Выставка в Новой Третьяковке на Крымском валу.
Матисс и Пикассо возглавляют список современных художников. Статья у меня начнется с Пикассо , и еще лет тридцать назад именно его ставили первым, а потом уже Матисса.
Но мир меняется и ему хочется праздника цвета, поэтому наверное Матисс сейчас это главный и первый. Примерно как Рафаэль в эпоху Возрождения. Вот даже интересно, как обозначат потомки-искусствоведы наше время- 20-ый и 21-й век? Предположим, это будет "Период великого поиска".
Вернемся к Пикассо . То есть начнем с формы . Хочу оговориться сразу- с формой Пикассо экспериментировал в определенный период своего творчества, который сейчас и представлен на выставке. А так, конечно, и цвет был у художника. У него был и "Голубой период" и "Розовый".
К Розовому периоду относится одна из самых известных его картин "Девочка на шаре", которая находится у нас, в Пушкинском музее. Купил ее у художника коллекционер Иван Морозов, и хранилась она в его особняке на Пречистенке .
Здесь слились и форма и цвет .Застывшая фигура сидящего на тяжелом кубе атлета противопоставляется балансирующей на неустойчивом шаре хрупкой гимнастке. Он-розовый , словно облитый заходящим солнцем.Она -голубая, принадлежащая уходящей вдаль перспективе.
Коллекция Ивана Морозова была недоступна для широкой публики, и «Девочка на шаре» не получила должного признания среди художников в 1910‑е годы. Однако после революции, когда был создан Государственный музей нового западного искусства, работа заняла одно из ключевых мест в экспозиции.
Повторное открытие этой картины случилось в 1956 году на первой выставке Пикассо в Пушкинском музее. Это событие — одна из первых ласточек эпохи оттепели. Эффект, произведённый творчеством французского мастера на советскую публику, был колоссальным. Эта выставка инспирировала начало дерзких экспериментов целого поколения художников‑шестидесятников.
Пикассо известен также своими радикальными опытами с формой, раскладывая ее и разворачивая . Это период творчества Пабло Пикассо называется кубистическим.Все состоит как бы из геометрических фигур-в основном, кубиков.
Это мог быть и пейзаж ...
... и портрет.
Это нам сейчас все это привычно, а каково было современникам, если у даже продвинутой публики эти изображения людей вызывали вот такие чувства.
Николая Бердяева, например, «охватывало чувство жуткого ужаса», когда он входил в комнату Пикассо в особняке Щукина.
Сергей Булгаков в «Даме с веером» видел «змеиную насмешку колдуньи», а Яков Тугендхольд сравнивал Пикассо с «хирургом и анатомом, вскрывающим трупы».
Если философов и критиков занимала метафизика, то оценки художников носили иной характер. Любопытна реакция «реалиста из реалистов» Василия Сурикова, переданная Максимилианом Волошиным:
«Однажды мы были вместе с Василием Ивановичем в галерее Сергея Ивановича Щукина и смотрели Пикассо. Одновременно с нами была другая компания. Одна из дам возмущалась Пикассо. Василий Иванович выступил на его защиту: „Вовсе это не так‑то всё страшно. Настоящий художник именно так должен всякую композицию знать: прямыми углами и общими массами. А Пикассо только на этом остановиться хочет, чтобы сильнее сила выражения была. Это для большой публики страшно. А художнику очень понятно“».
Ну а я вспоминаю момент из советского фильма "Приключения принца Флоризеля" . Там ищут преступника , имея его портрет именно в кубистической манере. И, собрав предположительно знавших его людей, показывают это изображение. Все в страхе разбегаются, узнав этого опасного человека.
Вот и Амбруаза Воллара можно прекрасно идентифицировать даже в таком варианте . Получившийся образ Воллара глубоко психологичен: преуспевающий маршан выглядит подавленным и погруженным в сон. Ему тяжко от наваленных фигур и неудобно от острых углов.Мне кажется, он боится пошевелится .
