3 апреля в корпусе Бенуа Русского музея открывается выставка «Пётр Кончаловский. Сад в цвету» — крупнейший в России юбилейный проект к 150-летию художника. В экспозиции собрали более 170 работ из Русского музея, 18 других музеев и 7 частных собраний. Это большая ретроспектива, которая показывает Кончаловского как художника очень разного: дерзкого авангардиста, мастера натюрморта, семейного портретиста, человека с сильной европейской выучкой.
Семейная сага
Пётр Кончаловский — тот самый дед Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского, зять Василия Сурикова, отец писательницы Натальи Кончаловской и художника Михаила Кончаловского. Но громкая родословная здесь важна не сама по себе. Она скорее помогает увидеть масштаб фигуры: Кончаловский стоял в центре большой культурной династии, где живопись, литература и театр постоянно соприкасались.
Его биография тоже читается как история русской культуры рубежа веков. Кончаловский родился в 1876 году в Славянске, учился в Харькове, затем в Москве, в парижской Академии Жюлиана и в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств. В доме его отца, издателя и переводчика Петра Кончаловского-старшего, бывали Репин, Врубель, Серов, Коровин. Будущий художник рос не просто в образованной семье, а внутри живой художественной среды.
Лидер «Бубнового валета»
Выставка станет хорошим поводом вспомнить, что Кончаловский — не только автор знаменитых сиреней, но и создатель объединения «Бубновый валет», одной из ключевых сил русского раннего авангарда. В 1910-е он вырабатывает свой узнаваемый язык: крупная форма, плотный цвет, подчеркнутая материальность предметов. В ранних вещах заметно влияние Поля Сезанна, знаменитого постимпрессионизма, но вместе с тем — вывески, лубок, яркая городская культура.
В первом зале важно не пройти мимо «Подноса и овощей» и «Матадора». Именно в этих работах уже есть тот Кончаловский, которого потом будут узнавать с первого взгляда. Рядом с ними и «Семейный портрет (на фоне китайского панно)» 1911 года — одна из ключевых картин художника, где уже соединяются авангардная энергия и характерный домашний сюжет.
Графика и пейзажи
За свободой и живописной мощью Кончаловского стояла огромная школа. Кончаловский рано получил серьезную академическую подготовку, а позже сам преподавал: сначала в Государственных свободных художественных мастерских, затем во ВХУТЕМАСе и ВХУТЕИНе. Поэтому зал графики важен не меньше живописных разделов: он позволяет заглянуть в художественную лабораторию мастера, увидеть его глаз, руку и внутреннюю дисциплину.
Кроме того, выставка показывает большую перемену. Ранний Кончаловский тяготеет к резкости, декоративной силе, укрупнению формы. Поздний — к ясности, внутреннему равновесию. Этот поворот связан и с его европейскими поездками, и с вниманием к искусству Возрождения. Кончаловский много ездил по Европе, а в 1920-е по-новому посмотрел на Италию и Францию — и это заметно в его зрелых работах.
Пейзажный раздел поможет увидеть этот переход. Работы, написанные после поездок, уже не так напористы, как ранние вещи. В них больше воздуха, света. С европейскими сюжетами соседствует новгородская линия. С 1925 по 1928 год Кончаловский проводил лето под Новгородом, и из этого вырос целый цикл произведений.
Портреты: семья, друзья и люди эпохи
У Кончаловского портрет — это всегда больше, чем просто изображение человека. Ему важно показать не только лицо, но и пространство вокруг, среду, в которой раскрывается человеческий мир. Хороший пример — портрет Алексея Толстого, похожий скорее на сцену домашней встречи: с застольем, живой обстановкой и продолжающимся разговором.
Кончаловский писал семью, друзей, писателей, художников — людей своего круга и своей эпохи. Поэтому портретный раздел выставки рассказывает не только о самом мастере, но и о среде, в которой он жил.
Финал: «Сад в цвету» и сирень как главный герой
Слово «сад» вынесено в название выставки не случайно. В зрелые годы Кончаловский много писал цветы, а одной из его главных тем стала сирень. Особенно часто он обращался к ней после того, как у семьи появилась дача в Буграх: с 1930-х годов она постоянно возникает в его живописи.
Одна из ключевых работ этого раздела — «Натюрморт. Сирень в двух корзинах» 1939 года. В ней особенно хорошо видно, как Кончаловский работает с цветом, объемом, воздухом. А композиционным центром финального зала стало большое полотно «На полдни». Это работа 1947 года размером 3 на 4 метра, в которой особенно чувствуется тишина и спокойствие послевоенных лет. Идеальный финальный акцент.
Выставка «Пётр Кончаловский. Сад в цвету», открытая при поддержке ВТБ, пройдет в корпусе Бенуа Русского музея до 14 сентября 2026 года. На нее лучше закладывать хотя бы час: обширная экспозиция выстроена по этапам и помогает последовательно проследить, как менялся Кончаловский — от ярких ранних экспериментов к более спокойной и ясной живописи. Такой маршрут позволяет увидеть в нем не автора нескольких хрестоматийных вещей, а художника большого диапазона и долгого пути.