К концу XIX века во Франции многие известные художники, архитекторы и дизайнеры, сыгравшие важную роль в развитии стиля ар-нуво, осознали, что он становится всё более устаревшим. В конце столетия, когда началась промышленная революция, современная жизнь стала сильно отличаться от того, что было несколькими десятилетиями ранее. Пришло время для чего-то нового, чего-то, что кричало бы "XX век!" с оформленных со вкусом модернистских крыш.
Стремясь вступить в новый век в ногу с инновациями, а не поддаваться ностальгии, группа французских художников-новаторов создала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs (Общество художников-декораторов).
Одной из главных целей новой группы было бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая принижала статус художников-декораторов по сравнению с более классическими видами живописи и скульптуры. Знаменитые слова Журдена:
"Поэтому мы решили вернуть декоративно-прикладному искусству, с которым бесцеремонно обращались как с Золушкой или бедной родственницей, которой разрешают есть со слугами, то важное, почти главенствующее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во всех странах земного шара".
Проведение крупной выставки, представляющей новый вид декоративно-прикладного искусства, первоначально планировалось на 1914 год, но было отложено до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам отложено до 1925 года.
В настоящее время музей декоративно-прикладного искусства в Париже отмечает столетие ар-деко выставкой современной сценографии "1925–2025. СТО ЛЕТ АР-ДЕКО" с 22 октября 2025 года по 26 апреля 2026 года.
Стиль ар-деко проявил себя во всём спектре визуальных искусств: от архитектуры, живописи и скульптуры до графики и декоративно-прикладного искусства. Представители ар-деко создавали новый стиль, способный радовать глаз, но не бросающий интеллектуальный вызов.
Стиль ар-деко зародился в Париже, но оказал влияние на архитектуру и культуру в целом мире. Произведения ар-деко симметричны, геометричные, обтекаемы, зачастую лаконичны и эстетически приятны. Этот стиль противостоял авангардному искусству своего времени, бросавшему вызов обывателю, предлагая найти смысл и красоту в откровенно антитрадиционных образах и формах.
С наступлением эры массового производства художники и дизайнеры стремились облагородить внешний вид серийных функциональных предметов — от часов и пепельниц до автомобилей и зданий. Стремление ар-деко к прекрасному во всех аспектах жизни напрямую отражало относительную новизну и повсеместное использование машинных технологий, пришедших на смену традиционным ремесленным методам создания вещей.
Эволюция стиля
1. "Виктуар" (Богиня скорости), 1923
Скульптура Лалика почти кричит "Ар-деко", настолько она образец стиля, который к 1930 году стал по преимуществу американской эстетикой. Этот стиль отразился на всём — от роскошных океанских лайнеров и гоночных автомобилей до тостеров и унитазов. Это изделие само по себе представляет скульптуру, но в то же время является элегантным элементом автомобиля, для которого оно было разработано, чтобы украсить капот автомобиля.
Лалик, французский дизайнер, прославился своими работами из стекла: духами, вазами, украшениями, люстрами и часами, которые он создавал сначала в стиле модерн, а затем — ар-деко.
"Виктуар" представляет собой женскую фигуру, которая, кажется, стоит лицом к ветру, её лицо нетерпеливо вытянуто вперёд, волосы развеваются позади неё, как единое, чётко очерченное крыло.
Скульптура Лалика, служащая автомобильным украшением, воплощает ощущение скорости. Фактически стиль ар-деко был, среди прочего, гимном машинному веку, находившему выражение в обтекаемых новых транспортных средствах: поездах, автомобилях, мотоциклах и кораблях. Сторонники движения отдавали дань уважения социальному и физическому освобождению, которое принесли технологические инновации 1920-х годов.
2. Шкаф «Эта», 1922
Эмиль-Жак Рульман родился в Париже в семье, владевшей бизнесом по производству украшений, поэтому казалось вполне естественным, что его творческий потенциал нашёл выражение в роскошных товарах для дома, которыми он прославился.
