Январь 2026 года оказался довольно насыщенным месяцем в кино: в прокате появилось немало фильмов разных жанров и масштабов — от российских семейных картин до голливудских сиквелов и авторских проектов. В России главными хитами стали три сказки, вышедшие 1 января: «Чебурашка 2», полнометражное «Простоквашино» и новая версия «Буратино». Они собрали хорошую кассу и привели в залы много семей. В мировом прокате выделялись продолжения известных франшиз — хоррор «28 лет спустя: Храм костей», драма «Гренландия: Миграция», триллер Тимура Бекмамбетова «Казнить нельзя помиловать» с Крисом Праттом. Плюс несколько заметных новинок: претендент на «Оскар» «Марти Великолепный» с Тимоти Шаламе, мелодрама «Горничная» и российский «Левша» в стиле стимпанк. Некоторые фильмы понравились зрителям и критикам, другие получили смешанные отзывы. В этой статье мы разберём основные премьеры января и расположим их от худшего к лучшему — на основе оценок, отзывов и сборов, — чтобы было проще решить, на что идти в кино или что посмотреть дома.
10. Возвращение в Сайлент Хилл (38.8)
Кристоф Ган, режиссёр первой экранизации «Сайлент Хилла» 2006 года, спустя два десятилетия вернулся к культовой вселенной. Его новая работа — «Возвращение в Сайлент Хилл» — заявлена как адаптация Silent Hill 2 (2001), одной из самых психологически насыщенных и художественно совершенных игр в истории жанра. Ожидания были высоки: казалось, за 20 лет можно было изучить первоисточник, понять его суть, найти кинематографические эквиваленты для его сложнейших тем. Результат же оказался катастрофическим: перед нами не переосмысление классики, а её грубое искажение, лишённое и духа, и формы оригинала.
Фильм следует за Джеймсом Сандерлендом, который получает письмо от своей покойной жены Мэри, зовущей его в Сайлент Хилл. Прибыв в город, он погружается в мир искажённой реальности, где грани между прошлым, настоящим, виной и наказанием стираются. Он встречает загадочную Марию, напоминающую ему Мэри, сталкивается с чудовищными созданиями и постепенно раскрывает мрачные тайны собственного подсознания. Однако вместо глубокого психологического путешествия зритель получает хаотичный набор сцен, где логика уступает место случайным пугалкам, а ключевые сюжетные линии обрываются без объяснения.
Silent Hill 2 — это не хоррор ради хоррора. Это история о вине, самообмане и невозможности убежать от прошлого. Игра выстраивала нарратив с хирургической точностью: каждый предмет, каждый диалог, каждый звуковой эффект работали на раскрытие внутреннего ада Джеймса. Фильм же превращает эту тончайшую психологическую драму в набор клише. Сценаристы не просто отклоняются от оригинала — они вырывают из него куски, оставляя лишь поверхностные отсылки. Ключевые персонажи (Эдди, Лора) сведены к эпизодическим ролям, их мотивы и судьбы искажены до неузнаваемости. Линия Мэри, центральный эмоциональный стержень игры, в фильме превратилась в безликий фантом, лишённый трагизма и глубины.
Визуальная эстетика Silent Hill 2 — это не просто «туман и ржавые трубы». Это система символов, где каждый элемент окружения отражает состояние героя. Фильм поначалу пытается воспроизвести узнаваемые образы, но уже к середине картины CGI‑эффекты начинают резать глаз. Монстры, которые в игре были метафорами психологических травм, здесь выглядят как дешёвые цифровые модели. Пирамидоголовый, икона франшизы, появляется на пару минут и не вызывает ничего, кроме раздражения: его движения лишены тяжести и угрозы, а дизайн — гротескно упрощён. Даже культовые медсестры, чьи медленные, почти ритуальные движения в оригинале внушали ужас, в фильме двигаются как механические куклы.
Джереми Ирвин в роли Джеймса демонстрирует одну эмоцию — вялое недоумение. Его игра не передаёт ни мучительного чувства вины, ни отчаяния, ни проблесков надежды, которые делали Джеймса Сандерленда одним из самых сложных героев в истории видеоигр. Ханна Эмили Андерсон (Мэри/Мария) словно играет в другом жанре: её реплики звучат плоско, а сцены с её участием лишены напряжения. Диалоги, и без того слабые, из‑за невыразительной подачи превращаются в пустую трату времени. Актёры будто не понимают, что играют не в обычном хорроре, а в истории о разрушении личности.
Атмосфера ужаса, за которую любили и игру, и первый фильм Гана, здесь отсутствует как класс. Вместо гнетущего ощущения безысходности — набор шаблонных скримеров, которые не пугают, а раздражают. Звуковое сопровождение, некогда созданное гениальным Акирой Ямаокой, в фильме звучит как фоновый шум. Индустриальные шумы, скрежет металла, далёкие стоны — всё это было сердцем Сайлент Хилла, но в экранизации оно заменено безликим оркестровым саундтреком, который не добавляет ни напряжения, ни настроения.
