротимый творческий темперамент и жажда творчества. Работа не была заказана художнику, он начал писать портрет по собственному желанию. Более того, композитор никогда не позировал мастеру, работа должна была стать сюрпризом для него. Однако закончен портрет так и не был. Как утверждал сам художник, его покинуло вдохновение и писать друга с «холодным сердцем» мастер просто не мог.
Перед зрителем бледный молодой человек с пышной, артистической шевелюрой. Смелыми, мощными мазками мастер создаёт образ энергичного, погружённого в свои раздумья человека. Ничто не отвлекает зрителя от лица героя. Нарочито строгая одежда, нейтральный задний фон. Мы можем только предполагать, каким бы выглядел композитор, если бы работа была закончена. Художник всю свою жизнь слыл революционером и ниспровергателем живописных традиций. Но в этой незаконченной работе перед нами талантливый и образованный традиционалист, использующий все средства реализма для выражения непростого и гениального внутреннего мира великого музыканта.
10 картина. «Овидий Среди Скифов»
- Дата создания: 1859 год
- Размеры: 87,6 х 130,2 сантиметров
- Место нахождения: Национальная Галерея Лондона (Лондон, Англия)
Последняя картина великого мастера внешне лишена всякой новизны и революционности. Гармония, покой и рутинная жизнь предстают взору зрителя. Прославленный римский поэт сослан подальше от Рима, к полудиким скифам. Сослан за излишне эротизированные стихи, которые в ханжеском «вечном городе» вызвали бурю критики со стороны власть имущих. К моменту создания картины, художник переживал период забвения. Его работы не вызывали никакого интереса у публики, критика также не находила в поздних его творениях повода для подробного разбора. Выбор сюжета не выглядит случайным. Сам автор чувствует себя полным творческих сил и желания творить. Но окружение забыло о нём и перестало понимать и воспринимать его творчество. Как Овидий среди дикого племени, мастер спокоен. Он знает себе цену, и все его переживания скрыты глубоко внутри.
Картина не содержит в себе явного конфликта. Скифы видят в пришельце экзотическое существо, которое уже скоро перестанет привлекать их внимание. Вокруг героя идёт обычная жизнь племени. Природа выступает в картине цветовым фоном и никак на сюжет не влияет, сохраняя при этом созвучный тон всей работы. В картине также чувствуется незаконченность. Автор сам не верил в то, что его работа может кого-то заинтересовать, что будет понята и востребована зрителем. Поэтому, на каком-то этапе, художник оставляет произведение незаконченным.
11 картина. «Портрет Жорж Санд»
- Дата создания: 1838 год
- Размеры: 81 х 56 сантиметров
- Место нахождения: Музей Ордрупгаард (Шарлоттенлунд, пригород Копенгагена, Дания)
Замыслом художника было объединение двух великих мастеров на одном полотне: Жорж Санд слушает Фредерика Шопена. Будучи близко знакомым с обоими героями своей новой работы, мастер даже не утруждал своих друзей позированием. Он писал их портреты по памяти. Замысел остался замыслом. В какой-то момент сама идея показалась творцу банальной, вдохновение покинуло его, и работа так и осталась незаконченной. Несмотря на явную эскизность картины, портрет писательницы помогает зрителю лучше понять её внутренний мир. Перед публикой нежная дама, которая словно постоянно ускользает от взгляда художника. Ощущение движения, динамика и некая загадочность – главные составляющие работы. Автор использует тёмные краски, которые заставляют зрителя вглядываться в детали. Если лицо модели лишь обозначено, то руки выписаны достаточно хорошо. Для художника именно руки писательницы были важным способом выразить её творческую натуру.
Остаётся только догадываться, каким бы был этот парный портрет, если бы мастер не остановился на половине пути. Сегодня обе работы, которые можно расценивать, как наброски к общей картине, привлекают внимание критики и профессионалов, потому что именно в таком виде мы имеем возможность ясно увидеть тонкости художественной манеры мастера и ход его мысли.
12 картина. «Алжирские Женщины в Своих Покоях»
- Дата создания: 1834 год
- Размеры: 180 х 229 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Картина «Алжирские Женщины в Своих Покоях» сыграла большое значение не только в творчестве автора, но и в мировом изобразительном искусстве в целом, ведь вдохновлённые этим произведением свои вариации на данную тему создали в разное время Анри Матисс, Пьер-Огюст Ренуар и, конечно же, Пабло Пикассо. Делакруа написал произведение в 1834 году. Живописец совершал путешествие по Северной Африки, когда попал в гости к одному султану (бывшему капитану флота) в Алжире. Неизвестно, каким образом, но султан допустил Делакруа в «святая святых» для мусульманского уклада – в свой гарем. Разумеется, гарем произвёл на мастера большое впечатление.
