Замечали, что при прослушивании плей листа, после нескольких треков слушать дальше не хочется? Накатывает скука от однообразия звуковых и стилистических решений, как будто слушаешь одну и ту же композицию в разных версиях. Выглядит, что звучать похоже на коллег по цеху стало преимуществом, а не недостатком. Музыкальная индустрия переживает не только кризис великих исполнителей, масштаба Битлз или Майкла Джексона, но и новых течений, стилей, новаторского звучания, которые в избытке появлялись в конце 20-го века. У этого явления есть вполне объяснимые причины. Давайте на это посмотрим.
Доступность технологий и деградация продюсирования.
Еще 30 лет назад путь начинающего музыканта начинался с демо записей на кассетный магнитофон и концертов в провинциальных клубах. Чтобы записать дебютный трек на профессиональной студии звукозаписи были нужны финансовые ресурсы и связи в мире шоу бизнеса. Таким связующим звеном служили лэйблы и частные продюсеры, которые рыскали в поисках молодых талантов, прослушивая бесконечные демо. Такой порог входа создавал барьер на пути откровенной халтуры и “безталанщины”, задавая высокую планку звучанию любой композиции. Продюсеры присутствовали на каждой записи, концерте, репетиции, зачастую внося больший вклад в звучание трека, чем сам исполнитель.
Однако с развитием музыкальных компьютеров, технология создания песен постепенно стала доступна каждому владельцу ПК и перетекла в домашние студии. Появление стрим сервисов типа Apple Music и Spotify сделало дистрибуцию трека делом получаса. Новые технологии полностью изменили подход продюсеров и лэйблов к продвижению. Вы платите деньги и вас продвигают, оригинальность не их дело, достаточно звучать "как все".А для поиска новых имен, стало возможно получить полную аналитику по жанру, исполнителю, звучанию, записывать то, что сейчас хочет слышать аудитория, а не создавать новых кумиров "с нуля". Появление ИИ сделало этот инструмент еще более распространенным. Сейчас лэйблы генерируют тысячи треков и смотрят на количество прослушиваний. Поскольку так делают все участники рынка, то это приводит к производству одинакового, среднего, музыкального контента за небольшие деньги.
“Смерть” акустического звука.
С середины 80-х годов двадцатого века на рыке появляются PCM синтезаторы, которые более-менее реалистично воспроизводят звуки реальных акустических и электроинструментов. Этот технологический прорыв серьезно меняет звуковую палитру музыкальной индустрии. Больше не нужно привлекать барабанщиков, басистов, скрипачей. Почти вся Российская эстрада 90-х сделана на этих “железках”, где по звучащим пресетам можно на слух определить модель синтезатора. Сегодня даже профессионалу сложно понять играет ли “живой” оркестр, или звучит виртуальный инструмент. Поскольку в мире не так много шикарных инструментов, именно они и попадают в библиотеки тембров. Продюсеры создают музыку одними и теми же звуками, добиваясь “коммерческого”, т.е. мейнстримного звучания. Отсутствие мелких нюансов, присущих игре музыканта, звучанию конкретной гитары или трубы создают однообразие, блеклость и скуку. Но так делают почти все, и даже “звезды” звучат не сильно различимо, а значит можно хорошо зарабатывать, не платя “живым” музыкантам.Новые поколения слушателей уже вырастают в поле цифрового звука и воспринимают реплейсмент как норму.
Цифра и громкость.
Когда в огромных, и не очень студиях записывались грампластинки, весь звук проходил через воздух. Даже электроорганы и синтезаторы снимали через динамики, микрофонами. По пути от источника до винила звук смешивался с уникальной акустикой студии, проходил через множество аналоговых приборов, записывался на магнитную ленту определенного типа. Поэтому каждая запись звучала особенно, уникально. С перемещением производства в компьютерные студии, эта уникальность постепенно утратилась.Сейчас "своим звуком" обладает все меньшее количество исполнителей.
Отдельной бедой была громкость. Чтобы иголка не выскочила из дорожки на пластинке, громкость лимитировали, сжимая диапазон между самым тихим и самым громким звуком. Переход на цифру сделал эту проблему еще более острой. Но как сделать трек громким, слышимым и в машине, и в шумном месте, если есть лимит ? На помощь пришли цифровые алгоритмы, позволявшие поднять субъективную громкость до максимума. С девяностых начинается “война громкостей”, где каждый старается “переорать” другого в плей листе. Такой сжатый по громкости звук быстро утомляет, музыка теряет динамику, выразительность, разборчивость. Но обратной дороги нет, если ты звучишь тихо, то проигрываешь. Старые записи ре-мастерятся, чтобы звучать более современно и коммерчески привлекательно.
ИИ революция.
На момент написания этой статьи около 40% всей музыки, загруженной на стриминговые сервисы сгенерированы ИИ. Искусственный интеллект ничего не знает про ноты, ритм и гармонию. Это генератор цифровой звуковой стерео волны, обученный на миллионах MP3 файлов. Теперь стать музыкальным продюсером может буквально любой, и миллионы людей по всему миру генерируют миллионы треков, ничего не понимая в музыке. Каждый день около 100 000 треков закачивается на стриминговые сервисы для прослушивания.
Но где же ИИ суперхиты, почему в хит парадах и на первых позициях в Spotify имена артистов а не ИИ персон? Потому что ИИ-это алгоритм, он выдает то, что встречается чаще, то есть решения, которые вы уже много раз слышали. При этом сами треки звучат так, как будто они записаны в лучших студиях. И фоновая музыка, звучащая в общественных местах-ТРК, магазинах, кафе – это генерация, поскольку не нужно отчислять авторские. Музыка для видео, сериалов, телепроизводства тоже постепенно замещается генеративной по причине ее бесплатности. Появляются и ИИ группы и исполнители, которые собирают достаточную для коммерциализации аудиторию. Но все это вторичный продукт, и я наблюдаю "дегенерацию" творческих способностей моделей, поскольку ИИ обучается в том числе и на сгенерированном контенте.
Выводы.
Сегодня музыкальная индустрия переживает глубокий кризис. Закрываются звукозаписывающие студии, стены которых увешаны платиновыми дисками. Композиторов, аранжировщиков и звукорежиссеров заменяет бесплатный ИИ. Из-за наплыва контента, молодым исполнителям сложно добраться до своей аудитории и быть услышанными. И в то же время растут мировые продажи музыкальных инструментов, строятся концертные площадки, молодые таланты стремятся стать следующим поколением героев сцены.
Не являются случайными и мода на музыкальные стили 80-х, 90-х, и возрождение винилового и кассетного производства. Живой звук, живого музыканта на сцене не получится заменить цифровой копией именно потому, что копия эта не живая, она не существует отдельно от розетки и микросхем. Я уже слышу новые записи специально спродюсированные “по старому “ – чуть небрежно и отвязано, без комеерческого лоска, как способ оторваться от алгоритмов и цифровых штампов. Устав от цифровизации, люди разворачиваются обратно к акустике, к аналоговому звуку и естественности, то есть к своим корням.
Игорь Суворов. Звукорежиссер, студия “Звеним” Санкт-Петербург.