Как японские гравюры перевернули европейское искусство и почему китайцы долго не хотели учиться у Запада
Пока в Париже спорили о мазках и ловили свет, на другом конце Земли происходили вещи не менее захватывающие. В эти годы Восток и Запад впервые по-настоящему увидели друг друга. И эта встреча изменила искусство навсегда.
Мы уже знаем, что импрессионисты были новаторами. Но откуда у них взялись асимметричные композиции, неожиданные ракурсы, фигуры, «обрезанные» краем холста? Ответ — из Японии.
Сегодня мы разберёмся, как Восток и Запад нашли друг друга, чем японские гравюры покорили Моне и Ван Гога, и почему путь китайского искусства на Запад был долгим и непростым.
Как открывалась Япония: «чёрные корабли» и эпоха Мэйдзи
Долгое время Япония была закрытой страной. Иностранцам запрещали въезд, а японцам — выезд. Это продолжалось более 200 лет.
Но в июле 1853 года к берегам Японии подплыли «чёрные корабли» американского коммодора Перри. Корабли действительно были чёрными — из-за цвета корпусов старых парусных судов и чёрного дыма из труб пароходов, работавших на угле.
Прибытие «чёрных кораблей» стало шоком. Япония поняла: больше нельзя прятаться. Началась эпоха Мэйдзи (с 1868 года). Страна стремительно начала модернизироваться: появились железные дороги, телеграф, западная одежда.
И вместе с этим хлынул поток японских товаров в Европу: фарфор, лаковые шкатулки, шёлк, веера, ткани. И, конечно, гравюры укиё-э — «картины изменчивого мира». Именно они и стали главным сокровищем.
Как учились художники в Японии
В то время в Японии не было художественных школ, колледжей и ютуб-туториалов. Всё строилось на системе «ученик — мастер». Это называлось дэси сэй.
Вот как это было:
- Ты приходишь в мастерскую. В 10–12 лет будущий художник приходил к признанному мастеру и просился в ученики.
- Начинаешь с быта. Первые месяцы (а то и годы) ты не рисуешь! Ты убираешь мастерскую, растираешь краски, готовишь бумагу, наблюдаешь. Так проверяли серьёзность намерений.
- Копирование. Только потом тебе давали кисть. И первая задача копировать работы мастера. Точность — до миллиметра. Никакого «я так вижу». Сначала руки должны запомнить движение.
- Специализация. В больших мастерских укиё-э была конвейерная система: один ученик учился рисовать лица, другой — одежду, третий — пейзажи.
Имя мастера часто становилось «брендом». Хорошие ученики могли брать его псевдоним — это был знак качества. Как франшиза сегодня!
Существовали целые школы-кланы. Например, школа Кано работала на сёгунов и аристократию несколько веков. А мастерские укиё-э были как издательства и студии в одном флаконе: художник, резчики, печатники работали вместе.
Гравюра укиё-э: искусство для всех
Укиё-э переводится как «картины изменчивого мира». Звучит поэтично, правда? Но по сути это было массовое искусство. Доступное, яркое, понятное.
Все работало просто и быстро
Художник рисовал эскиз тушью.
Резчик вырезал зеркальное изображение на деревянной доске.
Печатник накладывал краски и оттискивал на бумагу.
Для каждого цвета — отдельная доска. Иногда их было двадцать! За день можно было сделать сотни оттисков.
Самые знаменитые мастера — Кацусика Хокусай и Утагава Хиросигэ
Кстати, именно Хокусай создал знаменитые альбомы «Манга» — сотни рисунков, изображающих всё на свете: людей, животных, растения, волны, демонов. Слово «манга» потом стало обозначать японские комиксы, но начиналось всё с учебных набросков великого мастера.
Если посмотреть на гравюры Хокусая и Хиросигэ, можно заметить: там нет теней, лица часто схематичны. Зато есть атмосфера. Дождь, снег, ветер.
Хиросигэ мог изобразить мост так, что он обрезается краем листа, как случайный кадр из фильма.
Для европейцев это было откровением: оказалось не обязательно рисовать всё полностью, пусть зритель додумает остальное.