Фильм страдает от катастрофического темпа. Он то застревает в бесконечных блужданиях Джеймса по однообразным коридорам (камера подолгу фиксирует его бесцельные шаги, будто пытаясь заполнить хронометраж), то резко перескакивает к новым событиям, не давая зрителю осмыслить происходящее. В игре каждый шаг героя был продуман как часть психологического путешествия: он находил предметы, читал записки, постепенно раскрывал правду о себе. Здесь же путешествие превращается в бессмысленный квест: герой идёт, видит монстра, убегает, повторяет. И так два часа.
Финал картины — апофеоз непонимания первоисточника. Вместо открытого, многозначного завершения Silent Hill 2, которое заставляло игрока задуматься о природе вины и реальности, фильм предлагает невнятную мистическую развязку с элементами, которых не было в игре. Авторы будто не доверяют зрителю и пытаются «объяснить» всё до последней детали, уничтожая тем самым главную магию оригинала. Это не переосмысление — это грубое упрощение, лишающее историю её многослойности.
«Возвращение в Сайлент Хилл» — это не фильм, а памятник неуважению к первоисточнику. Для фанатов игры он становится болезненным разочарованием: вместо трепетного переосмысления классики зритель получает хаотичный, лишённый души продукт. Для новичков картина и вовсе непонятна: без знания игры её сюжет выглядит бессвязным набором пугалок. Кристоф Ган, видимо, хотел вернуться к истокам, но вместо этого утонул в тумане собственных ошибок. Этот фильм не стоит даже одного часа вашего времени. Если вы хотите почувствовать дух Silent Hill 2 — переиграйте в неё. Здесь нет ничего, кроме разочарования.
Оценка: 3 из 10.
9. Казнить нельзя помиловать (52.0)
Вот уже несколько недель в прокате висит свежая новинка Тимура Бекмамбетова «Казнить нельзя помиловать» — тот самый режиссёр, подаривший нам «Ночной дозор» и «Особо опасен». В американском бокс-офисе картина даже ухитрилась вырваться на первое место в выходные, когда на страну обрушился мощный снежный шторм, и зрители просто физически не смогли добраться до залов (да, это не шутка, это официальные данные). До этого шесть недель подряд лидером оставался «Аватар: Пламя и пепел». Короче, фильм возглавил чарт не потому, что всех покорил, а потому, что конкурентов в тот момент практически не было.
Действие происходит в 2029 году в Лос-Анджелесе. Искусственный интеллект под гордым именем Mercy («Милосердие») полностью заменил судейский аппарат: он и обвинитель, и защитник, и приговор исполнитель. Полицейского (Крис Пратт) обвиняют в убийстве жены, и у него ровно 90 минут, чтобы убедить систему в своей невиновности — иначе казнь прямо в кресле.
Идея на бумаге кажется острой и актуальной. На экране — увы, это бюджетный клон «Чёрного зеркала», только без атмосферы, глубины и смысла.
Главная беда фильма — в нём буквально ничего не происходит. Практически весь хронометраж Пратт проводит пристёгнутым к специальному креслу, уставившись в огромный монитор: листает интерфейсы, смотрит видео с камер, ведёт видеозвонки, пересматривает записи. Зритель вынужден заниматься тем же самым — наблюдать, как герой наблюдает. Это не стильный минимализм и не смелый эксперимент, это просто творческий тупик формата screenlife, который Бекмамбетов упорно продолжает тянуть за собой с 2010-х. Когда-то это выглядело новаторски, потом — приемлемо, а теперь уже просто утомляет. Таким приёмом прикрывают отсутствие динамики, постановки и элементарных режиссёрских идей.
К середине сеанса уже искренне желаешь, чтобы систему не переубедили и всё скорее закончилось.
Напряжения здесь нет от слова «совсем». С первых кадров понятно, что герой невиновен, и финал предсказуем на 100 %. Фильм притворяется, что держит интригу: подбрасывает намёки на алкоголизм, провалы в памяти, семейные конфликты, но всё это подано так грубо и прямолинейно, что не цепляет ни на секунду. Повороты появляются словно по волшебству, совпадения выдаются за «интуицию», а логические дыры никто даже не пытается замазать.
ИИ по имени Мэддокс в исполнении Ребекки Фергюсон — отдельный аттракцион. По идее, это должна быть холодная, беспристрастная машина. На деле — странный гибрид голосового помощника и капризной нейросети с человеческими замашками: то строго следует протоколу, то внезапно помогает обвиняемому, то снова грозит смертью. Получается какой-то эмоциональный винегрет, который смотреть просто неловко.
Фильм вообще не понимает, что хочет сказать об искусственном интеллекте. То пугает «бездушной системой, которая решает судьбы», то тут же напоминает, что люди тоже ошибаются, да и ИИ не идеален. В итоге — ни конфликта идей, ни настоящей этической дилеммы, ни авторской позиции. Пустота.
Экшена почти нет, а то немногое, что появляется ближе к финалу, выглядит притянутым за уши и неубедительно. Разрушенный Лос-Анджелес и внешние события совершенно не вяжутся с камерной концепцией «один человек против машины». Особенно забавно, что картину выпустили в IMAX — чтобы на гигантском экране любоваться интерфейсами и окнами чата. Впечатляет.
