Статья была опубликована в информационно-практическом журнале «Охраняется государством», выпуск №3/2025.
Современные художники находят оригинальные способы показать красоту культурного достояния. Благодаря дизайну, моде и уличному искусству историческое наследие получает второе дыхание, сохраняя свою аутентичность, но обретая новую актуальность.
Актуализация культурного наследия через современные арт-практики – это не просто адаптация традиционных форм, а инструмент, делающий наследие востребованным среди молодежи. Опыт героев этого материала показывает: наследие будущего создается сегодня – через смелые эксперименты, уважение к прошлому и готовность говорить на языке современности.
Дизайнер Нина Ручкина, основатель бренда «Русские в моде», предлагает необычный подход к сохранению традиций: ее платки – не просто аксессуары, а настоящие арт-объекты, в которых оживают орнаменты, архитектурные мотивы и природные образы России. Когда традиционный орнамент становится частью модного аксессуара, он перестает быть чем-то далеким и делает наследие частью повседневной жизни. Нина Ручкина для журнала «Охраняется государством» рассказала, как архитектура превращается в текстильные узоры, как мода может быть инструментом популяризации наследия и как наследие становится языком, на котором говорит современность.
- В Ваших платках часто встречаются орнаменты, напоминающие элементы деревянного зодчества, мозаики или храмовой архитектуры. Как архитектурные детали трансформируются в текстильные узоры?
- Трансформация архитектурных деталей в текстильный узор означает перевод объемных форм в плоский рисунок. При этом важно учитывать, как он будет выглядеть в дизайне платка и при его драпировке, и в развернутом виде. При создании рисунка ансамбля или отдельного сооружения мы всегда стремимся к точной и бережной передаче деталей.
- Сотрудничаете ли Вы с музеями или реставрационными проектами?
- На постоянной основе сотрудничаем со многими столичными и региональными музеями, с рядом из них созданы совместные арт-проекты. Это Музей Фаберже, музей-заповедник «Херсонес Таврический», музейно-храмовый комплекс «Новый Херсонес», Владимиро-Суздальский музей-заповедник, Музей современной истории России и другие. В июле 2025 года бренд «Русские в моде» стал победителем национального конкурса «Знай наших» в спецноминации «Культурный код» от Министерства культуры России. Наша компания получила поддержку государственного музея-заповедника «Херсонес Таврический», музея-заповедника «Павловск» и Политехнического музея. Совместно с брендом «Русские в моде» будет разработана и создана сувенирная продукция, отражающая уникальные коллекции учреждений культуры и духовные ценности России.
- Были ли в Вашей практике проекты, напрямую связанные с архитектурными памятниками? Например, платки с изображением соборов, усадеб или исторических городов?
- Да, таких проектов много. Необходимо упомянуть о нашем проекте «Культурный брендинг», который направлен на стратегическое продвижение территорий и организаций. Его цель – популяризация уникальности регионов. Совместно с учреждениями или в качестве самостоятельных инициатив под брендом «Русские в моде» вышли в свет платки, посвященные Музею современной истории России, где на полотне изображено историческое здание музея, линия аксессуаров, созданных совместно с музеем-заповедником «Херсонес Таврический» и музейно-храмовым комплексом «Новый Херсонес», платки «Казань драгоценная», специальная серия в партнерстве с Владимиро-Суздальским музеем заповедником. Один из последних платков, запечатлевший архитектурные доминанты региона, – «Крымская весна», произведенный совместно с Правительством Республики Крым в честь исторического воссоединения с Россией.
- В Ваших коллекциях представлены мотивы от Кавказа до Крайнего Севера. Как Вы выбираете регионы и культурные коды для своих работ? Есть ли у Вас любимый архитектурный или природный объект, который вдохновил на создание коллекции?
- В коллекциях бренда «Русские в моде» – изделия, вбирающие в себя базу традиционных орнаментов, узоров, росписей, народных промыслов и ремесел, природных доминант и современных образов нашей страны. Произведены платки для порядка 40 субъектов Российской Федерации, в планах воплотить в дизайне все 89, создав тем самым общую культурологическую «платочную карту» России. Отдельно стоит сказать о родине бренда «Русские в моде» – Екатеринбурге. Всего создано более десяти видов «уральских» платков, раскрывающих природное богатство, архитектурный облик и культуру региона. За вклад в сохранение и популяризацию культурного наследия УрФО в 2024 году получена благодарность от С. Н. Учайкиной, министра культуры Свердловской области.
