Поп-арт - это уникальное движение, которое сделало искусство по-настоящему современным, и, как это не печально признавать, стал последним направлением в искусстве, которое подарило нам и правда известных и великих живописцев.
Эдуардо Паолоцци, "Я была игрушкой богача" (1947)
Этот коллаж был создан шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1947 году, за несколько лет до формирования и фактического возникновения стиля поп-арт. До этого коллажа, как и после, Эдуардо создавал подобные произведения, используя спонтанные изображения из реклам из газет, которые он покупал в американских киосках. Моду на использование случайно найденных предметов ввели дадаисты в конце 1910-ых, в частности - Марсель Дюшан. Данный коллаж вошёл в серию "BUNK!", над которой Эдуардо работал с 1941 по 1952 года. Название дословно переводится, как "чепуха!" или "чушь" и было позаимствовано у Генри Форда, "История - это более или менее чем чепуха...Мы хотим жить настоящим".
В самом верху видно название журнала, который он использовал в качестве холста, "Intimate Confessions". Чуть пониже находится рука, держащая пистолет, от которого слышен звук "POP!" (это первый коллаж, где был использован термин "поп", критики позаимствовали это слово отсюда). Под рукой находится текст, не имеющий никакого смысла, который дословно переводится, как "Я была игрушкой богача, бывшая любовница. Я признаюсь, если это грех, то женщина с улиц - дочь греха". В левой части находится пин-ап фигура, вырезанная из того же журнала. В правой части также есть упаковка вишнёвого пирога фирмы "Real Gold", а также Coca-Cola. На жёлтом фоне изображён бомбардировщик времён Второй мировой войны Lockheed Hudson с надписью "держи их в воздухе".
Джаспер Джонс, "Мишень с четырьмя лицами" (1955)
Эта работа считается одним из манифестов нового движения. Американский скульптор и художник Джаспер Джонс создал эту инсталляцию в 1955 году, когда поп-арт только начал формироваться и устанавливать собственные тенденции направления. Произведение выполнено нестандартным способом: энкаустика (смесь пигмента и горячего пчелиного мёда) в сочетании с папье-маше (холст обклеен газетными оттисками) и глиняными слепками сверху. Слепки голов помещены в деревянную коробочку с откидной крышкой, поэтому их можно закрыть и открыть. Если закрыть, то на месте лиц будет написано "Face". Джаспер обратился к рейди-мейду Дюшана (способ создавать работы из обычных вещей, собирая или вообще не меняя их) совместив совершенно ничего не значащие предметы отдельно.
Круги на мишени создают ощущение медитации и цикличности, а полуоткрытые головы сверху добавляют тайны. Есть достаточно много интерпретаций этой работы. Скорее всего, четыре головы символизируют заключённых в тюрьме, смотрящих на зрителя из маленьких окон в тюрьмах. Факт, что владелец может открыть и закрыть крышку и использовать мишень в нужных целях, делает его невольным палачом этих людей. Также работа может символизировать протестующих против чего-то людей или вынужденную скрытность людей нетрадиционной ориентации. Сам Джаспер Джонс отвергал, что у какой-то работы есть своя одна интерпретация, а говорил, что человек должен видеть нужную для себя истину в его работах.
Ричард Гамильтон, "Что же делает современные дома такими непохожими на другие и такими привлекательными?" (1956)
Этот коллаж официально основал британский поп-арт. Он считается символом поп-арта, его главной целью и его главной идеей. Ричард Гамильтон вместе с Джоном Макхейлом и Джоном Волекером создали его в 1955 году. В 1956 году состоялась выставка "Это завтра", название работы стало девизом, также она использовалась на афишах выставки. После этого коллажа Гамильтон сыскал необыкновенную славу, как среди художников, так и среди коллекционеров, критиков и даже философов. В течении жизни он часто пытался переосмыслить этот сюжет с помощью современных техник и технологий. Пытаясь отобрать всю славу себе, в 2006 году Джон Макхейл-младший заявил, что его отец является главным автором работы, по его словам, именно он делал эскизы, выбирал источники, а роль Гамильтона сводилась к "механической". В доказательства он показал материалы, который он отправлял своему отцу из Йельского университета, а также подтвердил источники. Ричард заявил: "Это абсурд. Коллаж широко воспроизводился в течение последних пятидесяти лет, и, насколько мне известно, мое авторство никогда не оспаривалось Джоном Макхейлом-старшим, когда он был жив". Авторство Ричарда Гамильтона было подтверждено всеми людьми, которые участвовали или помогали в процессе создания коллажа.