От мебели и светильников до множества других декоративных элементов, таких как обои, компания Ruhlmann производила единственную в своём роде элегантную домашнюю мебель из редких экзотических пород дерева с отделкой слоновой костью.
Этот шкаф, который отличается от стиля ар-нуво своей симметрией и ограниченной палитрой, обусловленной использованием дерева, контрастирующего со слоновой костью, по-прежнему отличается несколько сложным цветочным дизайном, заимствованным из стиля ар-нуво. Это не столько отход от старого стиля, сколько его обновление и упрощение.
3.Аперитив Пиволо из французских вин, 1924
А. М. Кассандр, один из самых влиятельных художников плакатов и графических дизайнеров в стиле ар-деко, создал эту эмблему французского ликёра Pivolo Aperitif в 1924 году. Он получил награду на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже, мероприятии, которое считается запустившим стиль ар-деко в международном масштабе.
Кассандр наиболее известен своими характерными, лаконичными и минималистичными рекламными постерами, продвигающими мебель, путешествия и алкоголь. Он также считается одним из пионеров современного графического дизайна.
На постере "Аперитив Пиволо" стилизованная монохромная птица сидит за бокалом с ликёром медового цвета. Оба изображения упрощены в манере, сходной с кубистической реконструкцией: объекты разбиты на основные, пересекающиеся геометрические фигуры. Художник использует ограниченную палитру чёрного, серого и узкую гамму холодных цветов, контрастирующих с тёплыми - королевский синий в тексте сочетается с манящим янтарным оттенком аперитива, - чтобы создать гармоничное сосуществование элементов в этом произведении.
4. Каминные часы «Египтянка», 1927
Когда британский археолог Говард Картер раскопал гробницу фараона Тутанхамона в 1922 году, это событие мгновенно вызвало всемирный интерес. Внезапно Древний Египет стал общей темой в популярной культуре, включая музыку, кино, массовую литературу и декоративно-прикладное искусство. Французский ювелир Луи Картье перенёс это увлечение Древним Египтом в свои работы 1920-х годов, многие из которых включают традиционные египетские материалы и декоративные техники. Для некоторых изделий Картье даже использовал подлинные исторические реликвии.
Американская версия стиля ар-деко особенно созвучна древнеегипетской визуальной эстетике. Использование упрощённых геометрических форм, чистых цветовых плоскостей, симметрии и акцента на линию являются тому примером.
Часы "Египтянка" имитируют египетскую храмовую архитектуру и декор с инкрустированными рельефами, изображающими человеческие и божественные фигуры. Основа часов вырезана из лазурита — тёмно-синего камня, которому приписывали божественные силы и часто ассоциировали с богиней-созидательницей Исидой, представленной крылатой фигурой на вершине часов.
5. Дизайн обложки «Брак по любви... Брак по расчёту» для Harper’s Bazaar, 1927
Творчество плодовитого русско-французского художника Романа Петровича Тыртова, более известного под псевдонимом Эрте, охватывало ряд дисциплин. Его сценографические и костюмерные работы были представлены в Ziegfeld Follies, Folies Bergère и ряде немых фильмов производства Луиса Б. Майера. В период с 1915 по 1937 год он разработал более двухсот обложек для журналов. Многие из них, как в приведённом примере, были для популярного элитного журнала мод Harper’s Bazaar.
Его дизайны и иллюстрации также появлялись во многих широко читаемых женских глянцевых журналах того времени, включая Vogue, Cosmopolitan и Ladies' Home Journal. Поскольку большинство американцев скорее читали журналы и ходили в кино, чем посещали галереи и музеи, такая заметность работ Эрте в массовой культуре позволила стилю ар-деко распространиться шире, не оставаясь в основном достоянием богатой элиты.
