Слово "пленэр" (от фр. en plein air — на открытом воздухе) - это рисование (или живопись) не в мастерской, а непосредственно на природе, под естественным освещением.
Основная суть: художник выходит на улицу — в парк, лес, к реке, в город — и пишет то, что видит, при естественном свете солнца. Это позволяет уловить реальные цвета и оттенки (которые в помещении выглядят иначе); влияние освещения в разное время суток и воздушную перспективу (дымку, туман, блики).
Зачем это нужно?
- Тренировка глаза и скорости — на пленэре свет быстро меняется, нужно успеть схватить состояние природы.
- Изучение рефлексов и цветовых нюансов — например, снег никогда не бывает просто белым, на нём отражаются небо, деревья, закат.
- Создание этюдов — быстрых зарисовок для будущих больших картин.
- Для удовольствия — многие художники любят работать на свежем воздухе.
Кто это придумал? Пленэр стал активно использоваться в XIX веке, особенно импрессионистами (Моне, Ренуар, Писсарро). До этого художники в основном делали наброски на природе, а картину дописывали в мастерской. Импрессионисты же первыми начали писать картину целиком на улице, чтобы передать «сиюминутное» впечатление от света и воздуха.
В современном значении слово «пленэр» используется не только в живописи, но и в фотографии, архитектурных зарисовках (скетчинг), а иногда и в переносном смысле — как «работа или отдых на свежем воздухе». В художественных школах и вузах пленэр — обязательная летняя практика.
🎨 Французские импрессионисты: основоположники метода
Именно импрессионисты превратили пленэр из способа делать наброски в основу творческого метода. Они стремились запечатлеть на холсте ускользающее, сиюминутное состояние природы, игру света и воздуха.
- Клод Моне (Claude Monet) — самый последовательный и страстный пленэрист. Он мог работать над одной серией картин годами, чтобы показать один и тот же вид в разное время суток и при разной погоде.
Серии «Стога», «Руанский собор», «Кувшинки»: Квинтэссенция пленэрного метода. Моне писал их одновременно на нескольких холстах, переходя от одного к другому по мере смены освещения.
«Лягушатник» (1869): одна из ранних работ, написанных совместно с Ренуаром на открытом воздухе, где они экспериментировали с передачей бликов на воде.
«Пляж в Трувиле» (1870): пример того, как художник работает на пляже, передавая яркий, изменчивый свет морского побережья. - Пьер Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir): В отличие от Моне, Ренуар предпочитал писать на пленэре не только пейзажи, но и фигуры людей, органично вписывая их в световоздушную среду.
«Бал в Мулен де ла Галетт» (1876): Хотя картина большая и сложная, она вся пронизана пленэрным ощущением солнечного света, пробивающегося сквозь листву.
*«Зонтики» (1881-1886)*: Мастерски передает эффект рассеянного света в городской толпе. - Камиль Писсарро (Camille Pissarro): «Отец импрессионизма», учитель для многих других художников. Он привнес в пленэр особое внимание к структуре, форме и фактуре.
«Вспаханная земля» и «Красные крыши»: классические примеры его зрелого стиля, где видна работа на природе.
Виды Парижа, Руана и деревень: Писсарро часто писал городские и сельские пейзажи прямо с натуры, запечатлевая повседневную жизнь. - Альфред Сислей (Alfred Sisley) — самый «верный» импрессионист, который почти полностью посвятил себя пейзажу на пленэре. Его картины отличает удивительная тонкость в передаче неба, воды и атмосферных явлений.
«Туманное утро» (1874): работа, где он исследует изменения цвета и формы в тумане.
«Снег в Лувесьенне» (1878): пример того, как Сислей пишет снег не белым, а множеством рефлексов от неба и окружающих предметов.
«Наводнение в Пор-Марли»: драматичный пейзаж, где он работает на пленэре, чтобы передать движение воды и отражения в ней.
🌲 Русские художники-пленэристы: свой путь к свету
Русские художники, многие из которых учились у французов, создали собственную, «лирическую» традицию пленэрной живописи. Для них это был способ не просто запечатлеть природу, а передать её настроение, душу.
- Василий Поленов: Именно он привил любовь к работе на пленэре целому поколению русских художников, включая Левитана и Коровина.
«Московский дворик» (1878): Знаменитая картина, написанная с натуры, поражает своей свежестью, обилием света и воздуха. - Исаак Левитан: «Мастер настроения». Его пленэрные этюды — это не просто виды, а глубоко прочувствованные состояния природы, от радости до щемящей грусти.
«Владимирка» (1892): Трагический пейзаж, написанный на тракте, по которому ссыльных гнали в Сибирь. Он написан с натуры, но пронизан глубоким личным переживанием.
«Мостик. Саввинская слобода» (1884): этюд, демонстрирующий его мастерство в нюансировке цвета. - Иван Шишкин: «Царь леса». Он был убежден, что этюд, написанный с натуры, — это полноценное художественное произведение.
«Сосны, освещенные солнцем» (1886): один из шедевров пленэрной живописи Шишкина, созданный под Сестрорецком. Он удивительно точно передает игру света на стволах сосен.
«Травки» (1892): камерный этюд, где художник с любовью и доскональностью изображает многообразие лесного ковра. - Константин Коровин: Русский импрессионист. Он писал быстро, энергично, стремясь передать яркое впечатление от момента.
«Париж. Бульвар Капуцинок» (1906): пример его зрелого, «импрессионистического» стиля, который сложился под впечатлением от поездок во Францию и работы на пленэре. - Валентин Серов: Прославленный портретист, он также много работал на пленэре, в том числе в совместных поездках со своим учителем Ильей Репиным.
«Девочка с персиками» (1887): По сути, это портрет, написанный в интерьере, но он весь пронизан светом, льющемся из окна, что является прямым следствием пленэрного восприятия мира художником.
Если вы встретили написание «плэнер» — это просто разговорный вариант (как «планер» вместо «планёр»), но правильнее и грамотнее писать пленэр.
Желаю вам почаще выбираться на природу с красками или хотя бы блокнотом. Пусть солнечный свет всегда ложится на ваши работы красивыми рефлексами! 🎨☀️