- Как, по-Вашему, мода может способствовать сохранению и популяризации культурного наследия?
- Мода – это язык самовыражения. Изделия с традиционными, значимыми элементами региона или государства дают возможность потребителю продемонстрировать свою принадлежность, гордость, уважение к достоянию малой и большой Родины. Ориентированная на исконные ценности, мода также помогает формировать представление о богатстве духовной и материальной культуры страны.
Московский дизайнер Рустам Усманов создает проекты на стыке традиций и актуального дизайна. Его «этноборды» – скейтборды с орнаментами нижегородских и городецких наличников – стали символом нового прочтения народного искусства. А коллаборация с сетью «Вкусно – и точка» превратила резной декор в часть городской среды, дополнив исторические мотивы современным контекстом.
- Рустам, Ваш проект «этнобордов» соединяет традиционную резьбу с современной скейт-культурой. Сочетание скейтборда и наличника – как родилась такая неожиданная идея?
- Она родилась из эксперимента, когда я попробовал применить стили прошлого именно в каком-то современном объекте, чтобы можно было их использовать в мебели, в архитектуре. Так у нас родился готический скейт. Я решил продолжить поиски и начал думать о резной деревянной архитектуре на Руси, наткнулся на большое разнообразие наличников. Я понял их богатую палитру формы и цвета, при этом в них была какая-то лаконичность. Они сразу во мне вызвали эмоции и вдохновили на этот эксперимент.
- Ваши «этноборды» сочетают в себе художественную выразительность и форму скейтборда. При этом являются исключительно арт-объектом. Это осознанная творческая позиция или техническое ограничение?
- Да, я создавал их с целью получить не функциональный предмет, на котором можно было кататься, а, скорее, концептуальный, декоративный. Во-первых, есть технические особенности: мы не можем толстую доску, которая необходима для такого объема резьбы, использовать для катания, там нужна гибкость. Конечно, прокатиться можно, но это будет не очень удобно. Во-вторых, нижняя часть максимально красивая. Я изначально видел их как декоративный объект, который висит где-то в офисе или дома, эту роль он отлично исполняет.
- Совместно с Агентством по сохранению и развитию объектов исторической среды Нижегородской области Вы выпустили четыре борда, вдохновленные наличниками региона. Есть ли среди них особенные, с уникальной историей?
- Самый запоминающийся – розовый городецкий наличник. Он мне запомнился уникальной резьбой и образом самой русалки, правильнее сказать, фараонки. Почему фараонка? По легенде, это воины фараона, которые шли через расступившееся море. После того как закрылся «водный портал», они утонули и превратились в русалок. У моряков они служат оберегами. В корабельной резьбе очень часто использовали этот образ, который впоследствии перешел на наличники.
- Как родился замысел «брендоналичников»? Что именно стало той искрой, которая соединила традиционные наличники с современными брендами? Было ли это озарением при работе с «этнобордами» или реакцией на некий запрос времени?
- Замысел «брендоналичников» начался с предложения сделать мою персональную выставку. Я согласился и выбрал самый большой зал. Возник вопрос, как его заполнить, что выставлять, чтобы это было интересно зрителям и подчинено какой-то общей тематике. Я начал думать, можно ли развить тему наличников либо скейтов. Мы ушли в сторону наличников и в другие эксперименты. Было много идей: неоновый наличник, наличник из бетона, из арматуры... Вдохновленный наличниками, я поэкспериментировал. Так возникли наличники «Макдональдс», «Икея» и родилась коллекция из шести наличников.
- Ваши проекты привлекают внимание к сохранению наследия через неожиданные форматы. Кто Ваша главная аудитория?
- Об аудитории мне сложно судить, потому что люди довольно разные, но тем не менее в большинстве своем это люди, которые интересуются этнической идентичностью. Это про любителей именно современного искусства. Плюс дизайнеры. Соответственно, я максимально пытаюсь сделать эстетически привлекательной подачу проекта. Большая часть аудитории – это мои коллеги по работе и т. д.
Александра Weld Queen – скульптор, куратор паблик-арт-программ, направленных на устойчивое развитие территорий. Творчество Weld Queen – арт-объекты, вплетенные в городскую среду и диалог с традицией. Через металл и физический труд Александра говорит о свободе, преодолении стереотипов и личностном росте. Скульптуры и перформансы Weld Queen объединяют русскую идентичность с темами гармонии и развития, разрушая границы между прошлым и современностью.