Можно догадаться, что художник значительно романтизировал образ гарема. Зритель видит четырёх наложниц разной национальности (известно, что в гарем доставляли красавиц со всего белого света). Их позы расслаблены и полны неги. Восседая на коврах, жёны султана наслаждаются терпким дымом кальяна. Темнокожая невольница уходит за границу полотна – на прощание она что-то говорит сидящим женщинам. Лица героинь выражают неясные эмоции – то ли это полное умиротворение, то ли ностальгия, то ли тоска, а может всё дело в кальяне. Обстановка выписана с особой тщательностью, чтобы передать не только восточный колорит, но и эту неосязаемую духоту помещения, в которой разместились невольницы. Выразительная работа Делакруа поражает своим метроритмом – время будто замерло на картине, вернее счёт ему никто не ведёт. Сами жёны в своей истоме и неподвижности, будто стали частью этой комнаты, в которой они целыми днями проводят своё время.
Известно, что попав в столь диковинное для европейца место, Делакруа принялся всё зарисовывать акварелью, но время было ограничено, и художник в своём блокноте оставлял лишь подробные описания, касающиеся одежд наложниц. Исследователи отмечают, что именно в этой работе живописец и стал экспериментировать с цветами и оттенками, которые до этого не использовал. Интересно, что в 2008 году Музей Лувр собрал всех «Алжирских Женщин» в одном зале – экспозицию венчал Делакруа, остальной «гарем» принадлежал кисти Пикассо (мастер создал на данный сюжет полтора десятка картин).
13 картина. «Греция на Руинах Миссолонги»
- Дата создания: 1826 год
- Размеры: 209 х 147 сантиметров
- Место нахождения: Музей Изящных Искусств Бордо (Бордо, Франция)
На протяжении всей своей жизни Делакруа вёл дневник и любил его перечитывать. В 1820 году там появилась запись:
«Я почувствовал, как во мне просыпается страсть к великим вещам».
Это было предзнаменование появления на свет картины «Греция на Руинах Миссолонги». В это время внимание Делакруа, как и всех романтиков, было приковано к освободительной войне Греции с Турцией. Художник посвятил сему драматическому событию сразу несколько работ. Но почему именно этот город Делакруа выделил среди всей остальной печальной летописи восстания? Дело всё в том, что, как и многие другие его современники, живописец любил лорда Джорджа-Гордона Байрона, и именно в этом городе в 1824 году и умер знаменитый писатель. Поэтому на пепелище Миссолонги плачет растерянная Греция за всё своё отечество. Аллегорический образ, воплощённый в женщине, чем-то схож со Свободой (картина «Свобода, Ведущая Народ»). Тот же упрямый хоть и недоумённый взгляд, просторные развевающиеся одежды, почти обнажённая грудь.
Героиня стоит на одном колене на камнях – это развалины какого-то строения. На переднем плане холста зритель может видеть безжизненную руку павшего греческого воина. Вдали – фигура темнокожего мужчины с посохом. Исследователи отмечают, что здесь Делакруа использовал необычную для себя технику накладывания цветов – контрастные тона наносились на холст мелкими мазками, именно поэтому картина и получилась столь выразительной в колористическом и драматическом планах. Сегодняшнее поколение, бесконечно далёкое от тех событий, не может не прочувствовать данную трагедию, глядя на красивую женщину – Грецию, которая в своей умоляюще-укоряющей позе, с разведёнными руками, будто в немом ужасе застыла над попранным отечеством, вступившим в жестокий бой за независимость. Большим произведениям не страшно забвение и непонимание.
14 картина. «Вступление Крестоносцев в Константинополь»
- Дата создания: 1840 год
- Размеры: 410 х 498 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Византия со своей богатейшей столицей Константинополем пленила многие страны и народы. Завладеть богатствами Византии мечтали многие. В 1202 году Константинополь (нынешний турецкий город Стамбул) был разграблен крестоносцами, которые отправились в свой Четвёртый поход на Иерусалим. Могущественная армия не смогла побороть искушение, оттого и отклонилась от первоначального маршрута, чтобы захватить столицу Византии, о богатстве которой ходили настоящие легенды. Этому историческому событию и посвятил Эжен Делакруа своё полотно. Живописец применил хорошо освоенный ранее приём – панорамное композиционное построение. Мастер предлагает нам рассмотреть всё происходящее с высокой точки обзора. Восседая на лошадях с флагами и хоругвями, крестоносцы двигаются по городу. Во главе армии – Балдуин I Фландрский. Армию обступили мирные жители Константинополя. Они молят о пощаде захватчиков. Но в отличие от других полотен художника, крестоносцы не выглядят кровожадно и жестоко, они предстают перед зрителями скорее утомлёнными, и даже в какой-то мере смущёнными. Сцен баталий или резни здесь также не найдёшь. Делакруа сосредоточился на зрелищности – представленная выше сцена выглядит театрально. Это, в первую очередь, достигается богатым широким фоном за спинами всадников и просителей.
