Жилинский Дмитрий Дмитриевич (1927–2015) — российский живописец, график и педагог, член Московского союза художников, заслуженный деятель искусств РСФСР, народный художник РСФСР, действительный член Академии художеств СССР.
В отечественном искусстве второй половины XX века Жилинский занял особое место. Он первым среди художников своего поколения открыл возможность обогащения языка современной живописи обращением к великим традициям прошлого — древнерусской иконе и искусству Раннего Возрождения.
Судьба художника была отмечена трагическими событиями, которые впоследствии глубоко отразились в его творчестве. Он родился в 1927 году в селе Волковка, близ Сочи, в семье чьи корни уходили в польское дворянство и русскую художественную элиту — его бабушка была сводной сестрой знаменитого живописца Валентина Серова. Однако счастливое детство в коммуне просветительницы М. А. Быковой было недолгим: семью раскулачили, а отец, Дмитрий Константинович, был арестован и расстрелян в 1938 году.
В 1944 году юноша приехал в Москву и поступил в Московский институт прикладного и декоративного искусства, а затем перевёлся в знаменитый МГХИ имени В. И. Сурикова. Там его учителями стали выдающиеся мастера: Н. М. Чернышёв, прививший любовь к древнерусскому искусству, и П. Д. Корин, передавший страсть к живописи Возрождения и творчеству Александра Иванова. Огромное влияние на становление молодого художника оказало и общение с Владимиром Фаворским, у которого Жилинский учился композиции, пластике и особому пониманию пространства.
Ранние работы Жилинского, такие как «Утро» (1954), ещё близки к традиционной реалистической манере, но уже несут в себе зерно будущих открытий. На картине изображена его молодая жена, скульптор Нина Жилинская, кормящая дочь Ольгу. Это трогательное полотно уже решено по принципам пространственной теории Фаворского. Картина «Утро» стала не только началом семейной жизни художника, но и отправной точкой его творческого пути, запечатлев момент тихого счастья в стенах знаменитого «Красного дома в Новогирееве», где в окружении выдающихся художников и скульпторов проходило его становление.
Настоящий прорыв в творчестве Жилинского произошёл в начале 1960-х годов после его первой поездки в Италию. Знакомство с шедеврами Джотто и других мастеров ренессанса кардинально изменило его живописный язык. Манера стала более графичной, цвет — локальным и контрастным, а композиция — фризообразной и монументальной.
В 1964 году он создаёт два этапных произведения, в которых его новый стиль зазвучал в полную силу: «Семья у моря» и «Гимнасты СССР».
Картина «Семья у моря» (1964) стала первой работой художника, написанной не маслом, а темперой в технике, приближённой к живописи старых мастеров. Жилинский вспоминал, что ему хотелось показать «не данный момент, а сущность изображаемого, его цвет, существующий независимо от состояния и освещения».
На полотне мы видим самого художника с только что пойманной рыбой, его жену Нину с детьми Олей и Васей, а также друзей. Центральный образ Нины Жилинской становится воплощением идеальных представлений о женственности и материнстве. Гармония семейных отношений раскрывается через позы, жесты и взгляды.
Картину «Гимнасты СССР» сам Жилинский считал своим самым значительным произведением. На ней изображены члены сборной СССР по спортивной гимнастике, готовящиеся к XVIII Олимпийским играм в Токио.
«Гимнасты СССР» — это не просто репортаж, а картина-портрет, где происходит «своеобразная индивидуальная настройка мысли, воли, чувства». Каждый из героев погружён в себя, напряжён и сосредоточен. Действие как таковое отсутствует, динамику создают лишь фигуры гимнасток на втором плане. Ясность и чёткость композиции, острота ракурсов и чистота цвета работают на создание образа предельной собранности и воли к победе. За это полотно Жилинский был удостоен серебряной медали Академии художеств СССР, а в 1966 году оно экспонировалось на 33-й Венецианской биеннале.
