Золотой век Голландии являет собой один из ярчайших примеров того, как обретение независимости способствует расцвету культурного самосознания. В XVII столетии, движимая обретённой свободой от испанского католического владычества, Республика Соединённых провинций пережила стремительный экономический и культурный подъём. Приток товаров стимулировал коммерцию, что привело к появлению многочисленного среднего класса, который формировал рынок для распространения искусства, возникшего в ответ на растущее прославление голландского быта и идентичности.
Живопись достигла расцвета: художники сосредоточились на повседневных сценах обыденной жизни и реалистичной трактовке. Вследствие этого некоторые исследователи характеризуют живопись Золотого века Голландии как «голландский реализм». Сюжеты, варьирующиеся от роскошных столов для завтрака до групповых портретов, моментов веселья и других мелочей, помогли создать художественный документ того периода.
Расцвет пейзажной живописи пришёлся на Золотой век, когда акцент был сделан на уникальных особенностях голландского ландшафта, деревень и сельской жизни, связанных с растущим уважением к голландским ценностям.
Популярность натюрморта резко возросла. Этот жанр использовался для образного выражения как красоты предметного мира, так и философского климата эпохи посредством тщательно выстроенных композиций и группировок.
Девять произведений художников Золотого века Голландии
1. «Лютнист», 1623 г. Художник Франс Халс.
Это жанровое произведение изображает лютниста, чей корпус развёрнут к зрителю, а сам он с дерзким видом смотрит влево. Замысловатая резная розетка лютни является центром нижней половины холста, в то время как диагональ, образованная её грифом, выходящим за пределы обрезанной рамы, передаёт ощущение движения. Музыкант запечатлён в момент действия: его правая рука перебирает струны, левая зажимает аккорд на грифе, а сам он улыбается, склонив голову набок. Красно-чёрный узор его шутовского костюма с заметными жёлтыми пуговицами, усиливает атмосферу праздничности и развлечения.
Живописная техника Франса Халса была новаторской: он использовал быстрые, свободные мазки для создания энергичного движения. Как писала критик искусства Роберта Смит,
«В основном благодаря кадрированию и увеличению, эти работы превращают жанровую живопись в форму объективного портрета... и по своему ощущению движения они иногда предвосхищают современный снимок».
Другие голландские живописцы той эпохи копировали эту работу или заимствовали ее элементы. «Грубоватая манера» Халса оказала заметное влияние на более поздних художников реалистического движения, включая Курбе и Мане, и импрессионистов, в том числе Моне и Мэри Кассат.
2. «Автопортрет», ок. 1630 Художник Юдит Лейстер.
На этом автопортрете художница изображена за мольбертом: она оборачивается, прервав движение кистью, чтобы взглянуть на зрителя. Её развёрнутый торс, игра света, создающая иллюзию движения и выражение ее лица с приоткрытыми, словно в начинающейся улыбке, губами — всё это рождает чувство живой непосредственности. На мольберте справа — музыкант в синем, играющий на скрипке. «Картина в картине» подчёркивает презентацию самой Лейстер как мастеровой художницы бытового жанра.
Работа Лейстер является заметным новшеством в жанре автопортрета, по сути, представляя собой маркетинг её собственного бренда, так как изображённый здесь музыкант скопирован из её самой популярной работы «Счастливая пара» (1630).
Кисть художницы указывает на пах музыканта, что является типичным для того времени фривольным намёком. Как отмечает критик Шелдал,
«социальные и сексуальные тревоги (в картинах Лейстер) пульсируют с быстротой пожарной тревоги».
3. «Урок анатомии доктора Николаса Тульпа», ок. 1632 Художник Рембрандт ван Рейн
На этой знаковой картине изображён доктор Тульп, проводящий урок анатомии: пинцетом в правой руке он приподнимает сухожилие на частично препарированной руке казнённого за вооружённое ограбление, что произошло ранее тем же утром. Тульп смотрит на семерых мужчин, собравшихся вокруг трупа, а его левая рука жестом поясняет анатомическую деталь. Мужчины, чьи белые воротники и изысканная одежда свидетельствуют об их богатстве, смотрят в разные стороны. Трое ближайших к центру подаются вперёд, словно наблюдая за руками Тульпа, тогда как двое на заднем плане глядят на зрителя. Возникает ощущение динамики и психологической сложности, поскольку никто не встречает взгляд Тульпа и не смотрит прямо на бледный труп. Umbra mortis, тень смерти, заполняет центр холста.
В этой работе Рембрандт новаторски трансформировал групповой портрет, драматически сосредоточившись на событии в его кульминации.
Амстердамская гильдия хирургов заказала этот групповой портрет — первый значительный заказ Рембрандта в городе. В Голландии XVII века уроки анатомии были заметными светскими событиями, сопровождающимися музыкой, беседами, едой и вином. Они проходили в театральных лекционных залах, и на них могли присутствовать те, кто мог позволить себе входную плату.