Беспокойное небо, лазурная вода, богатый зелёный рельеф, неровные цепочки белокаменных строений – всё подчёркивает исключительную красоту захваченного города. Крестоносцы ворвались, будто в сказочный Эдемский сад. И Эдем пал под натиском сурового войска, обратив город в стонущую толпу, молящую о пощаде. Представленную картину у Делакруа купило государство, и пополнило коллекцию исторического жанра в Музее Лувр. Сегодня сия динамичная и эмоциональная работа французского художника-романтика экспонируется там же.
15 картина. «Христос в Галилейском Море»
- Дата создания: 1854 год
- Размеры: 73,3 х 59,8 сантиметров
- Место нахождения: Художественный Музей Уолтерса (Балтимор, штат Мэриленд, США)
Картина «Христос в Галилейском Море» кисти живописца-романтика Эжена Делакруа посвящена сюжету, описанному в трёх Евангелиях Нового Завета. Плывущий по морю Иисус Христос со своими учениками демонстрирует силу христианской веры, вызвав бурю и шквальный ветер. Живописца настолько захватила эта тема, что он создал сразу несколько вариантов на данную тематику в период с 1853 по 1854 годы, воссоздавая лодки с парусами и без парусов. Представленная картина выше нравилась автору более всех других вариантов. Он утверждал, что именно в этой работе много возвышенности и духовности. Здесь Делакруа большую роль отдаёт морю. Тяжёлые волны с острыми, будто ощетинившимися гребнями, нещадно качают маленькое судёнышко с людьми, которые пытаются удержаться на своём утлом плавучем средстве, не свалившись в тёмно-лазурную пучину. Так реалистично и эмоционально выписать неспокойный морской простор Делакруа помогли его морские путешествия в город Дьепп, когда автор был предельно внимателен, разглядывая, запоминая и зарисовывая «поведение» непостоянной воды.
Тёмное, свинцовое небо тяжело нависает над героями. Между бушующим глубоким морем и серыми облаками лодка будто зажата в тиски. Безжалостный ветер рвёт парус и тот, выполняя чудаковатый танец под натиском бури, вот-вот опустится в море, оголив покосившиеся мачты. Главным контрастом выступает образ безмятежного Христа, и мечущихся испуганных людей, пытающихся удержать накренившуюся мачту. Лик Христа обозначен едва уловимым золотистым свечением (этот приём Делакруа повторял во всех вариациях на данный сюжет). Многие исследователи отмечают, что в этой работе Делакруа не только превзошёл самого себя, но и опередил время – по эмоциональному посылу, динамизму и драматизму картина в стилистическом плане уже тяготеет к искусству импрессионистов или даже экспрессионистов. Выдающаяся марина на евангельский сюжет Эжена Делакруа в наши дни экспонируется в Художественном Музее Уолтерса в Балтиморе.
16 картина. «Фанатики Танжера»
- Дата создания: 1837-1838 годы
- Размеры: 96,5 х 129,5 сантиметров
- Место нахождения: Институт Искусств Миннеаполиса (Миннеаполис, штат Миннесота, США)
Преобладание эмоций, главенствующее положение личного, драматическое толкование сюжета, «экзотические» лейтмотивы – всё это художники-романтики противопоставили неоклассическим идеалам, провозглашающим разум, умеренность и довольно строгое следование композиционным и техническим канонам в живописи. Картина «Фанатики Танжера», написанная лидером романтического движения в изобразительном искусстве Эженом Делакруа, является ярким примером стиля. В 1832 году вместе с послом Франции Контом де Морней художник отправился в Марокко. Позже, в 1838, представляя картину на выставке в Парижском салоне, Делакруа рассказал предысторию её создания. В Африке живописец столкнулся с фанатичными адептами мусульманской секты Бена Исса. Проповедуя нищету и аскетизм, они бродили по городам, прося милостыню. С определённой периодичностью фанатики встречались у города Танжера, и, возбуждая себя молитвами, танцами, воплями и впадая в экстаз, вторгались на улицы города, где шумели, буйствовали, причиняя вред горожанам и постройкам.
Свидетелем такого вот буйства фанатиков стал сам Делакруа. Он сразу набросал несколько акварелей, чтобы спустя несколько лет написать с них картину. За колористическое решение полотна Делакруа и ругали, и хвалили. Необычным было здесь сочетание контрастных цветовых пятен, вследствие чего картина получилась яркой и насыщенной. Критики указывали на то, что художник фактически отказался от контура, в угоду цветовым пятнам, на что Делакруа возражал, что чистого контура в природе не существует. Такое мировоззрение очень схоже с будущими принципами импрессионизма.
Делакруа мастерски реализует принцип дополнительных цветов. Красные одежды, зелёный флаг в сочетании друг с другом получают высшую визуальную яркость. Как бы не ворчали критики-традиционалисты, указывая на эскизность и незаконченность полотна, оно вошло в мировую сокровищницу живописи, своим примером показывая, как большой талант одного творца может опередить эстетическую парадигму своего времени, предвосхищая и предугадывая эволюцию художественного искусства.