Как Япония покорила Европу: японизм
Японское искусство начало своё триумфальное шествие по Европе с Всемирных выставок. Первая японская делегация прибыла в Лондон ещё в 1862 году. Но главный перелом случился в 1867 году в Париже — тогда Япония впервые участвовала во Всемирной выставке как самостоятельная страна.
Для европейцев это было открытие. Они увидели не просто забавные «восточные штучки», а зрелое, совершенно новое искусство. В 1872 году французский критик Филипп Бюрти даже придумал для этой моды специальное слово — «японизм» (Japonisme).
А вот как гравюры попадали в Европу. Они использовались… как упаковочная бумага для фарфора! Представьте: шедевры Хиросигэ оборачивали чайные сервизы. Европейские художники ходили по магазинам и выкупали эти «обёртки» за копейки.
Парижские лавки, торгующие японскими товарами, стали местом паломничества для художников. Самым знаменитым продавцом был Зигфрид Бинг — немецкий торговец, который несколько раз ездил в Японию, скупая всё, что можно было найти. В его лавке бывали Эдгар Дега, Мэри Кассат, писатель Эдмон де Гонкур.
Позже Бинг стал издавать журнал «Le Japon Artistique» («Художественная Япония»). А его коллега, японский торговец Хаяси Тадамаса, с 1890 по 1901 год привёз во Францию более 16 тысяч (!) гравюр укиё-э.
Чему европейцы учились у японцев?
Влияние японского искусства на импрессионистов и постимпрессионистов было огромным.
- Эдуард Мане был одним из первых, кто увлёкся японской графикой. На его портрете Эмиля Золя мы видим японскую гравюру и ширму.
- Клод Моне коллекционировал гравюры (у него было более 200 работ!) и устроил в своём доме в Живерни настоящий японский сад с горбатым мостом, прудом и кувшинками. Без этого сада не было бы его знаменитых «Кувшинок».
- Эдгар Дега использовал асимметричные композиции и обрезанные фигуры — словно случайный кадр.
- Винсент Ван Гог просто обожал японские гравюры. Он копировал их, учился у них чистоте цвета. Даже пытался их «улучшить» — делал цвета насыщеннее, контрастнее. Он говорил: «Я завидую японцам, у которых всё в их искусстве так же просто, как дыхание». Он писал: «Вся моя работа в значительной мере строится на японцах».
- Анри де Тулуз-Лотрек перенёс в свои афиши для «Мулен Руж» плоскостность, чёткие контуры и яркие цвета японских гравюр.
Пока Европа открывала для себя японские гравюры, в самой Японии происходила не менее важная революция — только в обратную сторону. Японские художники начали осваивать западную живопись.
Это направление получило название ёга (洋画) — «западный стиль живописи». Оно возникло как прямой ответ на открытие страны и начало эпохи Мэйдзи. Правительство, стремившееся модернизировать Японию по западному образцу, активно поощряло изучение европейского искусства.
Первым настоящим живописцем ёга считается Такахаси Юити (1828–1894). Он учился у британского художника Чарльза Виргмана, который приехал в Японию в 1861 году, и считается первым японским мастером, в полной мере освоившим масляную живопись.
В 1876 году правительство Мэйдзи сделало решительный шаг: оно основало Техническую школу искусств (Кобу бидзюцу гакко) — первое в Японии государственное учебное заведение, где преподавали европейские художники. Главную роль среди них играл итальянец Антонио Фонтанези — художник-барбизонец, который привил ученикам любовь к пленэру, работе с натуры и игре света.
Итальянцы обучали японцев рисунку, живописи и скульптуре. Самые талантливые ученики — Асаи Тю (1856–1907) и другие — переняли у европейских мастеров технику масляной живописи, линейную перспективу, светотень и работу с натуры.
Реакция: традиция против новаторства
Однако путь западной живописи в Японии не был гладким. В 1880-е годы все поменялось и началась мощная реакция. Критики во главе с Эрнестом Феноллосой и Окурой Какудзо требовали вернуться к национальным традициям. Их поддерживало растущее националистическое движение.