«Казнить нельзя помиловать» — не катастрофа уровня «худший фильм века», но поразительно пустой, вялый и безразличный к собственной теме. Такое ощущение, что его собрали по алгоритму, без души и без единственной свежей мысли.
Оценка: 4/10
8. Гренландия 2: Миграция (52.5)
Прошло пять лет после событий оригинальной «Гренландии», и семья Геррарда Батлера всё ещё прячется в подземном бункере на одноимённом острове. Запасы тают, поверхность планеты продолжает сходить с ума — ураганы, землетрясения, цунами, полный комплект постапокалиптического ассорти. В итоге бункер разрушен, и выжившим ничего не остаётся, кроме как отправиться в путь к мифическому «оазису» — кратеру от упавшего метеорита, где, по слухам, снова можно дышать, пить воду и видеть зелёную траву. Никто толком не знает, существует ли этот рай на самом деле, но выбора нет — вперёд, на удачу.
Забавно, как франшиза дважды угадала с таймингом. Первый фильм вышел летом 2020-го, когда весь мир сидел по домам и боялся выйти на улицу, — и тема надвигающегося конца света звучала особенно остро. При бюджете в 35 миллионов он собрал около 50 — вполне достойный результат для пандемийного проката, а главное, картина работала за счёт атмосферы и камерной семейной драмы на фоне глобальной угрозы. Вопрос, нужен ли был сиквел, повисал в воздухе, но Рик Роман Во решил, что нужен. И вот в январе 2026-го «Гренландия: Миграция» вышла в прокат — ровно в тот момент, когда Гренландия снова в новостях, а слово «миграция» в заголовке невольно вызывает ассоциации с американской политикой. Совпадения? Не думаю.
Проблема сиквела проста и банальна: авторам нечем было удивить. Первый фильм цеплял именно ограничениями — скромный бюджет не позволял размахнуться, поэтому акцент делался на напряжении, страхе и человеческих отношениях. Во втором же денег выделили уже 90 миллионов, и режиссёр явно захотел поиграть в большую катастрофу а-ля Роланд Эммерих. Только вот в 2026 году такими приёмчиками уже никого не удивишь. «Падение Луны» того же Эммериха с его 150 миллионами тоже провалилось — выглядело дорого, а внутри пусто. «Гренландия 2» идёт тем же проверенным маршрутом: мосты рушатся, второстепенные персонажи героически погибают, в Европе обязательно гражданская война, мародёры, хаос — полный набор клише жанра.
Но даже в рамках этого набора фильму не хватает драйва. Апокалипсис подан как-то вяло, угроза не ощущается. Герои преодолевают препятствия подозрительно легко, сцены с мародёрами и войной длятся пару минут и заканчиваются, не успев начаться. Эпизод на краю пропасти не пугает — во-первых, понятно, что главные герои выживут, во-вторых, постановка слабая. В «Эвересте» 2015 года аналогичный момент был снят куда убедительнее. Есть пара удачных кадров от первого лица и момент с летящими обломками во время шторма, но в целом компьютерная стихия выглядит искусственно и нестрашно.
Фильму катастрофически не хватает души. Джерард Батлер выглядит уставшим от собственной франшизы — неудивительно, что его персонажу добавили смертельный диагноз, чтобы актёр мог хотя бы немного отойти на второй план. Конфликт с сыном едва намечен, жена вдруг решает спасать всех подряд, а девочка из французской семьи, которая идёт с ними, не влияет ни на сюжет, ни на эмоции. Один раз она переводит с французского, но оказывается, что солдат и так говорит по-английски — зачем вообще этот эпизод?
В итоге получаем добротно сделанный, но абсолютно безыдейный конвейер. Финал откровенно заимствует настроение из диснеевского «Динозавра» — те же надежды на новую жизнь среди зелени. Только без диснеевской теплоты и без какого-либо эмоционального отклика. «Гренландия: Миграция» — типичный сиквел «на сдачу», снятый без особого энтузиазма и без желания сказать что-то новое. Пересматривать его точно никто не будет. Лучше запустить «2012» — там хотя бы масштаб и самоирония на месте.
Оценка: 4,5/10
7. Простоквашино (53.1)
Это та самая попытка перенести классику Успенского на большой экран в игровом формате с элементами CGI, которая провалилась практически по всем фронтам. Фильм вышел 1 января 2026 года, режиссёр — Сарик Андреасян, в ролях Роман Панков (Дядя Фёдор), Павел Прилучный (папа), Лиза Моряк (мама), Иван Охлобыстин (Печкин), плюс CGI-животные: Матроскин, Шарик, корова Мурка и галчонок.
Сюжет следует оригинальной повести почти дословно: Дядя Фёдор встречает в подъезде говорящего кота Матроскина, родители против питомца, мальчик сбегает с ним в деревню Простоквашино, по пути подбирает пса Шарика, они обживают заброшенный дом, заводят корову, доят её, сажают картошку, торгуют на рынке, конфликтуют с почтальоном Печкиным. Всё это растянуто на 105 минут, и большая часть времени — это унылая, затянутая рутина без ритма, юмора или эмоций. Сцены просто тянутся, диалоги вымученные, фирменные фразы («Неправильно ты, Дядя Фёдор, бутерброд ешь») звучат как насильно вставленные галочки.
