Вы задумывались когда-нибудь, что в живописи существует всего два основных способа создания изображения на двухмерной плоскости холста?
Это линейно-графический и живописный стили: два разных художественных подхода, каждый из которых обладает уникальными выразительными свойствами и совершенно по-разному трактует действительность.
Как отличить два стиля?
Можно сказать, что графический стиль изолирует части композиции друг от друга, живописный — сливает в общую массу.
- Линейный стиль обладает пластической определённостью, предметы как будто можно пощупать. Он более объективно трактует реальность.
Живописный стиль — это оптический эффект. Граница, если она и есть, не совпадает с реальным контуром.
Практически это можно проверить так: может ли глаз скользить по контуру предмета?
- Если да — это линейно-графический стиль.
- Если массы словно взаимопроникают, а композиция кажется динамичной, выхваченной на секунду, — это живописный стиль.
Рождение линии: от пещеры до Ренессанса
Нет сомнения, что сначала возник линейный подход к изображению. Хотя в природе нет никаких линий, это лишь наше абстрактное восприятие, условность для отделения границ предметов.
Первым художественным приёмом стало именно использование линии. Наскальная живопись в пещере Ласко во Франции, созданная около 18 тысяч лет назад, — это именно линейно-силуэтное изображение животных.
Долгие тысячи лет живопись развивалась в графическом стиле:
- древнегреческая вазопись;
- византийская и русская иконопись;
- средневековые миниатюры;
- проторенессансные фрески.
По сути, всё это — этапы осмысления изображения как силуэта и плоского пятна. Конечно, линейному стилю не чужда светотеневая моделировка, но она не превалирует над пластической формой. Даже работы Леонардо да Винчи, несмотря на сфумато, всё же относятся к линейному стилю из-за своих точно прослеживаемых контуров. И в какой-то степени он не менее графичен, чем Боттичелли.
Живописная революция: от Тициана до импрессионистов
Совершенно другой подход демонстрирует живописный стиль, который начал бурно развиваться примерно с конца XVI века, в эпоху позднего Ренессанса и зарождения Барокко.
Рассмотрим картину «Святой Себастьян» (1576) Тициана. В этот период мастер начинает работать в новаторской манере: он не создаёт чёткого рисунка и последовательно раскрашивает его, а превращает полотно в хаотичный набор пятен, которые растирает мастихином или пальцем. Вся композиция приобретает форму только при отдалённом рассмотрении.
Интересно, что как только на картине обесценивается линия, появляется динамика. Линейность предполагает некоторую неподвижность, изображённые персонажи выглядят статуарно. На картинах, написанных живописно, композиция становится словно движущейся, струящейся.
Два автопортрета: Рафаэль против Веласкеса
Ещё один пример для сравнения — два автопортрета великих мастеров: Рафаэля Санти и Диего Веласкеса.
Если первый выполнен в линейно-графическом стиле, то второй — в живописном.
У Рафаэля мы чётко прослеживаем контуры лица. Поза выглядит статичной.
У Веласкеса контур условен, но чем дальше мы отходим, тем более понятным он становится. Есть ощущение, что герой лишь на секунду бросил на нас беглый взгляд.
Живописность в графике: Дюрер против Рембрандта
Как ни удивительно, живописностью может обладать не только живопись, но и графика. Сравним два рисунка: Альбрехта Дюрера и Рембрандта. На обоих изображена обнажённая женская натура.
Рисунок Рембрандта выполнен стремительными штрихами. Основную роль играет свет: он высветляет одни части тела, а тень сливает другие с окружающим пространством. Едва ли можно проследить силуэт фигуры от и до.
У Дюрера тщательно прорисованный контур чётко отделяет Еву от фона. Она воспринимается отдельно от пространства, неподвижно.
Импрессионизм: победа света над линией
Но настоящий пик своего развития живописный стиль получил в искусстве импрессионистов. Картины писались широкими небрежными мазками и изображали не сам объект, а тот оптический эффект, который он оставляет на сетчатке глаза.
«Импрессионисты писали не сами предметы, не пространство, но тот светоцветовой “покров”, ту неосязаемую светозарную субстанцию... Накрепко впаянная в плоскость холста, драгоценная эта субстанция растворяла в себе предметность, глубину пространства, объёмы и становилась совершенно самодостаточной», — писал искусствовед Михаил Герман.
Главенствующим в нём являются свет и тень. Границы предметов определяются не их фактическими силуэтами, а взаимодействием между собой элементов композиции.
Два взгляда на реальность
В истории искусства оба подхода получили своё развитие. Нельзя сказать, что линейный стиль уступает живописному в искусности. Ведь оставаться на уровне примитивного линейного видения и сознательно работать с линией — это вещи совершенно разные.
Жан-Огюст-Доминик Энгр говорил своим ученикам: «Даже у дыма есть форма, есть линейный рисунок».
Два этих стиля — это не что иное, как разный способ трактовки реальности:
Линейный стиль — это метод объективности пластической формы, осязательности. Он показывает предметы такими, какие они есть.
Живописный стиль — это метод видимости, восприятия, мгновенного впечатления.
Информация и изображения взяты из открытых источников.