В 1882 году картины в западном стиле перестали принимать на государственные выставки. В 1883 году Техническую школу закрыли. Казалось, ёга обречена.
Возрождение: возвращение из Парижа
Но в 1889 году художники ёга создали Общество изящных искусств Мэйдзи — первую собственную организацию, которая проводила независимые выставки.
А в 1893 году в Японию вернулся Курода Сэйки (1866–1924). Он провёл 10 лет во Франции, учился у Рафаэля Коллена и впитал самые современные веяния — от академизма до пленэрной живописи. Его картины, такие как «У Озера» (1897), стали настоящим откровением для японской публики.
Курода привёз на родину не только технику, но и новое понимание света, воздуха, момента. Его называли «отцом японского импрессионизма». В 1896 году в Токийской школе изящных искусств открылось отделение западной живописи, и Курода стал его директором. С этого момента ёга окончательно утвердилась как одно из двух главных направлений японского искусства — наряду с традиционной нихонга.
Интересно, что со временем границы между ними стали размываться: художники нихонга переняли перспективу и светотень, а мастера ёга — часто обращались к японским сюжетам и материалам
А что же в Китае?
В отличие от Японии, Китай в XIX веке был слабым и раздробленным. Страна потерпела поражение в Опиумных войнах, переживала внутренние восстания.
Традиционная китайская живопись — «гохуа» — писалась тушью или водяными красками на шёлке или рисовой бумаге. Главным было не сходство с натурой, а «дыхание жизни» и энергия кисти. Европейская масляная живопись с её объёмом и тенями казалась китайцам грубой и слишком натуралистичной.
Как становились художником в Китае?
- Семейная традиция. Если твой папа или дед художник — тебе повезло. С малых лет ты держишь кисть, наблюдаешь, повторяешь.
- Наставничество. Если ты не из семьи художника, ищешь учителя. Обучение шло через совместную работу: учитель рисует — ученик смотрит, потом пробует сам.
- Копирование древних. Это база. В Китае считалось: чтобы создать своё, нужно досконально изучить лучшее из прошлого. Ученики годами копировали работы великих мастеров. Это не считалось плагиатом — это была медитация, способ «войти в резонанс» с гением.
- Каллиграфия как фундамент. Прежде чем рисовать, ты учился сначала писать иероглифы. Каллиграфия тренировала руку, дыхание, концентрацию. Рука дрогнула — и лист испорчен.
Система работала как лестница: сначала ты учишься ремеслу (рука слушается), потом осваиваешь язык традиции (понимаешь символы), и только тогда можешь сказать своё слово. Как в музыке: сначала гаммы, потом этюды, потом — свой джаз.
Знали ли в Китае о европейском искусстве?
В Китае всё началось раньше. Ещё в XVIII веке при дворе императоров Цин работали иезуиты. Самый известный — Джузеппе Кастильоне (по-китайски Лан Шинин, 1688–1766). Он писал картины, используя европейскую перспективу и светотень, но адаптировал их под китайский вкус.
Но в 1860–1880-е годы большинство китайских художников игнорировали западную живопись. Они гордились своей традицией. Отношение было скорее снисходительным: «Да, у европейцев есть техника, но им не хватает духа, глубины, понимания природы».
В то время как Япония стремительно осваивала западную живопись, Китай переживал собственную художественную революцию. И центр её находился в Шанхае.
После Опиумных войн Шанхай стал международным портом — городом, где смешивались китайские и европейские влияния, богатели купцы, появлялись новые вкусы и запросы. Сюда стекались художники со всего Китая, и в 1860–1880-е годы сформировалось новое явление — Шанхайская школа (Хайпай).
В отличие от консервативной живописи литераторов (вэньжэньхуа), которая была чёрно-белой, элитарной и обращённой в прошлое, молодые шанхайские художники работали для новой публики — богатых купцов, городских жителей, иностранцев. Они писали ярко, смело, броско. В их работах жизнерадостность, декоративность, порой даже гротеск.