Игра актёров — сплошной кринж. Роман Панков в роли Дяди Фёдора выглядит деревянно, Лиза Моряк (мама) играет как робот без эмоций, Павел Прилучный (папа) вообще большую часть фильма проводит в поезде/на отдыхе в Сочи — его линия с ремонтом машины, семейными ссорами и поисками сына через объявление в газете кажется полностью оторванной от основного действия и никому не нужна. Охлобыстин в роли Печкина переигрывает до неприличия, превращая персонажа в карикатурного вредного дядьку без шарма оригинала.
Отдельный ужас — подсюжеты, которые никто не просил. Кавказские милиционеры (Тимур и Хасик) в Сочи, куда едут родители: они с фразочками вроде «целуем ручки» и типичными стереотипами просто выбиваются из атмосферы, выглядят как дешёвый юмор для взрослых, который ребёнку точно не зайдёт. Проводница в поезде, которая сначала флиртует с папой, а потом оскорбляет маму сравнением с «холодным и несладким чаем» — это вообще за гранью. Всё это выглядит как попытка нафаршировать хронометраж ненужными вставками.
Графика — катастрофа 2026 года. Матроскин и Шарик ещё терпимо (хотя Шарик местами выглядит пластиково и неестественно), но корова Мурка — это просто кошмар: стеклянные глаза, деревянные движения, кривые текстуры, будто из низкобюджетной игры 2010-х. Она выглядит особенно стремно, когда её доят или когда она просто стоит на фоне. CGI-животные плохо интегрированы в живые кадры, взаимодействия с актёрами вызывают отторжение.
Единственные плюсы, за которые можно зацепиться, — декорации и цветовая палитра. Деревня Простоквашино (построенная в Подмосковье), советский антураж 1970-х, домик, лес, закаты — всё снято уютно, в тёплых тонах, с мягким светом. Атмосфера старого доброго СССР передана неплохо, картинка сочная и ностальгическая.
Но этого катастрофически мало, чтобы спасти фильм от ощущения полной пустоты. Смотреть было тяжело физически — скучно, неловко, местами просто стремно.
Оценка: 3/10
6. Буратино (60.1)
Фильм "Буратино" 2026 года, снятый Игорем Волошином по мотивам классической сказки Алексея Толстого, позиционируется как новогодний мюзикл-фэнтези для всей семьи. С бюджетом от "НМГ Кинопрокат" и звездным кастом, включая Виталию Корниенко в роли деревянного мальчика, Александра Яценко как Папу Карло и Федора Бондарчука в одной из ролей, картина обещает свежий взгляд на вечную историю о приключениях, дружбе и золотом ключике. Но на деле это полупровал: попытка осовременить сказку оборачивается хаосом из слабого сценария, сомнительных творческих решений и визуальной тьмы, которая душит любое волшебство. Если вы ждали ностальгического ремейка советского хита 1975 года, то получите лишь разочарование.
Несмотря на общий провал, в "Буратино" можно найти пару плюсов, которые не дают фильму скатиться в полный треш. Во-первых, актерский состав — это, пожалуй, главный козырь. Виталия Корниенко в роли Буратино старается изо всех сил: ее энергичная игра добавляет шарма, особенно в сценах с "оживанием" и первыми приключениями. Девочка в роли мальчика — смелый выбор, который мог бы добавить свежести, но сценарий не развивает это. Александр Яценко как Папа Карло выдает трогательные моменты отцовской любви, напоминая о лучших ролях в "Отец" или других драмах. Второстепенные персонажи тоже иногда радуют: Виктория Исакова в роли Лисы Алисы хитра и обаятельна, а Александр Петров как Кот Базилио добавляет комичности, хотя его переигрывание граничит с пародией. Федор Бондарчук (вероятно, в роли Карабаса-Барабаса) появляется эпизодически, но его харизма спасает пару сцен от полной скуки.
Во-вторых, музыкальные номера. Как мюзикл, фильм включает песни, вдохновленные классикой Рыбникова, но с современным твистом. Некоторые треки, вроде "Песни Буратино" или дуэта с Мальвиной (Анастасия Талызина), звучат мило и запоминаются — особенно для детей. Саундтрек не революционный, но он хотя бы пытается передать сказочную атмосферу. Визуалы в отдельных моментах (типа полетов или магического ключа) выглядят прилично благодаря спецэффектам: цвета яркие, анимация плавная.
