Сменяются эпохи, а вместе с ними — художественные течения и стили. Но неизменно на протяжении веков творцы стремились запечатлеть в своих творениях светлые, полные радости моменты жизни. Посетив экспозицию отечественного искусства XX века в Третьяковской галерее, вы сможете проследить, как эволюционировало понимание счастья у мастеров различных поколений, от самобытного Кузьмы Петрова-Водкина до Юрия Королева.
Кузьма Петров-Водкин. Розовый натюрморт
Кузьма Петров-Водкин, один из столпов русского авангарда, виртуозно сплетал в своем творчестве традиции и новаторство. Черпая вдохновение в наследии древнерусской иконописи, работах мастеров Возрождения, а также в новейших европейских направлениях — символизме и фовизме — он выработал уникальный стиль. Для него характерны монументальность, использование локального цвета и иконописная четкость линий. В своих лаконичных натюрмортах Петров-Водкин мастерски создает систему символов, воплощающих его мировоззрение, конструируя собственный миф и, по словам искусствоведа Дмитрия Сарабьянова, «мечту о красоте».
«Розовый натюрморт», созданный после событий 1917 года, является квинтэссенцией философии художника, представляя собой модель мироздания. Стакан с кристально чистой водой, совершенные фрукты на столе, будто парящая яблоневая ветвь, ритмичные складки бледно-розовой скатерти — все эти элементы дышат равновесием и совершенством. Привычные, обыденные предметы наполняются высшим, космическим смыслом. Возвышенное настроение усиливают эскизные фрагменты изображений Богородицы и ангела на фоне синей стены.
Однако в этой умиротворенной и гармоничной атмосфере натюрморта нет и следа застылости. Петров-Водкин прибегает к обратной перспективе при изображении стола и стакана, позволяя зрителю увидеть предметы с разных ракурсов — сверху и сбоку. Объекты обретают самостоятельность, словно рождаясь заново в каждый миг, но при этом пребывают в вечности. Игра света и цвета, цветные тени передают живое взаимодействие предметов и прозрачное пространство. Чистая вода, спелые фрукты в утренних лучах, образ Богоматери — все это насыщено глубокой символикой, через которую художник передает неуловимое мгновение тихого счастья, основанного на незыблемых, вечных ценностях.
Картина экспонируется в Зале №1.
Аркадий Рылов. В голубом просторе
Аркадий Рылов, ученик И.И. Шишкина, петербургский анималист и пейзажист, академик живописи, представлявший в «Союзе русских художников» самобытное петербургское направление в пейзаже, вынашивал замысел своего знаменитого полотна «В голубом просторе» несколько лет. Вдохновленный полетом лебедей во время поездки на Каму в 1911 году, он создал произведение, ставшее символом переломной эпохи. Известный искусствовед А.А. Федоров-Давыдов считал начало истории советского искусства с этого пейзажа, отмечая, что в нем Рылов передал «свое личное жизнерадостное состояние».
Созданное в 1918 году, полотно «В голубом просторе» было успешно представлено на 1-й Государственной свободной выставке произведений искусства в Петрограде и традиционно открывало экспозиции советского искусства в Третьяковской галерее. Поскольку первые картины на революционную тематику начали появляться лишь в 1920-е годы, работа Рылова, написанная в 1918 году, стала одним из первых произведений, воспринимаясь как гимн новому социалистическому миру, устремленному в светлое будущее.
Художник прибегает к приемам романтического пейзажа для создания ощущения радости и возвышенного настроения. На фоне ярко-синего неба с кучевыми облаками парят над морем лебеди. Взгляд зрителя скользит от переднего плана вглубь, охватывая всю композицию и вовлекая в стремительное движение. Сдержанный бело-синий колорит, дополненный охристыми пятнами снежного берега, передает суровую северную атмосферу. Художник использует лаконичные символы — сильных диких птиц, парусник, скалистую землю под яркими солнечными лучами — для передачи ощущения свободы, мечты о дальних странствиях и безграничного движения. Бесконечное пространство, где, по словам А.А. Федорова-Давыдова, царит «ощущение вырвавшейся на свободу жизни, радостного рождения светлого, нового мира», раскрывается перед взором зрителя.
Картина находится в Зале №17.
Павел Кузнецов. Пушбол
Павел Варфоломеевич Кузнецов, русский живописец, график и театральный художник, ученик В.А. Серова, К.А. Коровина и А.Е. Архипова, был активным участником ведущих художественных объединений Серебряного века, включая «Мир искусства», «Союз русских художников» и «Четыре искусства», а также лидером движения «Голубая роза». На формирование его творчества оказали значительное влияние работы В.Э. Борисова-Мусатова, символизм начала XX века, а также искусство французских мастеров — Анри Матисса, Пабло Пикассо, Жоржа Брака и Андре Дерена.