Главные герои Шанхайской школы
- Жэнь И (1840–1896) по прозвищу Жэнь Бонянь — ведущая фигура школы. Его работы в жанре «цветы и птицы» поражают свободой кисти, смелыми размывками туши и удивительным разнообразием тонов. Он умел соединять традиционную технику с живым, непосредственным наблюдением природы.
- Сюй Гу (1823–1896) — художник-монах, почти затворник. Его картины — это гротескные белки, пухлые золотые рыбки, странные птицы. Он использовал свежие, светящиеся краски и создавал композиции, полные юмора и символизма. При жизни его мало кто знал, но сегодня он считается одним из самых оригинальных китайских художников XIX века.
- Чжао Чжицянь (1829–1884) и У Чанши (1844–1927) — мастера, которые соединили живопись с каллиграфией и резьбой печатей, создав мощный, экспрессивный стиль.
Шанхайская школа не была единым стилем — это было скорее сообщество художников, объединённых духом свободы, коммерции и эксперимента. Они брали традиционные сюжеты (цветы, птицы, исторические сцены), но наполняли их новой энергией, яркими красками и иногда даже налётом гротеска.
Связь с Европой и Японией
Интересно, что Шанхайская школа развивалась почти без прямого влияния европейской живописи. В отличие от Японии, Китай в 1860–1880-е годы не приглашал западных учителей и не отправлял студентов в Европу. Европейское искусство воспринималось китайскими художниками как чужеродное.
Однако Япония играла роль посредника. Многие китайские художники и коллекционеры в 1870–1880-е годы путешествовали в Японию, видели там синтез восточных и западных техник, и это влияло на их творчество. А в начале XX века китайские студенты уже массово ехали учиться живописи в Токио.
Массовое увлечение западной живописью пришло в Китай уже в XX веке. Многие китайские художники ехали учиться не в Париж, а в Токио, где уже были налажены школы западного образца.
Где художники общались: чайные домики и театры
Молодым художникам в Азии было так же трудно пробиться как и молодым художникам Европы. Им нужно было общаться, обмениваться идеями, находить заказчиков. В Азии это происходило не в кафе, как в Париже, а в других местах.
В Японии:
- Чайные домики — культурные хабы. Здесь собирались художники, актёры, писатели, купцы. Обсуждали новые работы, договаривались о заказах.
- Театры кабуки — актёры были звёздами. Художники укиё-э рисовали их портреты, афиши, сцены из спектаклей.
- Мастерские и издательства — тесное профессиональное общение художника, резчика, печатника.
- Праздники и храмы — там художники могли показать работы широкой публике.
В Китае:
- Чайные дома Шанхая — центры культурной жизни, где художники приносили новые работы, обсуждали техники, знакомились с покупателями.
- Литературные кружки — живопись и поэзия шли рука об руку. Художники часто были и поэтами, а поэты художниками.
- Торговые ряды и лавки — искусство стало бизнесом. Художники сами приходили к купцам, показывали картины и договоривались о цене.
- Частные собрания — богатые коллекционеры устраивали «просмотры» для художников, критиков, друзей.
Период с 1860 по 1880 год — это мост между старым и новым, между Востоком и Западом.
Импрессионизм не возник в вакууме. Он вдохнул воздух свободы, который дул и со стороны Японии. Без «японизма» не было бы ни «Кувшинок» Моне, ни «Звёздной ночи» Ван Гога, ни афиш Тулуз-Лотрека.
А Япония и Китай начали свой путь в мировое искусство — кто-то через обучение у европейцев, кто-то через переосмысление собственных традиций.
Получался почти односторонний диалог: Европа училась у Азии, а Азия (особенно Китай) смотрела на это свысока. Япония была исключением — она училась у обоих.
А вы замечали японские и китайские мотивы в картинах знакомых вам художников? Пишите в комментариях!
Подписывайтесь на канал «Искусство без скуки» и узнаете много нового и интересного
#японизм #импрессионизм #укиёэ #ёга #Хайпай #ВанГог #Моне #Хокусай #Хиросигэ #живопись #культураазии #искусствобезскуки