Сценарий Андрея Золотарева и компании — это каша из оригинальной сказки и ненужных добавок. Волшебный ключ, исполняющий желания? Звучит интригующе, но на деле это ленивый сюжетный девайс, который разрешает конфликты без усилий. Буратино "понимает, что он не такой, как все" — банальное клише из "Пиноккио" Диснея, но без глубины. Приключения сведены к погоням и дракам: встреча с Карабасом, Полем Чудес, Тортиллой (Светлана Немоляева в этой роли выглядит уставшей и неубедительной) — все это пролетает без эмоций, с отсылками к голливудским блокбастерам, которые кажутся чужеродными. Мораль о свободе и "быть собой" звучит фальшиво: фильм учит, что упрямство — это круто, но показывает это через глупые решения героя, которые раздражают, а не вдохновляют. Добавлю негатива: это не адаптация, а профанация — Толстой перевернулся бы в гробу от такого "осовременивания", где сказка становится конвейерным продуктом для новогоднего проката.
Актерская игра в целом разочаровывает. Виталия Корниенко мила, но ее Буратино слишком "девочковый" — гендер-своп не оправдан и выглядит как модный трюк, а не творческий выбор. Анастасия Талызина как Мальвина — сплошное разочарование: ее персонаж сведен к "потасканной" кукле (как отметили в отзывах), без шарма Ролан Быкова версии. Марк Эйдельштейн (Артемон) и Степан Белозеров (Пьеро) — взрослые актеры в ролях "детей", что делает сцены с ними жуткими и неестественными, как в ужастике. Рузиль Минекаев как Арлекин переигрывает, а Лев Зулькарнаев в своей роли просто существует. Звездный каст (Бондарчук, Петров, Исакова) используется для маркетинга, но не для глубины — они как декорации, без развития.
Визуальная сторона — катастрофа. Фильм темный, мрачный, с серыми тонами, которые душат сказочную атмосферу. Спецэффекты дешевы: монстры и магия выглядят как из видеоигры 2000-х, анимация дергается, а декорации (театр Карабаса, лес) — картонные. Режиссура Волошина неровная: темп скачет, монтаж хаотичный, а камера в динамичных сценах трясется, вызывая тошноту. Музыкальные номера прерывают сюжет, а песни часто не вписываются — текст банальный, мелодии вторичные. Юмор плоский: шутки про "современный мир" (Буратино с гаджетами? Серьезно?) или пошлые намеки неуместны в детском кино. Для детей это слишком страшно (жуткие сцены с Карабасом), для взрослых — слишком глупо.
"Буратино" 2026 — это не сказка, а разочарование: попытка заработать на ностальгии оборачивается слабым продуктом, где достоинства тонут в море недостатков. Оценка 5/10 — максимум за актеров и музыку, но в остальном сплошной негатив: слабый сюжет, жуткие визуалы, фальшивая мораль и эксплуатация классики. Если хотите настоящую сказку, пересмотрите советский оригинал или диснеевского "Пиноккио". Этот фильм — как Полюшко-Поле: обещает золото, а дает обман.
5. Левша (61.8)
Действие разворачивается в последние годы XIX века, при дворе Александра III (Артур Иванов). Великобритания плетёт интриги против Российской Империи: её агенты разжигают беспорядки на афганской границе и снабжают оружием подпольные кружки в Петербурге. Один из курьеров перехватывает список с именами британских шпионов, но за ним уже охотится безжалостный наёмный убийца. Список пропадает, а в это время полицейский следователь Огарёв (Фёдор Федотов) задерживает партию контрабандного оружия и привозит доклад императору. На том же совещании обнаруживается странная механическая блоха — возможно, новейшее шпионское устройство.
Огарёв берётся за дело сам и едет в Тулу к легендарному, но спивающемуся мастеру Николаю Сурину по прозвищу Левша (Юрий Колокольников). Вместе им предстоит обезвредить британских киллеров, сорвать заговор и защитить монархию.
Чувствуется, что режиссёр Владимир Беседин искренне увлечён материалом и старался вытянуть проект на визуальном уровне. Дом Левши — отдельное удовольствие: все эти хитроумные механизмы, от автоматической картофелечистки и часов, которые сами подносят рюмку, до забавного подобия дроида из «Звёздных войн», — сделаны с любовью и вызывают улыбку. Декорации, костюмы и реквизит проработаны добротно: императорский дворец выглядит пышно (даже с электричеством, которое исторически появилось чуть позже), одежда героев подчёркивает характер — от механической руки Левши до строгого кителя Огарёва. Актёры в большинстве своём убедительны, включая эпизодических персонажей: Ян Цапник в роли министра финансов за пару сцен выдает столько харизмы, что запоминается надолго. Даже император, хотя и появляется эпизодически, смотрится достойно.
Но амбиции картины явно не шли дальше «сделать как в Голливуде, только по-русски» — подход, который редко приводит к чему-то свежему. При двух часах хронометража экшена катастрофически мало, а то, что есть, выглядит хаотично и неразборчиво: драки и перестрелки сняты так, будто монтажёр спешил на поезд, и зритель просто не успевает понять, кто кого бьёт. Вместо бодрого приключенческого темпа получается вялая, тягучая история, больше похожая на иллюстрированную сказку для взрослых.
