Себастьяно Лучани, более известный нам как Себастьяно дель Пьомбо (годы жизни 1485-1547), родился в Венеции. Его прозвище не имеет отношения к его художественным работам и творческому стилю. Оно возникло после того, как он получил должность накладывателя свинцовых печатей на документы папского двора и Ватикана. От слова «свинец» и пошло его прозвище «Свинцовый», сохранившееся в истории. Родившийся в Венеции мастер в ранние годы своей деятельности испытывал на себе серьёзное влияние таких именитых художников, как Тициан и Джорджоне. Так как он был учеником Джованни Беллини, на его творчестве, безусловно, сказалось и влияние художественной манеры своего учителя.
В 1511 году Себастьяно перебирается в Рим по приглашению известного банкира для декорирования его виллы. Вилла Фарнезина сохранилась до наших дней, впечатляя своими формами, стилем и украшениями. Этот факт говорит о том, что молодой художник пользовался большим успехом и достиг достаточно высокого положения при тогдашнем «изобилии» талантливых мастеров в Италии. Интересно, что в дальнейшем художник оказался отстранённым от работы, так как клиенту не понравились написанные им фрески – иллюстрации к «Метаморфозам» римского поэта Овидия. Несмотря на неудачу, дель Пьомбо не покидает Рима. Это положительно сказалось на его творческой манере, так как он встретил там Рафаэля Санти – одного из трёх титанов эпохи Возрождения. Его влияние на работах Себастьяно выразилось в более уравновешенной и грамотной композиции, строгом и изящном стиле изображения. Однако полотна мастера сохранили характерный для венецианской живописи колорит, что положительно повлияло на качество и эффектность изображения.
Ранние произведения автора отличаются богатым колоритом, но без яркого буйства красок. В его полотнах чувствуется влияние живописи Тициана с мягкими цветовыми сочетаниями и богатыми переливами тонов, словно погружёнными в туман. Впоследствии цветовая гамма полотен художника немного сокращается, а предпочтение отдаётся более сдержанным краскам. Но эффектность венецианского стиля сохраняется вплоть до конца его дней. Если знакомство с Рафаэлем внесло гармонию в работы художника, то влияние бунтаря Возрождения – Микеланджело Буонаротти – изменило стиль мастера, сделав его более мрачным и суровым. Лучшей картиной этого периода считается «Воскресение Лазаря», на создание которой ушло два года – он писал её в период с 1517 по 1519. Поздние работы, написанные в период контрреформации, отличаются сдержанным колоритом, тёмными тонами и достаточно мрачной тематикой.
В 1527 из-за нападения на Рим художник вернулся в Венецию, где создал несколько известных картин. В их числе суровое и мрачное «Несение Креста» и великолепный портрет Андреа Дориа – знаменитого венецианского адмирала и государственного деятеля. Вернувшись в Рим через четыре года, художник становится папским хранителем печатей. Из-за получения этой прибыльной и почётной должности мастер должен был принять постриг и стать монахом. В последние годы своей жизни он писал исключительно портреты, в числе которых оказались изображения его благодетеля папы Климента VII, Христофора Колумба, Пьетро Аретино, Джулии Гонзага и многих других известных людей того времени. Большое внимание он уделяет и созданию стихотворных произведений. Скончался художник в Риме в 1547 году в возрасте примерно 62 лет. Его творчество удостоилось описания в трудах Джорджо Вазари.
1 картина. «Смерть Адониса»
- Дата создания: 1512 год
- Размеры: 189 х 285 сантиметров
- Место нахождения: Галерея Уффици (Флоренция, Италия)
Будучи учеником Джованни Беллини и испытав на себе влияние Джорджоне, Себастьяно дель Пьомбо перенял от них мягкость форм и лирическое настроение, привнеся их в свои картины. Но, работая в Риме, он оказался также под воздействием искусства Рафаэля Санти с его абсолютной гармонией и Микеланджело, наделявшего своих персонажей невиданной мощью. В представленном выше полотне художник обратился к мифу об Адонисе – прекраснейшем юноше, возлюбленном Афродиты – убитом во время охоты вепрем. Творец изобразил момент, когда Афродита узнаёт о гибели Адониса, о которой ей сообщает Купидон, причем большая часть произведения занята сидящими в роще божествами, а умирающий герой находится чуть поодаль от них. Этот приём – отнести кульминационный момент всей сцены на некоторое расстояние, оттянуть его восприятие зрителем – заостряет тревожное настроение, разлитое в картине и волной пробегающее по главным персонажам.