Мане написал копию этой картины в 1856 году после её изучения во время поездки в Нидерланды; американский реалист Томас Икинс также находился под её влиянием, создавая «Клинику Гросса» (1875).
4. «Пейзаж с дюнами близ Харлема», ок. 1649 г. Художник Якоб ван Рёйсдал
На этом пейзаже, где справа изображён охотник с собаками, взбирающийся на дюну, основное внимание сосредоточено на могучем дереве в центре композиции. Его мощный ствол изгибается влево, привлекая наше внимание к силуэту Харлема в отдалении. Справа от дерева освещённая солнцем дорога изгибается к горизонту и увлекает наш взгляд вверх, к кучевым облакам, чьи вздымающиеся, полные энергии очертания вторят густой листве двух деревьев. Изображения охотника и его собаки, идущих к фермерскому дому, виднеющемуся в конце извилистой дороги, — передаёт чувство обычной жизни в гармонии с природой.
Новаторская техника ван Рёйсдала заключалась в густом наложении краски для построения слоёв света и тени и создания ощущение глубины и богатства растительности. Он прибегал к научному наблюдению, изображая ботанически идентифицируемые деревья, что позволило историку искусства Кеннету Кларку назвать его «величайшим мастером естественного видения до Констебла».
Ван Рёйсдал оказал влияние на художников своего времени, и его творчество заметно повлияло на Барбизонскую школу и школу реки Гудзон. Художники Томас Гейнсборо, Дж. М. У. Тёрнер и Джон Констебл изучали и копировали его пейзажи. Он также воздействовал на импрессионистов, включая Моне, и на постимпрессиониста Винсента Ван Гога.
5. «Вирсавия за купанием», 1654 Художник Рембрандт ван Рейн
Эта картина изображает обнажённую Вирсавию во время купания. Она задумчиво размышляет над посланием царя, которое держит в правой руке. Насыщенные цвета, медно-золотые драпировки на заднем плане, которым вторит сверкающее золото украшений Вирсавии, подчёркивают светящееся сияние её обнажённого тела. Использование кьяроскуро, в контрасте белого полотна с тёмным фоном и световых бликов на её коже с мягко затенёнными складками ткани, создаёт чувственное присутствие. Тело здесь почти осязаемо, оно притягивает взгляд зрителя.
В основе сюжета — библейский рассказ о том, как царь Давид, увидев купающуюся Вирсавию, повелел ей явиться во дворец, несмотря на то, что она была замужем за одним из его военачальников, Урией. Когда она повиновалась и забеременела, Давид отправил её мужа на передовую, чтобы тот погиб, и он смог жениться на ней. Впоследствии их ребёнок родился мёртвым, и Давид, осознав свою греховность, в течение года каялся, сидя в рубище и пепле у городских ворот. Для религиозных зрителей того времени знакомая библейская история привнесла бы в изображённый момент ощущение рокового предзнаменования, словно Вирсавия размышляла не только над своей моральной и личной дилеммой, но и над тем, что за этим последует.
Идя против течения своего времени, Рембрандт был единственным великим художником обнажённой натуры в Золотом веке Голландии. Он преобразил этот жанр, создав, по замечанию Саймона Шамы, «первое изображение думающей женщины». Предполагается, что моделью для этой картины была Хендрикье Стоффелс, спутница жизни Рембрандта, хотя эта атрибуция продолжает оставаться предметом дискуссий.
Эта работа повлияла на «Удивлённую нимфу» Мане (1859–1861), «Женщину, причёсывающую волосы» Дега (ок. 1885), «Туалет» Фредерика Базиля (1870) и «Сидящую обнажённую и другую фигуру» Пикассо (1963). Пикассо находился под особым влиянием Рембрандта, которого считал своего рода alter ego, говоря: «каждый художник мнит себя Рембрандтом».
6. «Щегол», 1654 г. Художник Карел Фабрициус
На этой небольшой картине изображён щегол, написанный в натуральную величину, сидящий на своей кормушке, к которой он привязан тонкой золотой цепочкой. Птица поворачивается к зрителю с настороженным, выразительным взглядом.
Известный своим новаторством в передаче эффектов света, Фабрициус здесь использовал свет и тень, переданные в тонких градациях тона, для создания трёхмерного эффекта. Он применил приём trompe-l'œil (обманка), чтобы картина казалась реальной, — ее вешали на кухне, чуть выше уровня глаз, где голландцы часто держали щеглов в качестве домашних питомцев.
Фабрициусу было всего тридцать два года, когда он погиб, и большинство его работ было уничтожено при взрыве пороховых складов в Делфте в 1654 году, разрушившем четверть города. Он был одним из самых почитаемых учеников Рембрандта и впоследствии оказал влияние на Вермеера.