- Александра, Ваши работы часто вписаны в природный или городской ландшафт. Как Вы выбираете место для паблик-арта?
- Место почти всегда предлагает заказчик – это может быть город, парк, компания или инициатива, связанная с развитием территории. Мне присылают локацию, и я начинаю с изучения ее особенностей: культурного контекста, среды, того, как люди используют это пространство каждый день. Я стараюсь понять, что важно для этого места, чем оно живет, какой у него характер. Паблик-арт для меня – это не просто украшение. Это способ установить связь между человеком и средой, сделать пространство более живым, значимым, понятным. Часто передо мной стоит задача передать в скульптуре дух района, города или организации. И тогда я ищу такую форму, которая будет уместна, честна и вовлечена в жизнь этого места.
- Ваши объекты, например «Солнце- Барабан» в Мурманске, становятся яркими точками притяжения. Считаете ли Вы, что современное уличное искусство может брать на себя функции, которые раньше выполняла монументальная скульптура?
- Да, я в этом уверена. Современный паблик-арт должен говорить с людьми на языке времени, отражая важные для нас ценности – память, силу духа, национальную идентичность, культурные традиции. В своих проектах я стараюсь создавать образы, которые не только украшают пространство, но и формируют новую городскую символику. Например, скульптура «Солнцекруг» в Мончегорске к 2025 году стала главным современным символом города – раньше этой ролью гордился памятник лосю, но, по результатам социологических опросов, жители теперь ассоциируют свой город именно с этим объектом. Многие мои объекты – интерактивные или звуковые, они включают человека в происходящее. Это создает глубокую связь между объектом, пространством и обществом. Именно так рождаются новые символы и новые смыслы территорий.
- Может ли искусство в публичном пространстве способствовать ревитализации объектов культурного наследия?
- Безусловно. Паблик-арт – сильный инструмент для переосмысления и «оживления» исторических пространств. Он помогает не только сохранить память о месте, но и установить связь между прошлым и настоящим. Например, если старый завод превращается в культурный кластер, паблик-арт может напомнить о его промышленном прошлом – о людях, производстве, достижениях, – но делать это на современном языке. В таких проектах искусство играет ключевую роль: оно возвращает внимание к месту, создает вокруг него новую точку притяжения и наполняет его актуальными смыслами.
- Вы работаете с металлом – материалом, который ассоциируется с индустриальным прошлым. Видите ли Вы потенциал в преобразовании заброшенных заводских территорий через искусство?
- Металл для меня – в первую очередь функциональный и выразительный материал, идеально подходящий для создания объектов в городской и природной среде. Он прочен, устойчив к погодным условиям, не требует сложного ухода. Особенно важно, что металл позволяет создавать скульптуры, с которыми можно взаимодействовать: трогать, играть, прислоняться к ним. Это делает его незаменимым в интерактивном и долговечном паблик-арте. Я действительно вижу потенциал в переосмыслении заводских территорий через искусство. Эти места несут в себе мощную историю труда, инженерной мысли, индустриального духа. Все это можно раскрывать с помощью паблик-арта.
- Ваш образ «Королевы сварки» бросает вызов стереотипам. Как, на Ваш взгляд, публичное искусство может менять восприятие «мужских» и «женских» профессий?
-Я верю, что профессия – это не про пол, а про готовность. Про внутреннее согласие человека идти в выбранное дело и быть в нем настоящим. Есть сферы, в которых требуется высокая физическая выносливость. Но в современном мире все больше ситуаций, когда женщина берет на себя задачи, которые раньше считались недоступными для нее. Когда я начала работать с металлом, у меня не было сомнений – ни в правильности выбора, ни в том, подходит ли мне этот материал. Меня тянуло к нему интуитивно. Я не делю профессии на мужские и женские. Через Weld Queen я разрушаю этот стереотип и создаю образ, в котором главное не пол, а внутреннее согласие с тем, что ты делаешь. Искусство дает возможность показать это без слов – просто быть, работать, творить и быть услышанной. Именно так и меняется восприятие и рождается ощущение, что есть «мое дело».
Беседовала Анастасия Казачинская, помощник Генерального директора по связям с общественностью и популяризации объектов культурного наследия ФГБУК АУИПИК
Больше материалов – в выпуске информационно-практического журнала «Охраняется государством»:
https://auipik.ru/upload/iblock/57c/k1xif2ovs5brrhtpvpmsue1zfadhvn5n/OKHRANYAETSYA-GOSUDARSTVOM-_-03-_2025.pdf