На заднем плане творения художник запечатлел вид Венеции с Дворцом Дожей и Колокольней Собора Сан-Марко, отражающейся в тихих водах лагуны. Вечерний пейзаж со светлым голубым небом, золотистым закатом, белыми пухлыми облаками в вышине и бегущими по земле и воде тенями, наполняет всё изображённое здесь тонкой грустью, которую любили передавать в своих картинах и многие другие венецианские художники.
2 картина. «Несение Креста»
- Дата создания: 1537 год
- Размеры: 104,5 х 74,5 сантиметра
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Особенностью этой конкретной картины является использование неординарного материала – так называемой аспидной доски. Это природный материал, сланец чёрного или аспидного цвета. Применение сланца сделало возможным создание картины с уникальной структурой красочного слоя. По камню он распределяется иначе, чем по холсту, поэтому изображение кажется более нежным, как будто запечатлённым в рассеянном свете. Картина относится к поздним работам художника, когда он уже увлекался мрачными библейскими сюжетами. «Несение Креста» – это изображение Иисуса Христа во время его долгого пути на Голгофу. Римляне заставили его нести на себе орудие собственной казни – крест из массивного дерева.
Изображение запечатлело Иисуса уставшего, измученного, предчувствующего неминуемую гибель. На его лице написано страдание, а массивный крест словно придавливает его к земле своей тяжестью. Но картине нельзя отказать в изяществе. При всей трагичности сюжета чувствуется настоящая любовь художника к своей работе. Она сказывается в изящных линиях драпировки светлого хитона Христа, в красивом золотистом дереве креста, даже в том, насколько аккуратно и качественно выписан терновый венец на голове Иисуса. Особенно впечатляет изящная кисть руки, держащая крест. Она, как и лицо, выделена золотистым светом, поэтому кажется особенно объёмной и выступающей на передний план произведения. Если вспомнить, что по Библии Христос был плотником, становится понятно, что мастер явно упивался красотой человеческого тела и изяществом движения. Цветовая гамма картин позднего периода творчества художника сдержанная, с преобладанием золотистых, серых и коричневых тонов. Фона как такового здесь нет – всё внимание зрителя фокусируется на фигуре Христа, а всё остальное словно тонет во мраке.
3 картина. «Мученичество Святой Агаты»
- Дата создания: 1520 год
- Размеры: 127 х 178 сантиметров
- Место нахождения: Дворец Палаццо Питти (Флоренция, Италия)
Святая Агата – одна из наиболее почитаемых в католицизме и православии мучениц периода активного гонения римлянами христиан. Она родилась на Сицилии в состоятельной семье, но рано уверовала в Иисуса Христа. Агата привлекла к себе внимание местного префекта, но отказала ему. В результате девушку отправили в публичный дом, а затем долго мучили с особой жестокостью, свойственной римлянам в борьбе с инакомыслием. Ей отрезали груди, а затем сожгли на костре. На картине дель Пьомбо запечатлён момент мучений святой. Автор изобразил полуобнажённую молодую девушку, чьи нежные соски терзают огромными клещами. Святая окружена грубыми и жестокими мужчинами. Глядя на неё, солдаты и палачи недоумевают тому, что она не кричит и не молит о пощаде.
