«Гусары, молчать!», – но это теперь, когда гусарская форма из цирка ушла в прошлое. Спортивный обтягивающий «купальник» гимнасты начали использовать только в XIX веке, а в наше время костюмы создают уже с помощью нейросетей.
Пять «столпов» циркового костюма
В 1768 году отец современного цирка, предприниматель Филип Астлей выкупил поле в районе Ватерлоо и возвёл на нём круглую арену, где начали проходить конные представления. «Ноги» циркового костюма растут именно отсюда. Астлей пришел в цирк из кавалерии и поначалу выступал в адаптированной военной форме, которая и стала прообразом первых костюмов – с четким силуэтом, эполетами, декоративной отделкой. Прикрепив к своей треуголке перо, Астлей стал цирковым.
Историки цирка классифицируют цирковые костюмы на основе пяти базовых образов, сформировавшихся в течение столетия с момента появления цирка Астлей – наездник, клоун, акробат, укротитель и артистка-наездница.
Сначала были долманы, гусарские короткие куртки и платья, в первой половине XIX века появились сюртуки. В 1832 году на премьере оперы «Сильфида» в Париже Мария Тальони впервые надела «tutu», легкую, длинную многослойную юбку из тюля, и этот предмет одежды тут же перекочевал в цирк, став визуальным ориентиром для воздушных номеров, женских акробатических образов, а позднее – цирковой пантомимы и клоунады.
Наконец, в 1859 году появился знаменитый леотар, обтягивающий сценический костюм, изобретенный Жюлем Леотаром для своего воздушного номера. Впервые костюм использовался для демонстрации тела в движении – оно стало главным объектом номера.
Главное, чтобы костюмчик сидел!
Первые костюмы для цирковых представлений подбирались по принципу «случайного вдохновения» – пучок сверкающих перьев, шарф с длинной бахромой, драпированный на талии. Красота создавалась из того, что было. Но по мере развития конного цирка, руководители трупп начали обращаться к художникам по костюмам и портным, чтобы с помощью одежды лучше передавать смысл исполняемых номеров и характеры персонажей. Цирк переезжал в крытые «резиденции» и начинал конкурировать с театром и балетом, а, значит, нужно было идти похожими путями для завоевания и удержания аудитории – через создание эффектных костюмов.
Со временем созданием шедевров стали заниматься целые команды профессионалов, в том числе, изготовители каркасов, корсетировщики, специалисты по гофрированию и вышивальщицы.
Сначала создается его эскиз. Когда линии и цвета утверждены, разрабатывается поэтапная схема рабочего процесса. Потом делается финансовая оценка, помогающая определиться с выбором материалов.
Источником вдохновения может быть все, что угодно – легенды, истории, повседневная жизнь. Сейчас художники создают цирковые костюмы для спектаклей с помощью нейросетей, как например, это сделал Амгалан Ринчинэ в Бурятском цирке для театрализованного балетно-акробатического шоу «Тайна пяти стихий». Искусственный интеллект подсказал идеи, а дальше на их основе продолжал творить сам художник – без человека пока никуда.
От строгости к экспериментам
Примерно три века прошло с того момента, как начали эволюционировать цирковые костюмы. Какие тенденции превалировали на каждом этапе?
- XVIII век – военный костюм
Цирковой костюм «вырастает» из военной и театральной одежды.
- XIX век – функциональность и специализация
Формируются функциональные костюмы для разных жанров, появляется леотар – акробаты и гимнасты переходят к облегающим костюмам. Клоуны начинают использовать образы Белого (светлый, «приличный») и Рыжего (нелепый, яркий). А вот накладной красный нос коверные надели в первой половине XX века вслед за итальянским коллегой Альбером Фрателлини – этот атрибут доказывал, что персонаж подшофе и отличал клоуна от всех других актеров на манеже.
- Конец XIX – начало XX века – эффектность
Это эпоха блеска и гламура. Главное – декоративность и ориентация на зрелищность. В оформлении костюмов, которые становятся роскошными и броскими, используются яркие цвета, блестки, пайетки, металлические нити, бисер, стразы, парча, бархат, шелк, сложная вышивка и орнамент. Зрители даже с дальних рядов должны иметь возможность разглядеть артистов. Теперь костюм – не просто рабочая одежда, но самостоятельный элемент художественного языка цирка.
- XX век – профессиональный дизайн и влияние театра
Цирковой костюм берет на вооружение принципы театрального искусства. Он начинает подчёркивать характер номера и персонажа, работать в связке со светом и сценографией, подчиняться общей концепции программы.
Благодаря развитию технологий костюмы становятся более изысканными. Синтетика добавляет легкости и долговечности. Эластичные ткани позволяют артистам свободно двигаться, а светоотражающие элементы – получить впечатляющий эффект. Появляется мода на костюмы с национальными мотивами, отражающими тематику шоу.
- Конец XX – XXI век – эксперименты, отказ от канонов, концептуальный костюм
В цирке применяются новые концепции и авторские подходы, блеск перестаёт быть обязательным. В цирковых проектах используют минимализм, стилизацию под историческую и повседневную одежду. Костюм становится концептуальным высказыванием, а не просто украшением. Это слияние искусства, моды и технологий. Используются неоновые элементы, светодиоды и создаются костюмы-трансформеры, меняющие внешний вид во время номера. Дизайнеры учитывают экологичность материалов, чтобы не вредить окружающей среде.
Наш путь – особый
После революции 1917 года советский цирк стал государственным искусством и должен был соответствовать подходу к оформлению представлений, в том числе к костюму. Визуальные образы должны были отражать оптимизм, силу и коллективизм общества, быть понятными и массовыми. Эстетику эпохи 1930-х годов очень точно передает фильм «Цирк».
Вот, что писал о цирке тех лет Владимир Маяковский.
«Долой с манежа рыжих пощечины
И белой мукой вымазанные лбы!
Советский цирк должен быть
остро отточенным
Оружием классовой борьбы!»
Времена менялись, и советские клоуны получали признание по всему миру. Олег Попов рассказывал, что его образ складывался постепенно – от русских народных мотивов к ярко выраженному сценическому персонажу, с характерной кепкой и пиджачком. После распада Советского Союза классические отечественные традиции смешались с международными практиками, и в создании костюмов стали применять современные дизайнерские подходы.
Зрители Казанского цирка могли в полной мере насладиться работами художника по костюмам Надежды Русс – чего стоят ее творения в «Мирас», настоящем шедевре циркового и визуального искусства, которым некоторые из зрителей наслаждались по нескольку раз.
Хоть одним глазком взглянуть
С историей циркового костюма лучше всего знакомиться в музеях. Например, в Музее циркового искусства Большого Санкт-Петербургского государственного цирка, расположенном в здании на Фонтанке – здесь есть кепка Олега Попова и фетровая шапочка Карандаша. Костюмы гимнастов и фокусников, носы клоунов можно увидеть в Музее циркового искусства Екатеринбургского государственного цирка им. В. И. Филатова.
И не пропускайте тематические выставки. Например, одна из них прошла в 2021 году в московском метро на станции «Воробьевы горы». А в прошлом году костюмы блистали во всей своей красе на Международном Фестивале «АРТИСТ» в Московском Цирке Никулина на Цветном Бульваре.