На этой иллюстрации для обложки майского выпуска 1927 года Harper’s Bazaar изображена сидящая женская фигура в стиле «флэппер», держащая в правой руке сферический оранжевый цветок. В левой руке она нежно сжимает нить огромных жемчужин. Как живописная аллегория брака, она размышляет о выборе: выйти замуж по любви (представленной цветами) или по расчёту (представленному жемчугом). Эрте черпал вдохновение в египетском искусстве, образах итальянской Commedia dell’arte, древнегреческой вазописи и других разнообразных исторических источниках. Его версия упрощённого стиля ар-деко более элегантна и криволинейна, представляя собой менее прямой отход от более сложных форм и характерных извилистых линий предшествовавшего стиля ар-нуво.
6. Молодая дама в перчатках, 1930
Польская художница Тамара Лемпицка стала крупной представительницей стиля ар-деко в Европе и Северной Америке, создавая стилизованные, модные портреты знаменитостей и сливок общества: актёров, светских львиц и аристократов. Она была щедро вознаграждена за свою работу, которая принесла ей известность и признание критиков.
Лемпицка активно участвовала в богемной жизни Парижа 1920-х годов, где подружилась с Пикассо, а также с писателями Андре Жидом и Жаном Кокто. Её бурная личная жизнь часто вызывала пересуды и скандалы.
Эта картина является одной из её самых известных работ. «Молодая дама в перчатках» изображает скромно одетую по моде женщину в зелёном платье, в белой шляпе и перчатках, с яркой красной помадой. Острая линейность, дробные плоскости зелёной ткани, плоский серый фон и резкая игра света и тени на её лице обнаруживают существенное влияние кубизма на стиль ар-деко, хотя Лемпицка избегает более глубокой абстракции этого направления. Большинство её работ фигуративны, а их смелые цвета и чёткие, чистые линии являются общими чертами обтекаемого и элегантного стиля ар-деко.
Работа Лемпицки отражает ещё одну общую черту стиля ар-деко — утончённую чувственность. На этом портрете шёлковое платье молодой женщины облегает контуры её тела, подчёркивая живот и грудь. Фактически считавшаяся в то время сексуально провокационная природа этой картины вызвала споры, когда она была впервые выставлена в парижском Салоне независимых в 1932 году.
7. Крайслер-билдинг, завершено в 1930 г.
Эта икона нью-йоркского пейзажа в стиле ар-деко была спроектирована Уильямом ван Аленом, американским архитектором с французским образованием, ранее известным благодаря проектированию нескольких привлекательных небоскрёбов в центре Манхэттена. Здание было построено менее чем за два года, поскольку за неделю возводилось примерно четыре этажа, что в то время было на удивление быстрыми темпами.
Поскольку строительство небоскрёба финансировалось Уолтером П. Крайслером, основателем автомобильной компании, носящей его имя, архитектурные детали были разработаны в соответствии с продукцией Chrysler. Это включает в себя гаргульи здания, выполненные по образцу орнамента на капоте Chrysler, и детали внешней отделки тридцать первого этажа, напоминающие крышки радиаторов.
Наиболее узнаваемыми элементами здания являются семь арочных корон на его вершине, каждая из которых имеет характерный узор в виде солнечных лучей. Арки сверкающего шпиля напоминают вращающиеся хромированные колпаки на колёсных дисках и восходящее солнце, а гладкая геометрическая форма заводной головки отражает стремление к обтекаемой элегантности машинного века, характерной для американского ар-деко.
Многие из знаковых зданий Нью-Йорка были построены в период расцвета движения ар-деко. В таких странах, как Индия, Куба и Филиппины, архитектура в стиле ар-деко оставалась популярной и обыденной вплоть до 1960-х годов. Десятки городов мира славятся своей архитектурой в стиле ар-деко.
8. Настольное радио Philco
"Стримлайн Модерн" является кульминацией американского стиля ар-деко. Он развивался в 1930-х годах и проявился в объектах, столь же разнообразных, как элегантные небоскрёбы и доступные кухонные принадлежности. Эта сдержанная эстетика соответствовала более приглушённому мировоззрению, преобладавшему в США после биржевого краха 1929 года. Если предыдущие дизайнеры часто использовали экзотические и дорогие материалы, то "Стримлайн Модерн" задействовал дешёвые, легкодоступные промышленные материалы, такие как пластик и хром.