Полотно, несмотря на свою тематику, выполнено в богатой «венецианской» цветовой гамме, свойственной художнику в этот период своего творчества. Агата привязана к столбу, богато декорированному тканью, а за её спиной видно, как римляне тащат на арену сопротивляющегося христианина. Пейзаж на заднем плане полотна принадлежит явно не римскому, а средневековому городу, на это указывает характерная архитектура. То же самое можно сказать и об одежде персонажей. Несмотря на то, что двое воинов носят шлемы, одежда, да и сами шлемы принадлежат совершенно не римской эпохе. Они относятся ко времени написания картины, хотя и немного стилизованы под старинные формы. Как это свойственно мастеру, в картине использована сложная композиция, составленная из нескольких фигур в разных позах. Благодаря такому размещению персонажей художнику удаётся избежать статичности изображения, придать ему необходимую динамику и выразительность. В результате использования продуманной композиции, богатой цветовой гаммы и несомненного мастерства художника, получилась великолепная картина.
4 картина. «Воскрешение Лазаря»
- Дата создания: 1517-1519 годы
- Размеры: 381 х 289 сантиметров
- Место нахождения: Национальная Галерея Лондона (Лондон, Англия)
Лазарь, или же Елеазар, это персонаж из Библии, а именно из Евангелия от Иоанна, в других книгах он не упоминается. Иисус Христос остановился в доме его сестёр – Марфы и Марии – в Вифании – и явил миру чудо, воскресив Лазаря, который был уже четверо суток как мёртв. Огромное полотно мастера посвящено именно моменту воскрешения Елеазара. Это многофигурная и многоцветная композиция очень сложная и динамичная. Персонажи буквально усеивают всю немалую площадь картины, причём позы у них очень трудные для воспроизведения. Именно это, да ещё и исключительное многоцветие полотна, придают ему удивительную живость, как будто художник сумел сделать мгновенную фотографию, только живописными средствами.
В центре композиции находятся две фигуры – Иисус и Лазарь. Христос стоит в полный рост, одной рукой указывая на полулежащего воскресшего Лазаря, а вторую, с раскрытой ладонью, подняв вверх. Лазаря в смертных пеленах поддерживает мускулистый мужчина. Толпа людей вокруг реагирует на происходящее по-разному. Кто-то в ужасе отшатывается от только что воскресшего мертвеца, как женщина в голубом платье, кто-то с любопытством всматривается в лицо Лазаря или перешёптывается между собой, обсуждая невероятное событие. Остальные застыли в благоговении и в молитвенном экстазе, глядя на Христа и видя в нём настоящего живого Бога.
Задний план картины характерен для полотен эпохи Возрождения. Это изображение города с мостом через широкую реку, с абстрактной архитектурой. Такой представлял себе Иудею I века нашей эры художник, живший в XVI столетии. Полотно относится к раннему периоду творчества мастера. В нём в полной мере проявилось влияние венецианской школы живописи, в первую очередь, в богатстве красок и их эффектном сочетании. Полотно впечатляет своим размахом, величиной и мастерским изображением сложных, а иногда даже причудливых поз, роскошной цветовой гаммой.
5 картина. «Святое Собеседование»
- Дата создания: 1507-1508 годы
- Размеры: 136 х 95 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Основу сюжета картины составляет изображение Богородицы с младенцем Иисусом Христом. Её окружают святые Иосиф, Екатерина и Себастьян. Ребёнок склонился к молящемуся мужчине – донатору. Возможно, он заказал эту картину для украшения фамильной часовни. Мария и святая Екатерина с нежностью смотрят на мальчика. А взгляд святого Себастьяна, пронзённого стрелами, устремлён к небесам, за пределы картины. На заднем плане произведения видны ветви дуба. Это дерево считалось символом Христа и твёрдости веры. Святое Собеседование – это название, принятое в западноевропейском художественном искусстве для обозначения композиции произведения с изображением Богоматери с младенцем Иисусом в окружении святых, покровительствующих семье заказчика. Донатор также присутствует, как правило, коленопреклонённый. Чаще всего, такие картины предназначались для фамильных алтарей. Подобные творения подразумевают собой молчаливую молитву к Деве Марии и Иисусу, все фигуры выражают тихое созерцание и задумчивость.