Работа наглядно показывает все "идеалы" американского дома в 50-е и 60-е. На столе лежит легендарный "Ham"; домработница пользуется новым пылесосом, совершенно прорывным; окно выходит на рекламу фильма "Певец джаза"; на стене плакат с обложкой комикса; в руках у бодибилдера чупа-чупс. На стене также висит портрет писателя Джона Рескина, который символизирует связь массового потребления с культурой и искусством. В роли мужчины здесь выступает известный бодибилдер Ирвин Кошевски, по прозвищу "Забо".
Питер Блейк, "На балконе" (1955-57)
Ещё одно прекрасное произведение британского поп-арта. Его автором является художник Питер Блейк, который тогда только начинал экспериментировать с техниками и темами поп-арта. Художник утверждал, что картина "На балконе" была его дипломной работой, когда он учился в Королевском колледже искусств. Картина выглядит, как коллаж, однако каждый элемент здесь нарисован непосредственно маслом и кистями. Эта картина стала первой работой Блейка, выполненной в технике "картинок в картинке" (мета-картинок), как её называл автор. Большая часть работы была завершена им в 1955 году, однако в 1957 году Питер увидел в ней новый смысл и дорисовал. Продукты на столе и люди на лужайке поражают свой контрастностью, именно поэтому работа выглядит как коллаж.
На картине изображены люди, сидящие на зелёной лужайке. По всей картине разбросано 27 изображений балкона, как это видели разные поколения художников, и как они выглядели давным-давно. В левой части холста мальчик в очках держит картину Эдуардо Мане "Балкон", название которой легло в эту работу. Питер Блейк пытался специально создать ощущение коллажа, чтобы запутать и придать картине необычность. После произведения "На балконе" в поп-арте начали активно использовать коллаж и технику абсолютного беспорядка. В верхней части холста можно заметить девочку, от которой видно только ноги. Это символизирует бесконечность искусства, его эволюцию и стремительное развитие.
Роберт Раушенберг, "Каньон" (1959)
Роберт Раушенберг славился своими "комбинированными работами", то есть работами, которые создаются с помощью многих десятков совершенно разных материалов. На холсте находятся вырезки из газет, металлические листы и куски одежды, поверх которых разбросаны мазки, тем самым указывая на влияние абстрактного экспрессионизма. В левой части можно заметить фотографию сына Раушенберга Кристофера. Ниже находится чучело беркута (беркут - вымирающий вид, чучело подарила Роберту соседка, однако работу запретили продавать из-за использования настоящего чучела животного, вид которого находился на грани вымирания), которое сидит в чёрной коробке. Из-за скандала, связанного с чучелом беркута, произведение запретили продавать или перепродавать и отдали в Музей современного искусства в Нью-Йорке, где оно находится по сей день в постоянной экспозиции.
Вариантов трактовки картины очень много, некоторые эксперты даже утверждают, что искать все практически бессмысленно. Первая теория гласит, что Раушенберг вдохновлялся картиной Рембрандта "Похищение Ганимеда", на которой изображён миф, рассказывающий, как орёл похитил Ганимеда, когда тот пас стадо, чтобы сделать виночерпием Зевса. Орёл повторяет позу того, что на картине Рембрандта, а два подвешенных мешка повторяют форму ягодиц Ганимеда. Также об этом говорит фотография пианино, расположенная прямо над головой орла, как бы скорбя об этом. Вторая трактовка посвящена холодной войне, которая на момент написания была в самом разгаре. Об этом говорит фотография Статуи Свободы, находящаяся чуть правее фотографии Кристофера. Орёл символизирует Америку, пытающуюся покорить первой космос (но у неё не получилось), о чём также говорит кусочек звёздного неба над крылом орла. Подушка говорит о притяжении к земной поверхности и желании остаться на ней.
