Миф №1: Чтобы стать художником, нужен талант.
Перестаньте беспокоиться о том, есть ли у вас талант стать художником! Одного таланта может быть недостаточно, чтобы вас запомнили как великого мастера. У некоторых людей действительно больше врожденных способностей к искусству, чем у других. Но постоянно рефлексировать на эту тему — это просто пустая трата вашей творческой энергии. Каждый может освоить основные техники живописи, и каждый способен постоянно развивать и совершенствовать свое мастерство. Наличие «таланта» не гарантирует, что вы станете хорошим художником, потому что для успешного творчества требуется нечто большее, чем просто умение.
«Но мне говорят, что у меня «есть талант» — преимущество веры (или убеждения других) в то, что у вас «есть талант» на начальном этапе, заключается в том, что многие художественные навыки поначалу даются вам легко. Вам, возможно, не придется прилагать много усилий, чтобы создать «хорошую» картину, и вы можете получить много положительных отзывов. Но рано или поздно вы достигнете точки, когда вашего таланта будет недостаточно. Что тогда?
Если вы усердно работали над развитием художественных навыков — от понимания того, как работают разные кисти до взаимодействия цветов, — и привыкли активно культивировать новые идеи для творчества, а не ждать, что творческие мысли придут к вам сами, то вы не зависите от прихоти так называемого «таланта».
А если вы считаете, что у вас вообще нет никакого художественного таланта? Давайте оставим в стороне банальности о том, что у каждого человека есть какие-то творческие способности и особый талант. Если бы вы действительно считали, что у вас нет никаких художественных способностей, у вас не было бы желания рисовать. Именно это желание в сочетании с упорством и систематическим изучением современных техник делает художника успешным.
Как говорил Дега, «У каждого есть талант в 25 лет. Трудность заключается в том, чтобы сохранить его и в 50».
Миф №2: Живопись должна быть легкой.
Существуют техники, которым может научиться каждый (например, штриховка, правила перспективы, теория цвета и т. д.), чтобы создать картину за относительно короткое время. Но чтобы выйти за рамки техничности и следованию правил художественной академии, требуются настоящие усилия. Как и любое великое мастерство, такая мнимая легкость достигается годами упорного труда и практики.
Если вы изначально считаете, что живопись должна быть легкой, вы обрекаете себя на разочарование и фрустрацию. С опытом некоторые аспекты действительно становятся проще — например, вы знаете, каким будет результат, когда нанесете один цвет поверх другого, — но это не значит, что закончить картину легко.
Миф №3: Каждая картина должна быть идеальной.
Совершенство — нереалистичная цель, и стремление к нему удержит вас от попыток рисовать темы, которые «слишком сложны» для ваших нынешних навыков. Разве вы не слышали о том, чтобы «учиться на своих ошибках»? Вместо того чтобы стремиться к совершенству, старайтесь, чтобы каждая картина чему-то вас научила, и рискуйте все испортить, пробуя что-то новое просто ради того, чтобы посмотреть, что получится. Бросьте себе вызов, берясь за новые темы и техники, которые на первый взгляд кажутся «слишком сложными».
Конечно, если не получается добиться желаемого результата, вы расстроитесь, что потратили время и материалы, но, как гласит избитая фраза, «Если с первого раза не получилось, пробуй снова и снова». Если вы допустили ошибку, попробуйте закрасить проблемный участок. Оставьте его на ночь и вернитесь к работе утром. Бывают моменты, когда лучше просто признать поражение на время и отложить работу на более длительный срок. Помните, что даже незаконченные работы и черновые наброски великих мастеров прошлых веков теперь выставляются в музеях мира как сокровища.
«Не бойтесь совершенства, вы никогда его не достигнете» — цитата Сальвадора Дали.
Миф №4: Если ты не умеешь рисовать, ты не умеешь писать картины.
Картина — это не просто раскрашенный рисунок. Живопись требует особых навыков. Даже если вы эксперт в изучении живописи, вам все равно необходимо научиться рисовать.
Некоторые художники предпочитают делать подробные эскизы, используя их в качестве образца перед началом работы над картиной, а другие — наоборот делают наброски прямо на холсте. Это значит, что рисование — это не просто начальный этап создания картины. Навыки рисования, безусловно, помогут вам в живописи, но если вам не нравится, к примеру, использовать карандаши и уголь, это не значит, что вы не можете научиться рисовать.
Никогда не позволяйте убеждению, что вы «даже прямую линию нарисовать не умеете», помешать вам открыть для себя удовольствие, которое может принести живопись.
Миф №5: Рисовать на маленьких холстах проще, чем на больших.
Рисовать на маленьких холстах не обязательно проще, чем на больших. Разные размеры холстов создают свои сложности. Время, необходимое для завершения работы над картиной на маленьком или большом холсте, может даже не отличаться. Миниатюры крошечные, но на их изготовление, безусловно, уходит немало времени!
Выбор большого или маленького размера картины зависит не только от сюжета (некоторые сюжеты просто требуют определенного масштаба), но и от желаемого эффекта. Например, огромный пейзаж будет доминировать в комнате так, как никогда не смогли бы сделать небольшие полотна.
Кроме того, если ваш бюджет на художественные материалы ограничен, у вас может возникнуть соблазн использовать небольшие холсты, поскольку вы думаете, что для них требуется меньше краски. Однако холст среднего размера научит вас рисовать как детали, так и большие участки, расходуя при этом гораздо меньше краски, чем вы опасаетесь. Подумайте об использовании красок ученического качества для этюдов и набросков начальных цветов. Профессиональные дорогостоящие краски хорошего художественного качества оставьте для последующих слоев.
«Вы можете поверить, что нарисовать фигуру высотой около фута совсем не легче, чем нарисовать маленькую? Наоборот, это гораздо сложнее» — Ван Гог.
Миф №6: Чем больше цветов вы используете, тем лучше.
Контраст и тон важнее количества используемых цветов. Смешивание большого количества цветов в картине — это верный путь к созданию «мутной» картины. Наполнить свою палитру красок множеством цветов очень легко, и это, безусловно, заманчиво, учитывая разнообразие доступных оттенков. Но каждый цвет имеет свою «индивидуальность» или характеристики, которые необходимо знать, прежде чем переходить к другому оттенку или смешивать его.
Начните с простой теории цвета. Возьмите два дополнительных цвета, например, синий и оранжевый. Используйте их для создания картины и посмотрите, что у вас получится. Разве она не будет более динамичной, чем картина, охватывающая весь спектр цветов?
Потратьте время на изучение картин Рембрандта , полных землистых коричневых и желтых оттенков. Трудно найти кого-либо, кто бы стал спорить с тем, что мастеру следовало бы «оживить» свои полотна большим количеством цветов. Вместо этого, такая ограниченная палитра лишь усиливает мрачность работ.
«Цвет напрямую влияет на душу. Цвет — это клавиши, глаза — молоточки, душа — пианино со множеством струн. Художник — это рука, которая играет, целенаправленно касаясь той или иной струны, чтобы вызвать вибрации в душе» — Василий Кандинский.
Больше интересных творческих инструкций смотрите на нашем сайте.