В этом радио нет лишних деталей, а функциональные особенности устройства становятся составными частями дизайна. Дизайн сочетает современную эстетику с современными технологиями. Используется бакелит — недавно изобретённый пластик, который был лёгким, прочным и недорогим в производстве, что означало возможность массового производства и продажи этих предметов как дизайнерских потребительских товаров для обширного среднего класса.
9. Фрески «Американский прогресс», 1937
Известному художнику-монументалисту Хосе Марии Серту в 1937 году было поручено создать декоративные изображения для главного вестибюля Рокфеллер-центра, классики модернистской архитектуры ар-деко, официальное открытие которого было запланировано на 1939 год. Изначально для создания фресок был выбран Диего Ривера, но он оскорбил семью Рокфеллеров, изобразив коммунистического вождя Ленина как часть своего замысла для работы «Человек на распутье» (1934), поэтому фреска была впоследствии уничтожена, а заказ предложили Серту.
Работа является примером типичного для ар-деко сочетания классического и современного. На картине присутствуют аллегория и классическая живопись. Одновременно это прославление людей и ценностей современной американской жизни, с изображением исторических фигур, таких как Авраам Линкольн и Ральф Уолдо Эмерсон. Это утверждение передового развития Америки во всех областях искусства и науки, и, как утверждает Клэр Кардинал-Петт, работа «воспевает технологический прогресс и тему способности человека покорять вселенную» уникально американским образом. В работе ощутим националистический дух.
Фрески предназначены для функционирования в гармонии с архитектурой помещения, так что изящное искусство и дизайн сливаются практически нераздельно — черта, ставшая отличительной для стиля ар-деко. В этом примере нарисованная фигура Атласа, кажется, держит потолок комнаты, шагая между двумя реальными опорами колонн. Тяжёлые, блочные фигуры, подобные этим, были обычными чертами стиля ар-деко; если модерн подчёркивал чувственный изгиб, то ар-деко, можно сказать, фокусировался на угловатости и, в лучшем случае на лёгкой криволинейности. Крепкие, мускулистые тела фигур на фреске Серта напоминают тела с потолка Сикстинской капеллы работы Микеланджело, что было намеренной ссылкой со стороны художника. Подобно тому как потолок Сикстинской капеллы олицетворял лучшее в итальянском Возрождении, так и фрески Серта были призваны выразить превосходство американского творчества, производства и инноваций в процветающий период 1920-х и 30-х годов после Первой мировой войны.
10. Купе Delahaye 135M Figoni & Falaschi Competition Coupe, 1935
Это спортивное двухместное купе было разработано французскими автопроизводителями итальянского происхождения Джузеппе Фигони и Овидио Фаласки для раллийных гонок. Автомобиль был заказан французским автогонщиком и позже принадлежал графине и голливудской актрисе, настолько широка была привлекательность этого более чувственного воплощения стиля ар-деко, который противостоял минимализму и акценту на прямых углах и симметрии.
Аэродинамический дизайн автомобиля, плавно текущие линии и каплевидные хромированные вставки делают его знаковым воплощением стиля ар-деко, особенно в его прославлении скорости в стремительном современном мире. Изогнутые передние и задние крылья ниспадают, закрывая колёса, а сам автомобиль расположен довольно низко к земле, создавая иллюзию движения на скорости даже в состоянии покоя. Машина сочетает в себе вершину технологических инноваций, современных материалов и производительности с обтекаемой, современной элегантностью благодаря эллиптическим хромированным украшениям, роскошной внутренней отделке деревом и фарам, а также дверным ручкам, бесшовно встроенным в кузов. Водитель такого автомобиля становился частью полностью функционального произведения искусства.
Ар-деко вышел из моды в Европе и Северной Америке в годы Второй мировой войны.