Постоянная экспозиция «Искусство ХХ века» Третьяковской галереи предоставляет гостям возможность взглянуть на известные произведения из коллекции Галереи под новым углом. Посетители смогут оценить полотна не только с художественной точки зрения, но и с учетом человеческого опыта и накопленной мудрости. Это возможность задуматься о жизни, личном выборе и внутренней силе.
Кузьма Петров-Водкин. Портрет Саломеи Андрониковой
Кузьма Петров-Водкин (1878–1939), яркий представитель плеяды художников Серебряного века, в 1924 году создал в Париже портрет княжны Саломеи Андрониковой-Гальперн (1888–1982). Андроникова была выдающейся личностью своего времени, родившись в Тифлисе и в юности переехав в Санкт-Петербург, где держала популярный литературный салон. Ее образ вдохновлял многих выдающихся художников, таких как Зинаида Серебрякова и Борис Григорьев, а поэты Осип Мандельштам и Анна Ахматова посвящали ей стихи. Считается, что именно знакомство с ней повлияло на создание Александром Блоком знаменитого образа «Незнакомки». Тэффи вспоминала о ней как о «самой интересной женщине нашего круга», а Аветик Исаакян отмечал, что женщины такого уровня рождаются «раз в столетие». Саломея Андроникова скончалась в Лондоне в возрасте 93 лет.
Михаил Нестеров. Портрет Ивана Павлова
Михаил Нестеров (1862–1942), один из виднейших мастеров русского искусства конца XIX – первой половины XX века, в 1930-х годах сосредоточился на жанре портрета. В 1935 году он написал портрет знаменитого физиолога Ивана Павлова (1849–1936), первого российского лауреата Нобелевской премии. Павлов, основатель науки о высшей нервной деятельности, руководил Физиологическим институтом Академии наук СССР. Нестеров запечатлел ученого на террасе его лаборатории в Колтушах, в момент оживленной беседы. Жест Павлова, подчеркивающий его слова ударом кулака по столу, и кампанула – его любимый цветок – придают портрету особую живость и индивидуальность. За этот портрет в 1941 году Нестеров был удостоен Сталинской премии.
Михаил Нестеров. Портрет Елизаветы Кругликовой
Михаил Нестеров, выходец из купеческой семьи, сочетал патриархальное воспитание с глубоким интересом к искусству и истории. Его творчество было направлено на поиск духовных идеалов, а в зрелом возрасте он стал выдающимся портретистом, изображая представителей научной и культурной элиты. Портрет Елизаветы Кругликовой (1865–1941), созданный в 1938 году, считается одним из самых проникновенных в его наследии. Нестеров описывал, как неожиданно увлекся работой над портретом 74-летней художницы, отмечая ее молодость, ум и очарование. Кругликова, мастер цветного офорта, силуэта и монотипии, ученица известных русских художников, провела много лет в Париже, где развивала свой талант и занималась преподавательской деятельностью. Портрет, сразу же поступивший в Третьяковскую галерею, стал значительным вкладом в развитие ленинградской школы офорта.
Портрет Веры Мухиной работы Михаила Нестерова
Картина Михаила Нестерова "Портрет Веры Мухиной", написанная маслом на холсте в 1940 году, является одним из ярких примеров послереволюционного творчества художника. В этот период Нестеров посвятил себя созданию галереи образов людей, обогативших науку и культуру страны.
Знакомство Нестерова с выдающимся скульптором Верой Мухиной состоялось в том же 1940 году, что положило начало работе над ее портретом. Художник отмечал незаурядность личности Мухиной, считая ее "интересной, умной, внешне имеющей совершенно законченное, русское лицо". Нестеров стремился запечатлеть скульптора в процессе творчества, что ей и удалось, несмотря на нелюбовь к посторонним в мастерской. Мухина согласилась позировать в момент работы над эскизом к монументальной композиции "Спасение челюскинцев". Динамизм колорита и построения портрета отражают творческий темперамент модели, объединяя в едином порыве скульптора и зарождающийся образ античного бога Борея. Художник использовал диагональное построение композиции и контрастное сопоставление светлых и темных пространств, создавая почти монохромное решение.
На портрете Мухина предстает в зените своего мастерства. Ее монументальная скульптура "Рабочий и колхозница", созданная в 1937 году для павильона СССР на Международной выставке в Париже, принесла ей мировую известность. Этот 24-метровый шедевр из нержавеющей стали, символизирующий устремленность страны в будущее и достижения в науке и искусстве, был установлен после выставки в Москве на ВДНХ.