Название и упоминание Лескова в титрах — это, по сути, всё, что связывает фильм с классикой. Никакого духа оригинальной повести здесь нет, и это ещё полбеды. Гораздо сильнее раздражает навязчивая идеологическая нагрузка, которой в первоисточнике и в помине не было. Триколоры на каждом углу (хотя при Александре III официальным был другой флаг), западные персонажи, изображённые исключительно как коварные безумцы или глупцы, и постоянный пафосный акцент на «русском превосходстве» — всё это выглядит чужеродно и избыточно. Патриотизм здесь не органичный, а демонстративный, как на параде, и он скорее отпугивает, чем вдохновляет.
«Левша» мог бы стать забавным стимпанк-детективом с русским колоритом, но получился громоздкий, неуклюжий гибрид, которому остро не хватает лёгкости, самоиронии и хотя бы намёка на оригинальность. Энтузиазм создателей заметен, но его явно не хватило, чтобы преодолеть шаблоны, пропагандистский тон и общую тяжеловесность. В итоге фильм хочется похвалить за отдельные красивые детали — и на этом остановиться.
Оценка: 4/10
4. Чебурашка 2 (62.0)
Сиквел «Чебурашки» вышел ровно таким, каким и ожидался от проекта, который выпускают 1 января с уверенностью, что зритель проглотит любой продукт под новогодним соусом. Первая часть уже была странным коктейлем из яркой обложки и пустоты внутри, и вторая ничем не лучше — те же визуальные аттракционы, те же идейные провалы, только в большем объёме.
Самое странное в фильме — как он заводит персонажам серьёзные внутренние конфликты, а потом просто делает вид, что их не было. Всё, что могло бы стать основой для развития, в финале аккуратно игнорируется.
Гена на протяжении всего хронометража остаётся раздражительным, вспыльчивым «воспитателем», который легко срывается на Чебурашку и доводит дело до крупной размолвки. К финалу — ни намёка на рефлексию, ни извинений, ни попытки изменить подход. Всё так и осталось.
Соня — классическая избалованная богатенькая девочка, которой бабушка потакала во всём, и это сделало её высокомерной и невоспитанной. Об этом ей прямо говорят в лицо, но к концу она просто внезапно переключается на «режим помощи» Чебурашке, без малейшего признака того, что она хоть что-то осознала.
У Гриши, внука Гены, конфликт возникает из ниоткуда: мама ждёт второго ребёнка, и мальчик вдруг решает, что он теперь «лишний». До финального разговора никаких намёков на эту проблему не было — ни сцен, ни эмоций. А в кульминационном диалоге мама заявляет, что первый ребёнок всегда будет самым любимым. Странная мораль для детского фильма.
Ларион, весь фильм выступавший в роли заносчивого и неприятного помощника, в итоге получает полный хэппи-энд без единого намёка на расплату или урок. Никакого наказания, никакого осознания.
Только у самого Чебурашки конфликт прописан более-менее логично: он постоянно всё ломает и портит, не считая себя виноватым, но в конце всё-таки признаёт свою ошибку.
Визуально ничего не улучшилось, а местами стало только хуже. За три года между частями можно было бы подтянуть модель Чебурашки, но нет: те же неестественные пропорции, стеклянные глаза, пластиковый мех, жутковатое взаимодействие с живыми актёрами. Смотреть на это два часа утомительно. Крокодил Гена в CGI-исполнении — отдельный кошмар: сцены с ним выглядят как из низкобюджетного хоррора. При этом фоновая графика вполне приличная: огонь, практические эффекты, декорации — всё сделано добротно. Но как только в кадр попадают главные «звери», иллюзия рушится.
Сюжет распадается на слабо связанные эпизоды. Первые полчаса — сплошная экспозиция и шутки ниже пояса. Потом появляется линия с потерянным домом, и на день рождения фильм ненадолго оживает — здесь Дьяченко напоминает, что умеет снимать живо и забавно. Но подъём быстро сменяется спадом. Дети убегают в лес, взрослые идут искать — и вместо ожидаемого путешествия к «корням» получаем вялое, ничем не примечательное блуждание по ближайшим горам. Экшен-сцены громкие, но бессмысленные.
Всё это ещё можно было бы простить детскому фильму, если бы он хотя бы выполнял свои базовые функции: развлекать и немного учить доброму. С развлечением справились на троечку — дети в зале хихикали над постоянными проказам Чебурашки и странными выходками персонажа Лыкова. А вот с посылом полный провал. Герои постоянно орут друг на друга, конфликтуют, унижают, издеваются. Даже положительные персонажи ведут себя токсично и эгоистично, и никому за это ничего не бывает. Новогоднего тепла — ноль. Песенки под гитару выглядят наигранно, атмосфера пропитана раздражением. Единственный островок искренности — короткие флешбэки о знакомстве Гены с женой.
«Чебурашка 2» не то чтобы откровенно плох — он просто пустой и странный. Взрослому там ловить нечего, а ребёнку я бы такое показывать не стал: два часа яркого, но бессмысленного шума. Лучше включить старый советский мультфильм — там хотя бы доброта настоящая.
Оценка: 5/10
3. Горничная (71.0)
Наконец-то мы приближаемся к более интересным проектам, за которые хотя бы не стыдно.