Воллар коллекционер и посредник между художниками и коллекционерами, в первую очередь русскими- Сергеем Щукиным и Иваном Морозовым. Как правило маршаны ( так этих посредников называют во Франции) выкупают картины у художников в свою галерею, которую посещают коллекционеры, подбирающие что то себе. И с большой наценкой продают их.Тут важно подать работу . У Воллара было чутье и способность оценить потенциал.
А вот скрипку я бы не узнала, если бы не подпись.
Манера Пикассо привлекала русских художников-бунтарей. Знакомились они с новым искусством в доме Сергея Щукина. А изучать методы отправлялись в Париж,в академию «Ла Палетт», где в начале 1910‑х годов преподавали художники‑кубисты Анри Ле Фоконье, Жан Метценже, Фернан Леже и Альбер Глез. В разные годы там проходили обучение юные Аристарх Лентулов, Любовь Попова, Надежда Удальцова.
В 1914‑м году в мастерской Владимира Татлина был организован «кубистический кружок», в котором собирались Алексей Грищенко, Александр Веснин и другие.
А теперь Матисс.
Анри Матисс любил цвет. Благодаря Щукину и Морозову мы теперь любуемся картинами Матисса в залах Галереи Пушкинского музея. И выставка эта, кстати, основана только на коллекции музея изобразительных искусств им.А.С.Пушкина. Хотя проходит в Третьяковке. Такая вот коллаборация. Это объясняется тем, что в Новой Третьяковке представлены художники-авангардисты, которые черпали свое вдохновение у первопроходцев - Пикассо,Матисса, Сезанна.
Следующие работы были выполнены по заказу Ивана Морозова во время путешествий Матисса в Марокко.
Из аналогов в русской живописи на ум приходят работы Павла Кузнецова .Тоже восточные темы .Но не так агрессивно, нежнее - все-таки Кузнецов был символистом , а Матисс фовистом ( диким).
Если бы я выбирала себе домой картину- то предпочла бы Кузнецова. Матисс скорее для музея .
О ниже следующем натюрморте я когда-то писала в запрещенной теперь сети в группе "Рассказы о картинах и художниках".Предлагаю вам этот фрагмент, так сказать "из раннего".
"Больше всего Матисс любил изображать на своих полотнах деревья, цветы и женщин. Вероятно, в его представлении это были самые прекрасные создания на земле.
Сегодняшний натюрморт написан в 1913 году, Матисс уже известен в России благодаря коллекционеру Сергею Ивановичу Щукину. Матисс уже побывал в Марокко, откуда он привез этот изумительный синий сапфировый цвет моря и неба. На ярком декоративном фоне совсем не теряются строгие белые каллы, желтая кудрявая мимоза, голубые ирисы.
Ваза с цветами стоит на покрытом ковриком столе. Орнамент ткани как будто забегает вперед и рассказывает нам о том, что вскоре красивые цветы увянут, опадут. Так что надо успеть оценить красоту и грацию букета сейчас.
При первом взгляде на картину, зритель понимает, что столик стоит у раскрытого окна. Ну конечно, вот и розовая штора отодвинута, чтобы мы полюбовались пейзажем. Но это обман мозга. Или шутка художника. Не пейзаж виден за окном, а кусочек стены в весёленьких обоях.
В натюрморте нет черного, который появится спустя пару лет- в годы Первой мировой войны. Хотя вот эта темная полоса справа уже надвигается на прелестный букет".
По-моему, я хорошо написала.
Во время путешествия по Марокко Матисс отметил, что местные жители много времени проводят у аквариумов, наблюдая за рыбками. Данный натюрморт Сергей Щукин приобрел в 1912 году в мастерской художника ( Воллар не получил своей комиссии, а значит русский промышленник сэкономил!).
Но я не вижу здесь Африки. Мне представляется загородная вилла в Провансе, с простой внутренней лестницей. Сходя по ней, открывается вид на мини-сад с тропическими растениями и аквариумом ( правда на аквариум это банка не похожа). Хочешь -пройдешь мимо ( но все-таки приятные впечатления уже получил), а хочешь -присядешь на ступеньку и смотри на рыбок.