Энди Уорхол, "Диптих Мэрилин" (1962)
Работу над этой картиной Энди Уорхол начал через неделю после смерти Мэрилин Монро. Уорхол работал бех остановки, так как был по-настоящему потрясён смертью актрисы, особенно такой ранней и такой внезапной. Это одна из первых картин, где Уорхол начал использовать свою легендарную технику - шелкографию, позволяющую ускорять процесс создания работ, а также повторять и изменять цвета одних и тех же объектов. Здесь находится 50 фотографий Мэрилин Монро, которые были сняты на съёмках фильма "Ниагара" в 1952 году. Через несколько месяцев картина была завершена. Ей естественно сразу же заинтересовались коллекционеры, поэтому она несколько лет "летала" по частным собраниям и арт-галереям. Также поражали размеры этой работы: 205,4×289,5 сантиметров.
Левая часть картины выглядит оптимистичной и радостной, она изображает жизнь актрисы. 25 Мэрилин Монро на ней изображены в ярких тонах, все они раскрашены очень аккуратно, на них подчёркивается все черты лица Монро: яркие волосы, тёмно-красные губы, контрастная (конечно, не фиолетовая) кожа. На правой стороне изображена смерть Мэрилин Монро. Её изображения окрашены в чёрно-белые цвета, они то слишком тёмные, то исчезают. Это символизирует, как исчезает её образ, превращая её в штамп на упаковках еды. Критики отмечали, что правая часть напоминает посмертные маски актрисы. Уорхол задумался над культом американских знаменитостей, и как они быстро становятся "Банками с супом Кэмпбелл" в глазах общественности. Энди нарочно сделал линию между двумя створками такой яркой, как символ контраста между жизнью и смертью Мэрилин Монро.
Клас Олденбург, "Напольный бургер" (1962)
"Напольный бургер", он же "Гигантский гамбургер" прославил Класа Олденбурга, как мастера мирового поп-арта. Это одна из его "мягких скульптур", которые он создавал с конца 1950-х по конец 1960-х. Сшить фигуру и набить её пенорезиной и ненужными коробками помогла Класу его первая жена Пэтти Муха (Джоан Мущински). Впервые бургер был представлен на выставке "The Store" в Зелёной галерее в Манхэттене, где скульптура вызвала достаточно положительные оценки со стороны поп-артистов и посетителей. После временного показа в "The Store" её купила галерея Sidney Janis, где она находилась в постоянной экспозиции до 1967 года. В 1967 году "Гигантский гамбургер" купила Художественная галерея Онтарио за 2000 долларов. Олденбург отказался от процента за продажу, поэтому все деньги забрала себе галерея. Покупка произведения искусства такого образца вызвала споры. Студенты Центральной технической школы в знак протеста сделали 3-х метровую банку кетчупа и вышли с ней на улицу. Интересно, что критики и сам Олденбург сочли этот шаг очень смелым и оригинальным.
Идея создать увеличенный бургер пришла Класу в голову во время того, как он прогуливался по автосалону и заметил, какими машины выглядят большими внутри здания, и какими маленькими они выглядят на улице. Художник специально сделал его мягким, чтобы человек, проходящий мимо сразу захотел к нему прикоснуться. Возникает вопрос: он хочет съесть гамбургер или он хочет прикоснуться с великому произведению искусства? Таким образом Олденбург показал состояние современного искусства и объектов массового потребления, тем самым прибегнув к самоиронии.
Том Вессельман, Натюрморт номер 20 (1962)
Этот ассамбляж Том Вессельман создал в расцвет своего творчества. Как и всех поп-артистов, его манили натюрморты с изображением объектов массового потребления. Здесь можно увидеть все самые потребляемые продукты того времени: стакан колы, тостерный хлеб, неоткрытое пиво. Фрукты и овощи здесь создают ощущение максимального контраста с остальными предметами. Изначально картина была куплена бизнесменом Сеймуром Х. Ноксом-младшим, который проявлял огромный интерес к становлению новых стилей и течений модернизма и постмодернизма. В его коллекции современного искусства хранились картины Поллока, Мура, Д'Арканжело, Вессельмана, Лихтенштейна и портрет работы Энди, на котором изображён сам Сеймур. Позже Нокс-младший передал картину в дар Художественной галерее Олбрайт-Нокс.