Милли (Сидни Суини) только что вышла из тюрьмы по УДО после десяти лет за решёткой. Чтобы выглядеть посолиднее, она надевает обычные очки и едет устраиваться горничной в роскошный особняк в богатом пригороде Нью-Йорка. Там живут успешный айтишник Эндрю (Брэндон Скленар), его жена Нина (Аманда Сайфред) и их семилетняя дочка. Милли спит в машине, деньги на исходе, поэтому она безумно рада, когда неожиданно получает работу. Нина ведёт себя странно — то и дело срывается на новенькую, а вот Эндрю — сама доброта и внимание. Соседки за глаза зовут его «горячим святым».
Режиссёр Пол Фиг, который весной показал «Ещё одну простую просьбу», снова снимает яркий женский триллер с элементами криминала и мелодрамы. Раньше он делал чистые комедии («Девичник в Вегасе», «Копы в юбках»), но сейчас явно уходит в другой жанр — комедии в Голливуде сейчас не в моде.
Фильм снят по популярному бестселлеру. Поначалу кажется, что будет история про «злую горничную», как в старых фильмах 90-х, но это обманка. Милли сразу показана как героиня, с которой мы сопереживаем, и про её прошлое мы быстро узнаём всё. Сделать её ещё и психопаткой было бы слишком банально. К тому же сегодня «плохими» в таких историях обычно бывают богатые, а не бедные.
Общий поворот сюжета угадывается довольно рано, хотя отдельные детали могут удивить. В фильме полно типичных мелодраматических приёмов: загадочный пожар в прошлом, психбольница, запертое окно на чердаке, властная свекровь, загадочный садовник-итальянец (тот же Микеле Морроне из «Простой просьбы»), который шепчет: «Беги отсюда поскорее!»
Первый час смотрится легко и с удовольствием: героини скандалят, бьют тарелки, спорят из-за рецепта курицы, примеряют платья. Но во второй половине фильм резко сворачивает в совсем другую сторону — и этот поворот выглядит слишком простым, наигранным и не очень логичным. Многое приходится объяснять закадровым голосом, причём даже двумя, — это сразу выдаёт проблемы со сценарием. Если после сеанса начать разбирать, почему герои (особенно Нина) поступали именно так, вся история рассыпается.
При этом смотреть не скучно — фильм затянут, но глаз не оторвать, как от какой-нибудь яркой мыльной оперы. Аманда Сайфред играет отлично, в ней есть потенциал стать настоящей «королевой драмы». Сидни Суини тоже справляется, хотя её роль в основном сводится к тому, чтобы удивлённо смотреть и появляться в кадре в выигрышных ракурсах. А вот Брэндон Скленар в роли Эндрю — явный промах кастинга. Более харизматичный актёр сделал бы любовный треугольник гораздо интереснее. Скленар же в основном показывает мускулы и ходит по дому в обтягивающей майке.
В целом стиль Фига — это смесь лёгкой эротики и экскурсии по дорогому интерьеру. Ближе к финалу добавляется ещё и довольно жёсткий садизм, и это уже выглядит лишним. Фильм не идеален, но как развлечение на вечер вполне работает — просто не стоит слишком серьёзно к нему относиться.
Оценка: 6/10
2. 28 лет спустя: Храм костей (78.8)
Всего полгода прошло с выхода первой части «28 лет спустя» от Дэнни Бойла, а уже в кинотеатрах вторая — «28 лет спустя: Часть II. Храм костей». Она короче, мрачнее и страшнее предыдущей, и главная звезда здесь — Рэйф Файнс, чей герой в одной из сцен раздевается и отрывается под Iron Maiden.
Фильм начинается ровно с того момента, на котором закончился первый: мальчик Спайк знакомится с бандой жестоких отморозков, которые наряжаются в яркие спортивные костюмы, надевают светлые парики и все называют себя Джимми — в честь своего лидера по прозвищу Джимми Кристал (Джек О’Коннелл). В этой компании царит культ жестокости и сатанизма, но одна из участниц начинает жалеть Спайка. Параллельно добрый доктор Келсон (Рэйф Файнс) живёт в своём странном убежище из костей и постепенно сближается с огромным заражённым по имени Самсон. Сначала он колет ему успокоительное, потом Самсон «подсаживается» на морфин — и между ними возникает настоящая, хоть и очень необычная дружба.
Хотя обе части снимали подряд, вторая получилась заметно другой. Сценарист остался тот же — Алекс Гарленд, а вот режиссёра сменили: вместо Бойла пришла Ниа ДаКоста («Кэндимен», «Капитан Марвел 2»). С ней пришли новый оператор, новая композитор (Хильдур Гуднадоуттир) и в целом более тёмный и кровавый тон. Первая часть хорошо собрала в прокате, эта, скорее всего, заработает меньше, но третью часть уже планируют — и туда вернётся Дэнни Бойл.
Вторая часть трилогии обычно самая сложная: ни нормального начала, ни полноценного финала. Но «Храм костей» ощущается почти как отдельная история. Линия про семью Спайка осталась в первом фильме (как и Аарон Тейлор-Джонсон), а здесь мы наконец по-настоящему знакомимся с Джимми и его бандой.