Описываемую выше работу связывают с ранним, венецианским периодом творчества художника. Тогда он находился под сильным влиянием своих учителей – Джованни Беллини и Джорджоне. На это указывают композиция и цветовая гамма произведения, характерная для венецианской школы живописи. Недаром, автором этой картины долгое время считался Джорджоне. В 1511 году Себастьяно дель Пьомбо приезжает в Рим. Его приглашает банкир Агостино Киджи для украшения росписями своей виллы. Там он знакомится с Рафаэлем Санти и Микеланджело. В 1531 римский папа Климент VII дарует принявшему монашеский сан художнику должность хранителя печати, откуда и пошло его прозвище «дель Пьомбо» (в переводе с итальянского «Свинец»). Нынче картина находится в Лувре. Она была приобретена в 1662 году французским королём Людовиком XIV у известного коллекционера – Эберхарда Ябаха. До этого произведение принадлежало английскому королю Карлу I и герцогу Мантуанскому.
6 картина. «Встреча Марии и Елизаветы (Посещение Марии)»
- Дата создания: 1521 год
- Размеры: 168 х 132 сантиметра
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
В своей работе под названием «Встреча Марии и Елизаветы (Посещение Марии)» мастер обращается к Евангелию от Луки, где описывается посещение Богородицей своей двоюродной сестры Елизаветы. Во время Благовещения Архангел Гавриил поведал Марии, что бездетная пожилая Елизавета ждёт ребёнка. Мария отправилась в город в Иудее, чтобы навестить её. Услышав приветствие Марии, Елизавета почувствовала толчки будущего Иоанна Крестителя. Вдохновлённая Святым Духом, она первая возвестила о воплощении Иисуса Христа. Картина, скорее всего, была создана для алтаря. Общая колористика полотна отсылает нас к венецианской школе живописи. Себастьяно дель Пьомбо использует яркие, сочные цвета. На заднем фоне полотна мы видим типичный итальянский пейзаж XVI века, напоминающий работы Джорджоне.
Неслучайно выбрана и расцветка одежды двух женщин. Белый платок на голове Марии свидетельствует о её непорочности, синий плащ – символ Неба – является её атрибутом. Этим покровом Богородица оберегает и защищает всех верующих. Жёлтый (наряду с белым) – это цвет Святого Духа. Жёлтая накидка на голове Елизаветы говорит нам о том, что Дух Святой сошёл на неё при виде Богородицы и открыл ей правду о её беременности. В соответствии с традициями маньеризма, композиция произведения полна драматизма, усиленного резким контрастом между светом и тенью. Большую часть картины занимают фигуры Марии и Елизаветы, приветствующие друг друга. Лицо Богородицы серьёзно, на нём словно отражаются все будущие переживания и страдания матери Спасителя. Елизавета раскрывает ей объятья, словно стараясь укрыть от грядущих испытаний. Деву Марию сопровождают две женщины, её родственницы – Мария Клеопова и Саломея. Они являются зрителями и свидетелями знаменательной встречи, благочестиво застыв в молитве. В верхнем правом углу мы видим старца Захарию – мужа Елизаветы. Экспрессивная мужская фигура (скорее всего это Иосиф, сопровождающий Марию) взволнованным жестом указывает ему на женщин. Мастерство художника таково, что, несмотря на кажущуюся обыденность сцены, мы понимаем: происходит Таинство – встреча Спасителя с Иоанном Предтечей ещё в утробе матери.
7 картина. «Святой Иоанн Златоуст»
- Дата создания: 1509-1511 годы
- Размеры: 200 х 165 сантиметров
- Место нахождения: Церковь Иоанна Златоуста (Венеция, Италия)
Сия картина находится в алтаре Церкви Святого Иоанна Златоуста в Венеции, она была написана по заказу Катерины Кантарини. Эта работа относится к раннему, венецианскому периоду творчества художника. В это время Себастьяно находился под влиянием своих учителей – Джорджоне и Джованни Беллини. По свидетельству Джорджо Вазари, многие несведущие в живописи люди думали, что это работа Джорджоне. Приглушённый колорит картины создаёт умиротворённое, возвышенное настроение. Композиция выстроена гармонично. Фигуры святых статичны и одновременно полны скрытого движения, каждая несёт зрителю свой посыл. Монументальности и величавости сюжету добавляет античная архитектура. В то же время лирический пейзаж на заднем фоне, плавность линий в изображении святых и глубокие цвета, придают работе одухотворённости и жизни.