Особая живописная манера художника отличается тонкой, светящейся палитрой, обобщенностью образов и символическими сюжетами. Этот художественный строй сформировался в начале его творческого пути и окончательно утвердился после поездок в Среднюю Азию. После путешествий в Крым и на Кавказ к его колористическим переливам, простым, но ирреальным сюжетам, обогащенным восточной ритмикой и поэзией, декоративностью и фантазийностью добавилась глубина пространства.
В 1920–1930-е годы Кузнецов обращается к темам труда и спорта. В его работах, по словам самого художника, доминирует «коллективный пафос монументального строительства, где люди, машины, животные и природа сливаются в один мощный аккорд». Картина «Пушбол» — яркий пример этого периода. Композиция представляет собой группу спортсменов, держащих на поднятых руках огромный мяч, создавая единое и уравновешенное целое. Типичные для мастера условность в изображении фигур, мягкость тонов и сдержанные прозрачные оттенки присутствуют и здесь. Динамика передана энергичным чередованием черных, белых и красных цветов спортивной формы. Теплые охристые оттенки рук на голубом фоне, благодаря цветовому контрасту, усиливают движение. Вся композиция, разворачивающаяся на условном фоне, подобна цветку, стремящемуся вверх, и увенчана красным мячом, который, несмотря на свою массивность, кажется невесомым. Живая энергия игры, коллективное действие игроков, увлеченных единым порывом, воспринимаются на этой жизнеутверждающей картине как гимн молодости и легкости, захватывая зрителя в радостный вихрь.
Работа находится в Зале №16.
Фёдор Решетников. Прибыл на каникулы
В период с 1940 по 1950-е годы известный художник-соцреалист Федор Решетников создал ряд работ, посвященных школьной тематике. Первой в этом ряду появилась картина «Прибыл на каникулы», запечатлевшая радостный момент возвращения юного суворовца домой на новогодние праздники. Взгляд мальчика, отдающего честь встречающему его дедушке, сияет счастьем, ему вторит улыбка сестренки на заднем плане. Украшенная гирляндами елка создает теплую, праздничную атмосферу.
Хотя главный герой картины стал образцом для подражания, настоящую славу художнику принесла другая работа – «Опять двойка!», по которой миллионы школьников до сих пор пишут сочинения. Обе эти картины представлены в Третьяковской галерее. Третья работа, «Переэкзаменовка», находится в Горловском художественном музее. Художник остроумно связал все три полотна: за спиной незадачливого ученика в «Переэкзаменовке» размещена репродукция «Опять двойка!», а в этой же самой картине висит репродукция «Прибыл на каникулы».
За создание «Прибыл на каникулы» и портрета «Генералиссимус Советского Союза И.В. Сталин» Решетников был удостоен Сталинской премии. Спустя десятилетия картина вновь напомнила о себе: в 2013 году у Санкт-Петербургского суворовского военного училища открыли памятник, мотивом для которого послужило полотно.
Картина «Прибыл на каникулы» находится в Зале №25.
Татьяна Яблонская. Утро
Картина Татьяны Яблонской «Утро» (1954) представляет её старшую дочь Елену, выполняющую утреннюю гимнастику. Образ юной пионерки, освещенный солнечным светом, излучает радость и надежду, что было характерно для искусства соцреализма, особенно в период "оттепели". В предыдущих работах, например, в «Хлебе» (1949), Яблонская также изображала солнечные сцены, но «Утро» отличается более интимным настроением, фокусируясь на моментах счастливой частной жизни. Девушка, напоминающая взлетающую птичку, полна энергии. Это полотно стало одним из самых известных в советской живописи и было приобретено Третьяковской галереей.
Картина «Утро» экспонируется в Зале №25.
Владимир Гаврилов. Свежий день
«Свежий день» – значимое произведение Владимира Гаврилова, представителя поколения художников 1950–1960-х годов. Пройдя Великую Отечественную войну как военный художник, Гаврилов в этой работе воплотил образ мирной жизни. Ученик Сергея Герасимова, он унаследовал импрессионистическую манеру, которая особенно ярко проявляется в "Свежем дне": светоносные мазки передают динамику ветра, колыхание одежды, бег волн и солнечные блики. Картина получила золотую медаль Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве в 1958 году.
Работа находится в Зале №29.
Юрий Королев Космические братья
Вторая половина XX века ознаменовалась освоением космоса. К 1980-м годам СССР и США лидировали в космической гонке, а советская космическая программа способствовала международному сотрудничеству.
«Космическое братство» Юрия Королева — гимн покорителям космоса. Групповой портрет четырнадцати участников программы «Интеркосмос» из социалистических стран, изображенный на фоне ясного неба, символизирует открытость космоса. Космонавты в скафандрах оживленно общаются. Художник использует композиционные приемы для создания героических образов. Низкая линия горизонта придает фигурам монументальность. Каждый космонавт, сохраняя индивидуальность, олицетворяет разные народы, объединенные общей целью и дружбой, проложенным трудным путем развития цивилизации.
Картина представлена в Зале №36.
Информация взята из открытых источников.
Ставьте реакции и делитесь в комментариях, что для Вас означает "счастье"?