Цвета много, но есть и форма : круглый столик повторяется в круглой банке ( ах вот почему Матисс погрешил и не стал рыбок помещать в квадратный аквариум) и все это подчеркивает хоровод рыбок.
Если рыбки это камерный формат , то картина Мастерская большая.Наверное для того, чтобы зритель ощутил себя гостем художника. Я сделал два фото , чтобы вы смогли оценить величину полотна.
«Мастерская художника» была написана в 1911 году, и вскоре ее приобрел Сергей Щукин. Это произведение знаменует рождение нового типа картин, впоследствии названных «симфоническими интерьерами».
Мастер выбирает вполне конкретный мотив - вид собственной недавно построенной студии , но творчески преображает его: так, изначально белые стены студии Матисс превращает в розовые, задавая колористическую доминанту композиции.
Среди предметов - работы самого художника и восточные артефакты, привезены из путешествий: вазы, кувшин, ковер и ткани. На картине они предстают деталями орнаментальной мозаики, рассеянными по пространству ателье. А само пространство преобразуется в комбинацию цветовых планов.
В 1909 году в журнале «Золотое руно», через год после публикации французского оригинального текста, выходит статья Матисса «Заметки живописца», ставшая ключом к пониманию творческого метода мастера: «Я не могу рабски копировать натуру, мне надо ее по-своему истолковывать и подчинять общему духу картины. Если все отношения найдены, то должен получиться живой аккорд красок, гармония, подобная музыкальной гармонии».
Парные работы «Уголок мастерской» и «Настурции. Панно ,Танец» должны были украсить столовую в доме Сергея Щукина.
В мастерской Матисса хранился вариант панно «Танец», который можно видеть на втором плане. Несмотря на то, что парижская публика встретила картину крайне негативно, после серьезных колебаний Щукин все-таки приобрел «Танец» и «Музыку» для своей коллекции. Смелость художественных взглядов московского коллекционера разделяли далеко не все. Согласно несохранившемуся завещанию Щукина 1907 года, после смерти он планировал передать свою коллекцию Третьяковской галерее. Илья Остроухов, тогдашний попечитель музея, в своем письме к Александре Боткиной, дочери Павла Третьякова, писал: «Завтра собираемся на концерт Бетховенский, очень интересный, к С. И. Щукину. Вчера пришли его панно Matiss'a - ужасно! Сам Сергей Иванович такого же мнения и заявил мне вчера у нас, что их галерея может не брать после его смерти. Надо будет это заявление оформить». Впоследствии Остроухов изменил свое мнение о Матиссе и, кроме того, стал одним из его проводников в мир русской иконы во время путешествия французского художника в Россию в 1911 году.
Еще до поездки в Марокко Матисс исполнил серию портретов моделей восточной внешности в ярких национальных костюмах. «Испанку» он впервые представил на Осеннем салоне 1909 года в Париже.
Сергей Щукин приобрел картину вскоре после того, как она поступила в галерею Бернхейм-Жён, с которой художник был связан контрактом.
Выставка небольшая - занимает один зал. Полотна двух художников занимают противоположные стены.
И на выставку попадаешь, пройдя залы русского авангарда : Наталья Гончарова, Михаил Ларионов, Петр Кончаловский, Илья Машков , Аристарх Лентулов ,Александра Экстер, Любовь Попова и др. А после выставки почти сразу зал Малевича с его Черным квадратом, который символизирует обнуление искусства и дальше соцреализм , отменивший авангард.
Казимир Малевич примерно так выразился : Пикассо разложил предмет на составные части , а я уничтожил и сам предмет . Имеется ввиду , супрематизм - беспредметное искусство .
Сейчас модно сравнивать авангард и русскую икону. Это два ключевых момента нашей культуры . Поэтому в ближайших моих планах сходить на выставку "Сакральное и радикальное", проходящую в Коломенском. Ну и написать о ней свои впечатления.