Левая часть картины полностью настоящая. Здесь видно кусочек раковины (она, кстати, была с водопроводом, но его убрали, чтобы не занимал много места) с мылом в мыльнице и люминесцентной лампой (на картинке он включена). Сверху находится шкафчик, который можно открыть и закрыть. В нём находятся различные таблетки, зубные пасты, зеркальце и немного еды. Таким образом работа создаёт целую комнату, которую человек видит каждый день, однако теперь это "произведение искусства", поэтому ничего менять и трогать нельзя. На маленьком синем столе лежат продукты массового потребления, выполненные в технике коллажа. Над ними находится картина одного из самых дорогих и известных абстракционистов мира - Пита Мондриана, творчество которого Вессельман ценил и уважал. Так он показал, как быстро искусство стало частью обычной американской роскошной жизни.
Рой Лихтенштейн, "Бу-ух!" (1963)
Во время Второй мировой войны Рой Лихтенштейн служил в Армии США, он планировал стать пилотом, однако курс отменили ещё до его начала. После войны он посвятил множество работ батальным сценам в воздухе, а также на земле. Картина представляет собой адаптированный рисунок Ирв Новик, опубликованный в комиксе "All-American Men of War". По изначальному сюжету, герой видит цепь сновидений, где он - пилот Джонни, сбивающий на P-51 Mustang другие реактивные самолёты. Рой заменил модель самолётов, чтобы придать событию более знакомый и реальный сюжет. Впервые работа была показана на второй персональной выставке Роя в галерее Лео Кастелли в 1963 году. Там она оставалась до 1966 года, когда её купила Современная галерея Тейт. Через три года Рой пожертвовал туда свой набросок.
Это классическая работа Лихтенштейна, на которой перед нами диптих с изображением батальной сцены в стиле комикса. Изображение вырвано из контекста, что отдаёт весь сюжет в руки смотрящего. Пилот говорит: "Я нажал на кнопку запуска, и в небе передо мной вспыхнули ракеты". После того, как её выставили, картина вызвала жаркие споры между художниками и критиками. Одни считали, что показывать драматизм и трагедию войны в таком "детском стиле" неуместно, и они сочли это оскорбление памяти погибших во Второй мировой войне, а другие подумали совершенно наоборот, что таким образом Лихтенштейн никого не оскорбил, а лишь придал сюжету другой вид. И форму диптиха Рой выбрал неслучайно: так он показывает контраст между древним искусством и нынешним китчем. Чтобы там не было, прямо сейчас картина считается величайшим произведением поп-арта на ряду с Мэрилин Монро Энди Уорхола и коллажем Ричарда Гамильтона.
Уэйн Тибо, "Торты" (1963)
Уэйн Тибо запомнился самым "нерадикальным" поп-артистом (на самом деле, Уэйн не любил, когда его называл поп-артистом) в истории современного искусства. Это одна из тех самых "сладких" картин Тибо, на которой изображены тортики самых разных видов и самых разных вкусов. Такие картины он рисовал, скорее всего, потому что помнил, как он работал у Уолта Диснея и создавал рисунки детским мультфильмам. Как и многие другие картины Тибо, эта находится в частной коллекции. На картинах Тибо можно заметить особенные тени, подчёркивающие формы и структуру. В школьных постановках он был главным осветителем и управлял прожекторами. Оттуда и особенное внимание теням.
Картины Уэйна, на которых изображены торты, особенно выделяются своим оптимистичным настроением, что придаёт им ощущение праздника и семейного уюта. Торты на картине совершенно разные, возможно, Тибо хотел показать характеры и виды людей через них: белые - близнецы, розовый с розой - хрупкая девушка, коричневый на переднем плане - гений, шоколадный во втором ряду - простой человек, жёлтый - стеснительный, с ягодками в виде круга в третьем ряду - сложная девушка, шоколадный с ягодкой - ребёнок, украшенный во втором ряду - оптимист, отрезанный - подавленный человек, шоколадный с розовой верхушкой - человек со сложный характером, белый с сердцем - любящая девушка. Тибо не считал себя поп-артистом, потому что его картины изображают не иронию и проблемы современного общества, а наоборот - его главные ценности и ностальгические образы семейных традиций современного человека.
