Продолжим смотреть выставку "Цветы. Символ красоты" в Третьяковке.
Константин Коровин- Гвоздики и фиалки. 1912 г.
Картина написана в Париже. В это время Коровин приехал во Францию вместе с семьёй театрального деятеля Владимира Теляковского — он изучал парижские театры и репертуар. Это классический пример русского импрессионизма в его самом декоративном и радостном варианте. Коровин не стремится к фотографической точности — его интересует ощущение света, цвета и настроения.
В центре — пышный букет ярко-красных гвоздик и нежно-фиолетовых фиалок в простой белой фаянсовой вазе. Рядом на подносе стоит серебряный сливочник, а на столе лежат два ярко-оранжевых апельсина — эти цветовые акценты добавляют живости и контраста.
Самое интересное — фон. За цветами видно окно с изящными коваными решётками, а за ним — вечерний парижский город: зажжённые уличные фонари, тёплый свет из окон соседних домов. Таким образом, натюрморт органично соединяется с городским пейзажем.
Константин Коровин- Дама с сиренью. 1922 г.
На картине изображена Инна Чернецкая — русская танцовщица и хореограф — с большим пышным букетом цветущей сирени.
1922 год — переломный для Коровина. Художник ещё в России, но уже чувствует приближение больших перемен. В следующем году он эмигрирует во Францию, где проведёт остаток жизни.
Сирень для русского человека — это символ весны, молодости, ностальгии и родины. Возможно, Коровин запечатлел в этой картине не только красоту модели и цветов, но и прощание с той Россией, которую он любил и которой вскоре предстояло остаться в прошлом. Это не просто портрет и не просто натюрморт — это их гармоничное слияние. Молодая женщина держит или стоит рядом с огромным букетом сирени (фиолетовой и белой). Цветы написаны так живо и обильно, что кажется, будто от них действительно исходит сладкий, дурманящий аромат.
Коровин использует свой фирменный импрессионистический
почерк: широкие, свободные мазки, яркие, чистые цвета, игру света и
тени. Сирень выглядит свежей и сочной, платье или фон — лёгкими и
воздушными.
Александр Головин – Умбрийская долина. 1910-е
Это не реалистичный пейзаж, а поэтический, почти сказочный образ Италии.
На переднем плане — огромный декоративный куст роз с гибкими стеблями и
нежными розовыми цветами, словно театральная кулиса или занавес. За ним
открывается широкая, холмистая Умбрийская долина — «зелёное сердце Италии». Извилистые дороги, зелёные поля, маленькие белые домики с
черепичными крышами, а на горизонте — мягкая голубая гряда Апеннин. Всё
окутано лёгкой дымкой, которая делает цвета пастельными, нежными и воздушными.
Композиция построена театрально: зритель смотрит на долину будто с балкона или из зала. Природа здесь не просто фон — она идеализирована, гармонична и полна спокойствия, уюта и блаженства. Это не фотография Умбрии, а её душа и мечта о ней. Это манифест эстетики Головина: красота важнее реальности, гармония важнее правды, мечта важнее повседневности.
Станислав Жуковский – Осень. Веранда. 1911 г.
Веранда усадебного дома А.Н. Милюкова в имении Всесвятское в Тверской
губернии.Эта работа — одна из самых известных и любимых у Жуковского —
ученика Исаака Левитана. Она идеально передаёт то особое русское ощущение осени в старой усадьбе: когда на веранде ещё тепло, а за
перилами уже горит золотая листва.
Картина — яркий пример возрождения жанра усадебных интерьеров, которым Жуковский активно занимался в конце 1900-х — начале 1920-х. В это время многие старые дворянские усадьбы уже приходили в упадок, и художники (вслед за Чеховым и Буниным) с ностальгией и светлой меланхолией запечатлевали уходящий мир.
Кроме картин можно ознакомиться и с генеалогией Третьяковых, например.
Константин Коровин – Портрет артиста Ф.И. Шаляпина. 1911 г.
Картина написана во французском курортном городе Виши, где и Коровин, и Шаляпин проходили лечение. В это же время они вместе обдумывали постановку оперы Мусоргского «Хованщина», которая потом с успехом шла в Большом театре. Коровин и Шаляпин были не просто знакомыми — они были друзьями и соратниками по искусству. Коровин оформлял спектакли, в которых пел Шаляпин, и прекрасно знал его характер.
Портрет создан в расцвете творчества обоих гениев: Шаляпин был на пике славы, Коровин — в зените своего импрессионистического мастерства.
Шаляпин изображён в расслабленной, естественной позе — он сидит в кресле, слегка откинувшись, с лёгкой, чуть озорной улыбкой. На нём светлый костюм (или домашняя одежда), галстук-бабочка. Рядом — стол с бутылкой, бокалом
красного вина, фруктами и большим букетом ярких цветов.
Цвета яркие, солнечные, всё дышит жизнью и радостью. Это не парадный официальный портрет, а живой, человеческий образ — Шаляпин здесь не великий артист на сцене, а просто большой, обаятельный, немного усталый человек, отдыхающий во Франции.
Алексей Исупов – Женский портрет. В саду (Сирень). 1940 г.
Алексей Владимирович Исупов — русский живописец и график из Вятки. Учился в Москве, много путешествовал. С 1926 года жил в Италии (в основном в Риме), где стал популярным портретистом.
Сирень — один из его любимых мотивов. Для русского художника в изгнании этот цветок, наверное, нёс особый смысл: воспоминания о русской весне, о родине. При этом картина наполнена итальянским солнцем и светом — типичное для Исупова сочетание двух культур.