На картине изображён святой Иоанн Златоуст со святыми Екатериной Александрийской, Марией Магдалиной, Лючией, Иоанном Евангелистом, Иоанном Крестителем и Феодором. Иоанн Златоуст – архиепископ Константинополя, проповедник и церковный писатель – изображён без атрибутов своего высокого сана. Он сидит в простой одежде на ступенях античного здания с большой книгой в руках, пишет и читает вслух свои труды. Размещая Иоанна Златоуста на крыльце грандиозного сооружения (храма), художник, возможно, хотел показать, что святой является основателем, основным идеологом христианской церкви. Святые, окружающие Иоанна, поделены на три группы. За его плечом видна голова Иоанна Богослова, написавшего одно из Евангелий, Апокалипсис и несколько посланий христианам. Апостол задумчиво внимает Иоанну Златоусту, своей святой силой помогая епископу вершить свои труды.
Слева художник поместил группу из трёх женщин. Это святая Екатерина, Мария Магдалина и святая Лючия. Фигура Марии Магдалины сразу притягивает к себе внимание. Красивая женщина с распущенными волосами держит сосуд с благовониями. Её лицо обращено к зрителю, на которого она смотрит пронзительным взглядом, словно призывая склониться в покаянной молитве. Святая Лючия – покровительница слепых – изображена с закрытыми глазами, в руках она держит свой главный атрибут – блюдо. Женщина склонилась, прислушиваясь к словам великого старца. Святая Екатерина с готовностью следует за ними.
Справа на переднем плане творения стоит Иоанн Креститель в одежде из верблюжьей шерсти, опираясь на тростниковый крест. Пророк, предсказавший явление Иисуса Христа, внимательно внимает Иоанну Златоусту. Позади него в рыцарских латах и с копьём в руке стоит святой великомученик Феодор Тирон. До перенесения в Венецию мощей святого Марка он считался основным покровителем города.
8 картина. «Снятие с Креста»
- Дата создания: 1516 год
- Размеры: 260 х 193 сантиметра
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Картина была написана во время пребывания художника в Риме. В этот период он находился под влиянием Рафаэля Санти и своего друга Микеланджело. Благодаря смешению стилей римской и венецианской художественных школ, Себастьяно дель Пьомбо удаётся добиться ощущения монументальности, величественности и в то же время особой духовности и эмоциональности персонажей. Сюжет картины передаёт нам один из самых трагичных моментов в Евангелии – снятие Иисуса Христа с креста после казни. Диагональная композиция помогает добавить движения застывшим фигурам. На первом плане творения мы видим лежащую на плащанице фигуру Христа. Тело его не обезображено смертью, такое ощущение, что он спит. Над ним стоит на коленях Мария Магдалина. Скорбное выражение её лица и заломленные руки дают нам ощутить весь трагизм случившегося. Мать Иисуса – Мария – лишилась чувств от горя, её недвижимое тело поддерживает Никодим. Одна из жён-мироносиц утешает Деву Марию, вторая вытирает свои слёзы платком. Иосиф Аримафейский одной рукой поддерживает голову Богородицы и в то же время даёт указания работникам, поднимающим крышку каменного саркофага. Его вытянутая рука соединяет две группы людей в единую композицию.
Драматизма картине добавляет мрачный пейзаж. В левом верхнем углу видна Голгофа с распятиями, вдалеке чернеет Иерусалим на фоне багровеющего заката. Вся природа скорбит вместе с людьми, сопереживая смерти Христа. Данная картина считается одной из лучших работ в творчестве художника. Ранее она составляла центральную часть триптиха, сделанного по заказу Херонимо Вич-и-Вальтерры – посла испанского короля Фердинанда II и императора Карла V в Риме. Одну боковую часть составляла картина «Сошествие Христа в Ад» (ныне Музей Прадо в Мадриде), вторая боковая часть триптиха «Явление Христа Апостолам» была утеряна и известна по копии, сделанной художником Франсиско Рибальтой в XVII столетии.