За последние пару месяцев начали закрываться галереи, которые еще недавно казались абсолютно стабильными институциями арт-мира. Stephen Friedman в Лондоне, более нишевая молодая галерея Hot Wheels, Blum в Лос-Анджелесе, закрывшаяся еще в августе 2025ого.
Одновременно с этим, огромные «конгломераты» вроде David Zwirner, Gagosian, Hauser & Wirth, White Cube и Thaddaeus Ropac продолжают буквально конвейером забирать художников в свои сети - иногда переманивая их у галерей среднего масштаба еще до того, как те успевают самостоятельно вывести художника на международный уровень.
И здесь возникает более интересный вопрос: что вообще всё это значит для будущего арт-мира и модели потребления искусства?
Чтобы оценить эту трансформацию, важно проследить эволюцию продажи искусства в цифровом пространстве. Уже давно существуют платформы вроде Artsy и Artlogic, где возможно создавать полноценные онлайн-просмотры, закрытые показы и загружать весь ассортимент галереи. Благодаря этому все больше пространств начинают отказываться от финансового обязательства постоянной физической локации и существуют преимущественно в цифровом формате, периодически материализуясь через временные выставки, арт-ярмарки или проекты в разных городах.
И именно это, как мне кажется, начинает менять саму логику существования галереи.
Такая модель позволяет пространствам быть намного более гибкими: реагировать на культурный момент, менять города, адаптироваться под сезон, аудиторию и конкретное пространство. Галерея больше не обязана быть статичной институцией в формате «белого куба» с фиксированным адресом.
Например, мои знакомые, недавно основавшие молодую галерею Oscar Chloe Directory, за последний год успели сделать два временных проекта в Лондоне, один в Нью-Йорке и еще один в Венеции во время открытия Биеннале, арендовав пространство в центре города. Их выставка не только успешно продавалась, но и попала в New York Times в раздел «Сцены из Бьенале».
Когда я спросила одного из ребят, видят ли они свое будущее в открытии постоянного пространства, он ответил:
“С моей точки зрения, работая с OCD уже над второй выставкой и общаясь со многими людьми из индустрии — особенно с молодым поколением и новыми предпринимателями, которые меняют это конвенциональное пространство, — я вижу, что люди всё больше обращают внимание на более событийный и ориентированный на pop-up формат, где можно совмещать разные медиумы искусства, а не существовать исключительно в рамках традиционного выставочного пространства. И это подтверждается тем, что сейчас многие крупные галереи закрываются или банкротятся — они теряют деньги, потому что не могут достучаться до более широкой аудитории.
Модель pop-up выставок (если её правильно масштабировать и выстраивать системно) позволяет заранее учитывать всё на логистическом уровне, поэтому со временем она легко может превзойти то, чем раньше определялось традиционное галерейное пространство.
Кроме того, очень часто можно находить новых художников непосредственно в том городе, где ты делаешь pop-up, а это сокращает расходы на транспортировку, страховку и прочие вещи, которые обычно съедают 20–30% выручки выставки. Плюс появляется возможность реально встроиться в культуру самого города, в котором ты показываешься.
Например, за последние пару недель у нас в пространстве в Венеции были музыканты и перформеры, что добавило интерактивности для клиентов — чего обычно не хватает более конвенциональным выставочным пространствам.
Когда ты работаешь в формате pop-up, тебе приходится по-настоящему адаптироваться под пространство, но я вижу в этом скорее плюс. Например, сейчас мы думаем сделать проект в церкви, большом подвале или винном погребе ресторана. Это сильно отличается от негласных правил индустрии, где постоянное пространство должно быть максимально “чистым” (white cube).
Мне кажется, здесь всё зависит от того, насколько грамотно ты умеешь масштабироваться и не пытаешься расширяться слишком быстро. И наш опыт это показывает: сначала мы сделали закрытую и публичную выставку в Лондоне, потом — то же самое в Нью-Йорке всего пару месяцев спустя, а сейчас параллельно делаем сразу две выставки — одну на Future Fair и одну в Венеции. А дальше — кто знает? Через год можно делать уже три, четыре или пять проектов одновременно.”
Услышав его слова, я поняла, что гибкая модель цифровых и временных выставок позволяет галереям следовать тем импульсам, которые возникают при наблюдении за развитием культуры: находить новые пространства, новые города и масштабироваться не в конвенциональном, а в современном и международном смысле - даже на ранних стадиях.
И, возможно, мы постепенно выходим из эпохи, где галерея была «храмом» искусства с фиксированным адресом, и входим в эпоху, где искусство становится более мобильным, событийным и встроенным в поток культуры почти в реальном времени.
Еще я лично считаю, что растворение многих ранее известных галерей означает начало новой эпохи более демократизированного потребления и выставления искусства. Художники все больше учатся собственному сторителлингу, продажам и выстраиванию прямого контакта с аудиторией, не нуждаясь настолько сильно в институциональной поддержке для продвижения своего творчества.
Интернет постепенно опускает многие барьеры входа - и для художников, и для галеристов. А это, скорее всего, приведет не только к большему разнообразию искусства, но и к совершенно новым способам его обнаружения, переживания и потребления.