Джордж Сигал, "В баре" (1964)
Эта одна из ранних работ Джорджа Сигала, выполненных уже в его фирменном стиле. Сигал придумал технику полного обезличивания людей с использованием гипсовых отливок с изображением внешней фигуры человека, однако без индивидуальных примет (кожи, глаз, цвета одежды). Гипсовые отливки он снимал исключительно с живых людей, чтобы работы выглядели реалистично. На своих работах он изображал не жизненные ситуации, а жизнь простых людей. Например, поездка на велосипеде или спокойный завтрак/обед/ужин. Часто скульптор дополняет инсталляции реальными элементами (рукомойником, ванной, душем, окном, столом и т. д.). Скульптура "В баре" (также известна, как "Закусочная" или "Обед") была сделана в 1964 году, однако Джордж Сигал продолжал её усовершенствовать ещё в 1965 и 1966.
Здесь изображена классическая сценка обеда в маленькой закусочной на улице. Мужчина, задумавшись, смотрит в стену, а девушка занимается своей обычной работой. В этой работе Джордж следует стилю энвайронмент, который подразумевает создание пространственной художественной композиции, окружающей зрителя, перенося его в это место. В данном случае это обычная закусочная. Сигал "вырезал" из неё людей вместе с приборами, с которыми они взаимодействуют, а также красные обои. Зритель может присесть и очутиться в той же закусочной с теми же людьми. Подобные скульптуры можно считать поздней стадией фанк-арта, которым занимались Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг.
Джеймс Розенквист, "F-111" (1965-66)
Гений американского поп-арта Джеймс Розенквист начал работу над этой картиной, когда уже прославился на весь мир своими рекламами и дерзкими политическими картинами. Работа над этой картиной началась в разгар войны во Вьетнаме, когда по улицам можно было увидеть тысячи протестующих против конфликта людей. С 1964 Розенквист создал более 20 маленьких коллажей, на которых рассчитывал габариты работы и её гармоничность. Материалами для работы послужили рекламы, вырезки из случайных газет, а также всемирно известные фотографии (например, ядерный взрыв). Работа вышла поражающих размеров: 305 на 2621 см (3 на 26 метров). Впервые она была выставлена в галерее Лео Кастелли весной 1966 года. Размеры картины были адаптированы под периметр комнаты, и когда зритель заходил в зал с картиной, она полностью огибала его, таким образом человек попадал в это же пространство. С тех пор "F-111" показывали на многих выставках.
Действие картины происходит на фоне бомбардировщика F-111, в год создания этой работы он находился в разработке. Он особенно выделен и занимает практически весь холст (на спагетти можно заметить его нос). Бомбардировщик здесь символизирует голос идущей войны, а ядерный взрыв - эхо Второй мировой войны. Ужасы войны здесь контрастируют с объектами потребления: сыром, шинами, лампами, феном, зонтиком, спагетти и т. д. Можно заметить надпись "U. S. Air Force", которая означает протест против войны и ложь людям, что "всё хорошо". Основной смысл этой работы заключается в том, что военная индустрия и ложь в СМИ создают ложное ощущение спокойствия и безопасности, а потребительское богатство создаёт чувство стабильности и обеспеченности. Ныне эту работу можно смело сравнить с "Герникой" Пабло Пикассо, которая также посвящена трагическим событиям войны.
Эд Рушей, "Стандартная станция" (1966)
Эдвард Рушей (он же Эд) начал изображать заправочные станции в 1963 года, когда вышел его фотоальбом "26 бензоколонок", в котором просто были фотографии 26 бензоколонок, которых он часто видел. Потом, подобно Уорхолу, Рушей начал изображать один и тот же предмет, просто с разных ракурсов или в разных цветовых гаммах. Эту станцию Эд часто видел из окна автомобиля, когда проезжал от своего дома к знаменитому парку развлечений, таким образом и для самого художника эта станция является абсолютно стандартной. Интересно, что для такого необычного цвета Рушей использовал нестандартные материалы: смешивание техник (например, пастель с темперой), фруктовые сока и другие натуральные цвета. Таким образом, картины становились ни на что не похожими. Рушей создавал ещё много-много интерпретаций этой темы: станция горела, меняла цвет, становилась больше и меньше. Одна из них недавно продавалась на аукционе Christie’s и оценивалась выше 50 000 000 долларов.