Портрет Сергея Конёнкова работы Павла Корина
Картина Павла Корина "Портрет скульптора С.Т. Конёнкова", написанная маслом на холсте в 1947 году, представляет собой произведение признанного мастера. Корин, происходивший из семьи иконописцев и учившийся в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), испытал значительное влияние дружбы с Михаилом Нестеровым.
Он известен своим триптихом "Александр Невский", портретным циклом к неосуществленному полотну "Реквием. Русь уходящая", а также галереей образов выдающихся современников, включая М. Горького, Г. Жукова, В. Качалова. Корин также занимался монументальной живописью, работал над мозаичными панно, а на протяжении многих лет посвятил себя реставрации, в том числе произведений из Дрезденской галереи.
На портрете изображен Сергей Конёнков (1874–1971), прозванный "русским Роденом", скульптор с загадочной судьбой. Выходец из крестьянской семьи, он получил образование в МУЖВЗ и Императорской Академии художеств. Его мировая известность как скульптора сочеталась с активным участием в политической жизни. Конёнков дружил с Альбертом Эйнштейном, вел переписку с Иосифом Сталиным, занимал видное положение в США. Вернувшись на родину в 1945 году по личному приглашению Сталина, он продолжил активную творческую деятельность, несмотря на свой 73-летний возраст. Корин запечатлел скульптора в состоянии вдохновения, передав духовное напряжение мыслителя через резкое противопоставление света и тени и динамичную композицию, построенную на столкновении живописных масс.
Виктор Попков. Хороший человек была бабка Анисья
Работа Виктора Попкова, выдающегося представителя послевоенного советского искусства и одного из основоположников «сурового стиля», «Хороший человек была бабка Анисья», созданная в 1971–1973 годах, является одним из его последних творений. Это полотно, выполненное маслом на холсте, хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Яркая индивидуальность Попкова, его страстный и неудержимый характер, находили отклик в напряженной эмоциональной атмосфере эпохи, что сближает его с символической фигурой Владимира Высоцкого.
В «Бабке Анисье» трагизм неизбежности смерти смягчается умиротворяющими образами осенней природы — шелестом листьев и стрекотом сорок. Художник превращает пейзаж в подобие храма, наполняя его глубоким символизмом. Могучий дуб с сохранившейся посреди багрянца зеленой ветвью олицетворяет «древо жизни», символизируя преемственность и вечность. Эта картина — результат размышлений Попкова о смысле бытия, цикличности жизни и смерти, благодарности и признательности. Автор стремился показать величие земли и ценность каждой человеческой жизни, даже простой деревенской женщины, прожившей свой век с достоинством, как бабка Анисья, проститься с которой пришли все односельчане.
Образ бабки Анисьи становится воплощением философской идеи о непреложности жизненного цикла и значимости каждого существа. Скромные похороны могут запускать глубинные вопросы о смысле существования, демонстрируя, как жизнь в своем естественном течении, от увядания до рождения, охватывает и природу, и человека в вечном круговороте.
Дмитрий Жилинский. Автопортрет в Испании
Дмитрий Жилинский (1927–2015), один из ключевых мастеров советского изобразительного искусства XX века, большую часть своей долгой жизни посвятил живописи, стремясь постичь и воплотить идеал гармоничной личности и красоты мироздания. Его произведение «Автопортрет в Испании», написанное темперой на оргалите в 1991 году, находится в Государственной Третьяковской галерее.
Обучаясь у таких мастеров, как Павел Корин, и формируя свой талант в уникальной среде «Красного дома» в Новогирееве, где жили и работали видные художники, Жилинский был тесно связан с художественной династией. Его связь с Валентином Серовым через сестер бабушки подчеркивает глубину его корней в истории русского искусства.
«Автопортрет в Испании» отражает влияние каталонской поездки. В духе мастеров Возрождения, Жилинский изображает себя в профиль, с кистью в руке, за созданием образа солнечного, прекрасного мира. Художник восхищается ярким небом и прохладной зеленью агавы. Образ женщины, под моделью для которой послужила его жена Нина Жилинская, его муза и критик, является воплощением их многолетней творческой и личной связи. Он говорил о последних десятилетиях их совместной жизни как о наиболее значимых, чувствуя свою необходимость ей, продолжавшей творить до последнего дня.
Информация взята из открытых источников.
Ставьте реакции и пишите в комментариях, какой художник лучше передал тему долголетия в своей работе!