Художник в это время уже был признанным мастером: у него были персональные выставки в Риме и Милане, он общался с итальянскими художниками и даже участвовал в движении Сопротивления (в 1943–1944 годах его мастерская служила конспиративной квартирой).
Александр Головин – Автопортрет. 1912 г.
Александр Яковлевич Головин — живописец, график и театральный декоратор. Один из ведущих мастеров объединения «Мир искусства», автор декораций к спектаклям Дягилева, Мейерхольда и императорских театров.
Головин изображает себя в возрасте около 49 лет — уже зрелым, признанным мастером. Он смотрит прямо на зрителя спокойным, чуть проницательным взглядом. У него аккуратные светлые усы, тщательно уложенные волосы, благородные черты лица. На нём белая рубашка и яркий синий галстук-бабочка в белый горошек — типичная для него элегантная, почти дендистская деталь. Рядом с ним — большой, пышный букет пионов (розовых и белых).
Цветы занимают почти половину композиции и написаны очень декоративно, почти как театральный элемент.
Стиль — характерный для Головина: декоративный, стилизованный, с элементами модерна. Это не реалистичный «фотографический» портрет, а скорее театральный образ самого себя — художника-эстета, поэта красоты.
Константин Коровин – Натюрморт с цветами и фруктами. 1922г.
В центре — большая синяя ваза с пышным букетом ярких цветов (розы,
гвоздики или смешанные садовые цветы). Рядом на столе разложены сочные
фрукты — яблоки, груши, виноград, возможно апельсины. Коровин пишет широкими, свободными мазками — типичный импрессионистический приём.
Цвета насыщенные и радостные: глубокий синий вазы контрастирует с тёплыми тонами фруктов и нежными лепестками цветов. Свет падает так, что всё кажется объёмным и «дышащим». Коровин всегда любил цветы и фрукты: они для него — символ радости жизни, красоты момента и изобилия.
Станислав Жуковский – Пасхальный натюрморт. 1915 г.
Картина написана как воспоминание о Пасхе 1915 года. Жуковские встречали
праздник на своей даче в усадьбе Островки (посёлок Молдино под Тверью).
После всенощной в маленькой деревянной церкви Успения Пресвятой
Богородицы семья вернулась домой на рассвете и села за праздничный стол.
Жуковский специально выращивал гиацинты к Пасхе и ходил в лес за подснежниками. Всё это он потом перенёс на холст. Картина создавалась в разгар Первой мировой войны — в то время, когда уже чувствовалось предчувствие больших перемен. Поэтому в ней столько света, уюта и ностальгии по мирной, красивой жизни старой России.
Это не просто натюрморт — это целая сцена праздничного пасхального утра в русской усадьбе или даче.
На большом круглом столе, накрытом белой скатертью, разложены главные атрибуты Пасхи:
• большой кулич с белой глазурью и цукатами;
• тарелка с ярко крашеными яйцами (красными, синими, розовыми);
• пирамидка творожной пасхи;
• миска с апельсинами и другими цитрусовыми.
В центре и справа — пышные букеты гиацинтов (синих, фиолетовых, розовых) в
горшках и вазах. Они доминируют в композиции и придают картине свежесть
и весеннее настроение. Слева — декоративный кувшин и небольшая фигурка
белого агнца (пасхального ягнёнка).
Общее впечатление — радостное, тёплое и очень русское. Это не парадный, а домашний, душевный праздник.
Игорь Грабарь – Хризантемы. 1905 г.
Картина написана в усадьбе Дугино (подмосковное имение семьи Мещёриных), где Грабарь часто гостил и работал в 1890–1900-х годах. Хризантемы он специально купил у известного московского торговца цветов Ноева — они были экзотическими и дорогими для того времени.
Грабарь работал над этим натюрмортом целый месяц — дольше, чем над многими другими своими работами. Он сознательно стремился передать не просто внешний вид цветов, а их «аромат» и свежесть. Вдохновением для него служили французские импрессионисты (которых он изучал во время поездок в Европу) и даже японские гравюры, которые он ценил за поэтизацию обыденного.
В центре композиции — большая ваза с пышными лимонно-жёлтыми хризантемами. Цветы выглядят свежими, объёмными, почти «живыми». Вокруг вазы на столе — остатки вечернего ужина: хрустальные бокалы, фарфоровая посуда, возможно, бутылка или графин. Всё это создаёт ощущение только что закончившегося праздничного вечера или уютного осеннего утра в усадьбе.
Пётр Кончаловский – Цветы. Бегонии. 1918 г.
1918 год — тяжёлое время: революция, Гражданская война, разруха. Несмотря на это, Кончаловский продолжал активно работать. В этот период он создал серию натюрмортов с цветами (в том числе несколько именно с бегониями). Для него цветы были не просто красивым объектом, а способом исследовать цвет и форму. Бегонии особенно нравились художнику — он написал их не меньше шести раз.
Кончаловский пишет широкими, энергичными мазками, используя насыщенные, контрастные цвета. Нет мелкой детализации — вместо этого мощная, почти скульптурная форма и яркий цвет. Картина выглядит свежей, декоративной и очень «осязаемой». Это не тихий реалистичный букет, а яркое, почти фовистское утверждение красоты и жизненной силы.
В очередной раз хочется отметить, насколько у нас поднялся уровень организации выставок: продуманные экспозиции, организация пространства,
работа с цветом и светом. Молодцы.
Выставка будет идти до 18 октября, так что тоже идите.:)