7. «Автопортрет», 1659 Художник Рембрандт ван Рейн
На этом автопортрете художник изображён в берете и нарядном пальто с поднятым воротником. Его корпус развёрнут в три четверти, взгляд обращён к зрителю. Его слегка нахмуренный лоб и глубоко посаженные глаза передают непоколебимую силу и напряжённость. Свет, озаряющий лицо в богатой вариации телесных тонов с вкраплениями розового, вызывает ощущение жизненной силы. Картина обладает крепкой композицией, его фигура представляет собой пирамиду, подчёркнутую свечением на левом плече и освещёнными сложенными руками. Коричневый фон, хотя и тёмный, атмосферно богат и разнообразен и составляет контрапункт более тёмным тонам его пальто.
К 1659 году Рембрандт оказался почти в финансовом крахе: годом ранее его дом и имущество были проданы с аукциона для уплаты долгов, и мрачное настроение этой работы, отражая, возможно, глубокую самооценку, последовавшую за этим, является одновременно и заявлением о художественном мастерстве. В 1639 году Рембрандт познакомился с портретом Бальтасара Кастильоне кисти Рафаэля (1514-1515), знаменитым портретом учёного-гуманиста, известным как идеальный образец «небрежного мастерства» Высокого Возрождения.
Впоследствии Рембрандт сделал несколько набросков с этой работы, а также создал офорт «Автопортрет, опирающийся на каменный парапет» (1639), изобразив себя в похожей позе, в похожем, но более современном берете и темной одежде.
Рембрандт был величайшим портретистом Золотого века Голландии. Он оказал влияние на Ван Гога и Родена и заметно воздействовал на XX век.
8. «Вид Делфта», ок. 1660-61 Художник Йоханнес Вермеер
Этот топографически точный пейзаж изображает здания родного города художника, Делфта, — их крыши и шпили, окутанные тенью и светом, под сгущающимися облаками в голубом небе. Воды Схи, главного канала, мерцают рябью течений и отражениями строений. На берегу слева собралось несколько детально прописанных фигур, каждая из которых представляет жизнь Делфта.
Однако именно свет является здесь главным: небо занимает почти две трети холста, его контрастные тона создают яркие зоны освещения и рассветные тени. Как писал историк искусства Адриан Вайбур, хотя «Вермеер воистину запечатлевал то, что видел перед собой», он прежде всего «хотел создать особую иллюзию… он хотел писать свет». Используя только белила, ультрамарин, жёлтую охру и краплак с богатым оттенком красного, палитру очень простую, но применённую с тончайшими тональными переходами для создания ощущения гармонии.
Этот городской вид считается одним из шедевров Вермеера. Как писала историк искусства Марит Вестерманн,
«разнообразные световые эффекты сцены выглядят столь естественно… что глаз игнорирует то, что известно разуму: этот свет — высокое искусство, результат живописной работы»
Эта картина является одной из самых популярных работ художника, что подтверждается ее воспроизведением на золотых памятных монетах, выпущенных Королевским монетным двором Нидерландов в 2011 году. Известный французский романист Марсель Пруст сказал: «С тех пор как я увидел «Вид Делфта» в музее в Гааге, я знал, что видел самую прекрасную картину в мире», что побудило его включить это произведение в свой фундаментальный роман «В поисках утраченного времени» (1908).
9. «Девушка с жемчужной серёжкой», ок. 1665 г. Художник Йоханнес Вермеер
На этом знаменитом во всём мире портрете молодая женщина изображена в повороте в три четверти. Она поворачивается и смотрит на зрителя интимным, загадочным взглядом.
Цветовая гамма её костюма, ограниченная оттенками жёлтого, синего и белого, мягко контрастирует с телесными тонами её лица и красными губами, привлекая наше внимание к её сияющим глазам.
Она смотрит на зрителя, 0словно привлечённая чьим-то обращением; жемчужная серёжка поблёскивает на фоне мягких теней её шеи. Столь заметно акцентируя жемчужину, художник утончённо подчеркнул христианскую символику жемчуга как эмблемы целомудрия.
В то же время восточный характер ее тюрбана и халата создает контрастирующий элемент экзотической эротики. Поскольку настоящей жемчужины такого размера не существует, это либо стеклянная бусина, покрытая перламутром, либо плод воображения художника.
Интимный и загадочный портрет был назван «Джокондой Севера», породив множество предположений о личности модели и ее отношениях с Вермеером. В 2006 году голландская публика признала ее самой прекрасной картиной Нидерландов, а ее героиня находится в центре сюжета романа Трейси Шевалье «Девушка с жемчужной серёжкой» (1999) и одноимённого фильма 2004 года.
Бэнкси переосмыслил этот образ под названием «Девушка с проколотой барабанной перепонкой» (2015) в Бристоле, Англия.
🎨 Если статья была вам интересна, то прошу поставить лайк, написать комментарий.
👉 Поддержка канала.