Эту станцию Эдвард сделал в "рекламном" стиле, о чём говорят резкие цвета, мягкий градиент и векторные контуры. Таким образом, работа преувеличивает значение заправочной станции, о чём также говорит перспектива, из-за которой создаётся ощущение, что станцию снимали снизу вверх. Может показаться, что она бесконечная. Надпись Standard переводится как "стандартный", однако существует нефтяная компания с таким же названием. Так Эд показывает, насколько сильно в нашу жизнь въелись современные стандарты, что даже то, что выглядит прорывным, нам кажется обычным. Резкий красный цвет свидетельствует об опасности, скорее всего, эта опасность грозит природе, которая на грани вымирания из-за той же самой культуры потребления. "Станции" Рушея высоко ценил Хоппер.
Роберт Индиана, "LOVE" (1967)
Впервые надпись "LOVE" появилась на рождественской открытке, оформить которую Индиане дала MoMA в 1964 году. Сложно представить, что простая надпись "Любовь" стала хитом и все открытки раскупили буквально за неделю. Начали делать подделки и продавать под видом оригинала, а когда Роберт попытался защитить себя авторским правом, ему отказали с формулировкой "Одно слово не может являться объектом авторского права". С тех пор Индиана продолжал создавать многие копии этого слова, которые продавал достаточно дёшево (для произведений гения поп-арта). В 1966 году впервые появилась скульптура с изображением этой надписи в центре Нью-Йорка, а в 1970 вторая в Индианаполисе. В 1973 году Почтовая служба США выпустила восьмицентовую марку с изображением LOVE. Её тираж превысил 300 миллионов экземпляров. Потом работу часто использовали в оформлении дизайна дома, а подписанные копии продавали на аукционах, иногда их цена достигала 20 000 000 долларов за штуку. Самого Индиану очень сильно огорчало то, что именно эта работа прославилась и затмила всё остальное его творчество, в котором достаточно много более оригинальных картин.
Роберт утверждал, что идея к нему пришла тогда, когда он увидел в церкви надпись "Бог есть любовь". Он перевернул её у себя в голове и получилось "Любовь есть бог". Тогда он создал эскиз, который и взяли в основу открытки. Композиция выполнена в трёх цветах: синий, зелёный и красный, которым написаны буквы. Буква O наклонена, что придаёт статичной композиции динамику. На демонстрации против Вьетнамской войны, Индиана показал эту картину, которая позже стала символом протеста. Слово Love переводилось на многие языки: ивриту (אהבה), китайский (愛), итальянский (Amore), испанский (Amor), русский (Любовь) и везде вторая буква или буква О были наклонены.
Дэвид Хокни, "Мистер и миссис Кларк и Перси" (1970-71)
Дэвид Хокни познакомился с модельером Осси Кларком в 1961 году. У них были одинаковые творческие взгляды, что способствовало укреплению их дружбы. В 1969 году Хокни стал шафером на его свадьбе с Селией Биртуэлл. Через несколько недель Хокни начал подготавливаться к работе: делал рисунки и фотографировал пару. Работу над рисунком Хокни начал в 1970 году, когда супруги одобрили написание портрета. Дэвид работал в своей мастерской, опираясь исключительно на фотографии, сделанные им до этого. Художник работал над картиной чуть меньше года, потому что ему постоянно казалось, что картина выглядит плохо, а пропорции неестественны. Работа была закончена в 1971 году, и имела весьма большие размеры: 213 на 304 см (что, кстати, вполне нормально для работ Хокни). В том же году картина была представлена друзьями Биртуэлл в Британской галерее Тейт. Во время голосования на BBC за десять величайших картин в истории Великобритании эта картина вышла в финал и стала там единственной картиной ныне живущего художника.
На этой картине Хокни полностью разрушил представление о традиционной свадебной портретной живописи, сделав мужчину сидящим, а женщину стоящей (то есть, доминирующей в паре). Лилии рядом с Биртуэлл символизируют чистоту, что часто связывают с благовещением (на этой картине Биртуэлл беременна). У пары было две кошки: белая полненькая Перси и тоже белая, но стройная Бланш. На этой картине изображена Бланш, однако Дэвида не устроило название: "Мистер и миссис Кларк и Бланш", поэтому он назвал кошку Перси. Кошка на коленях Кларка символизирует неверность (в противовес собаке), чем Хокни намекнул на скорый распад брака (брак и правда распался в 1974 году). Все смотрят на зрителя, то есть, на третье лицо, кроме кошки, которая загадочно смотрит в окно.
End