Два основных сюжета идут параллельно и сходятся только под конец: один — про добро и человечность, другой — про чистое зло. Роль Рэйфа Файнса здесь центральная, яркая и многогранная — с пафосом, юмором и настоящей теплотой. Дружба между доктором и заражённым Самсоном — пожалуй, самая трогательная линия во всей франшизе. Благодаря морфину и музыке (от Duran Duran до Iron Maiden) они оба меняются: Самсон снова надевает штаны, а доктор, наоборот, позволяет себе быть свободнее. По версии Гарленда, именно такие вещи — наркотики и нью-вейв — возвращают человеку человечность.
Зло же в фильме показано через Джимми: он вырос на телепередачах, теперь пересказывает своей банде «Телепузиков» вперемешку с проповедями о Сатане. Джек О’Коннелл играет его убедительно — улыбчивый, гнилозубый садист. А внешний вид банды — отсылка к Джимми Сэвилу, знаменитому британскому телеведущему, которого при жизни обожали, а после смерти выяснилось, что он был чудовищным преступником. Герои фильма об этом, конечно, не знают, и от этого их образ становится ещё мрачнее.
Ниа ДаКоста сняла фильм гораздо жёстче, чем Бойл: здесь не просто отрывают головы на бегу — здесь медленно снимают кожу, потрошат животы и едят мозги. Всё сделано аккуратно, чтобы не отпугнуть широкого зрителя, но на грани. При этом картина получилась камернее и медленнее первой: меньше размаха, больше отдельных, тщательно поставленных сцен. Иногда даже кажется, что событий маловато.
Алекс Гарленд по-прежнему напоминает: цивилизация очень хрупкая, и зомби — далеко не самое страшное, что может остаться после её краха. Фильм говорит и о смерти, и о том, что помогает её отодвинуть: музыка, дружба, простые человеческие радости. «Помни о смерти» — но не забывай и про хороший трек.
Оценка: 7/10
1. Марти великолепный (83.8)
В российские кинотеатры выходит «Марти Великолепный» — один из самых обсуждаемых фильмов этого сезона. Это динамичная трагикомедия Джоша Сэфди, его первый сольный проект после расставания с братом Бенном. Главную роль играет Тимоти Шаламе — молодой теннисист-авантюрист в Нью-Йорке 1950-х. За эту работу он уже собрал кучу наград, включая «Золотой глобус», и многие уверены, что весной он наконец возьмёт «Оскар».
Действие происходит в 1952 году. 23-летний Марти Маузер (Шаламе) работает продавцом обуви в магазине дяди, тайком встречается с замужней подругой детства и увлекается настольным теннисом — спортом, который в Америке тогда почти никто не знал. Марти грабит дядю, покупает билет в Лондон, чтобы сыграть на большом турнире, завести роман с бывшей кинозвездой (Гвинет Пэлтроу), которая несчастлива в браке с циничным бизнесменом (Кевин О’Лири), проиграть японскому чемпиону и загореться идеей реванша.
Фильм рассказывает историю взлёта — классический голливудский жанр, но здесь она работает на двух уровнях: и внутри сюжета, и в реальной жизни. Сэфди снимает в своём фирменном стиле — нервно, почти документально, с непрофессиональными актёрами в эпизодах. Это самый дорогой проект студии A24, и пока он даже не окупился в прокате, но для Тимоти Шаламе картина уже стала важным шагом. Актёр явно похож на своего героя амбициозностью: вся рекламная кампания фильма (включая личные истории Шаламе) явно направлена на то, чтобы весной он получил заветную статуэтку.
При этом сам фильм довольно скептически смотрит на «американскую мечту». Послевоенный оптимизм быстро сменяется разочарованием — как и в недавнем «Бруталисте», действие которого происходит в те же годы. Богатый покровитель Марти, король авторучек Мильтон Рокуэлл (его играет реальный бизнесмен и телезвезда Кевин О’Лири), — яркий образ жадного капитализма. По словам Сэфди, О’Лири сам придумал своему герою мощный монолог про вампиров.
В отличие от тяжёлого «Бруталиста», «Марти» — это скорее комедия ошибок. Камера (оператор — знаменитый Дариус Хонджи) всё время бежит за героем: Марти постоянно врёт, чтобы прикрыть предыдущую ложь, ворует и попадается, хамит и получает по заслугам, пытается обманывать людей — и всё идёт наперекосяк.
И всё-таки два с половиной часа с этим наглым, безответственным и почти антисоциальным парнем проходят на одном дыхании — в первую очередь благодаря Шаламе. Под гримом, усами и накладными оспинами всё равно видно настоящего актёра: его энергию, боль, страсть и готовность рисковать всем. Финал кажется немного слишком добрым для такого циничного фильма, но это, пожалуй, единственный маленький минус. В остальном — яркая, нервная и очень живая картина.
Оценка: 8,5/10
На этом всё. В феврале нас будут ждать еще более интересные и яркие премьеры, о которых расскажу завтра.