Личная трагическая история семьи Жилинских стала одной из главных тем его творчества. Картина «Под старой яблоней» — это философская элегия, посвящённая матери художника, Анастасии Фёдоровне. На полотне изображена пожилая женщина, стоящая под согнувшейся, но плодоносящей яблоней в окружении внуков.
Образ старой яблони здесь глубоко символичен. Как и мать художника, она согнулась под тяжестью пережитого — раскулачивания, ареста и расстрела мужа, смерти сына на войне. Но именно они, согбенные, но не сломленные, рождают непрерывность жизни, и «древо жизни» продолжает плодоносить. Трагические ноты вносит и авторская рама, на которой Жилинский изобразил отца и брата, погибших в годы репрессий и войны. Этот приём, напоминающий иконы с клеймами на полях, превращает картину в своего рода семейный алтарь.
В 1970-х годах Жилинский всё чаще создаёт портреты, на которых его модели уподоблены героям картин эпохи Возрождения. В портретах «Разговор о Дюрере и Кранахе» (1978) или «Играет Святослав Рихтер» (1984, 1985) искусство проникает в повседневность, возвышая и облагораживая её.
В портретах великого пианиста Святослава Рихтера художник стремился «передать зрительно звучание музыки в пространстве». Интерьер, напоминающий готический собор, и парящие в воздухе музы создают ощущение, что мы присутствуем не просто при исполнении, а при священнодействии, где музыка становится зримой, а лик музыканта обретает иконную отстранённость и глубину.
Одним из ключевых произведений Жилинского стала картина «Воскресный день» (1973, ГТГ). Мотивы вечного цветения природы и полноты жизни человека нашли отражение в этой композиции.
«Сюжет прост: девушки отдыхают в лесу. Но теперь взгляните: они у меня вписаны в квадрат. А сам этот квадрат находится на фоне круга - куста бузины <...> Теперь обратите внимание на углы: там <...> у меня тоже есть зацепки. И есть еще диагональная система - от перекатывающейся девочки до кричащего мальчишки <...> Объяснить, зачем все это, мне трудно. Видимо, у меня есть какое-то представление об организации живописного пространства. Вот я и добиваюсь своего идеала», - говорил о картине "Воскресный день "сам автор.
Одним из самых сильных и пронзительных произведений Жилинского стал триптих «1937 год», посвящённый жертвам сталинских репрессий. Долгое время художник не решался приступить к работе, пока в 1984 году фильм Тенгиза Абуладзе «Покаяние» не стал финальным импульсом.
В центральной части триптиха Жилинский изобразил сцену ареста своего отца. Однако верный своему методу, он не стремился к буквальной документальности. Сам он не был свидетелем обыска, но навсегда запомнил последнюю встречу с отцом: «Он сидел между двух военных, и мне показалось это прекрасным — военные, коляска... Удивило только то, что на отце в тёплый октябрьский день была меховая шапка и шуба... Когда я пришёл домой, то застал плачущую мать и бабушку, напуганного брата и перевёрнутый дом...».
Фигура отца с поднятыми руками сознательно отсылает к сценам Распятия. Белый цвет одежд становится знаком чистоты и мученичества, красный — символом крови и жертвенности. Рама картины, напоминающая траурную ленту, несёт на себе надпись: «Посвящаю без вины погибшим в годы репрессий и беззакония», а внизу вмонтирована копия справки о посмертной реабилитации отца. Так, семейная трагедия превращается в миф вселенского масштаба, сопоставимый со сценами Священной истории.
Дмитрий Жилинский ушёл из жизни в 2015 году, оставив после себя уникальное художественное наследие.
Сегодня его картины, хранящиеся в крупнейших музеях России, продолжают диалог со зрителем, напоминая о том, что искусство способно преображать реальность, превращая трагедию в надежду, а повседневность — в вечность.
🎨 Если статья была вам интересна, то прошу поставить лайк или написать комментарий. Подписывайтесь на канал.
Источники:
1. Отдельнова В. А. "Жилинский Дмитрий Дмитриевич". Большая российская энциклопедия. Москва.
2. 'Дмитрий Жилинский. Ближний круг", автор Анна Дьяконицына. Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ» N 2, 2017