Серия марок СССР 1978 года с репродукциями живописи Кузьмы Петрова-Водкина выглядит как миниатюрная картинная галерея на конверте.
Обзор серии 1978 года
В 1978 году, к 100-летнему юбилею со дня рождения художника Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина, Почта СССР выпустила памятную серию почтовых марок с репродукциями его знаменитых картин. Эта серия из пяти марок (тираж – 7,4 миллиона экземпляров) стала настоящей мини-галереей – каждое почтовое миниатюрное полотно позволяло прикоснуться к шедеврам русского искусства прямо на конверт. Почему советская почта решила увековечить именно Петрова-Водкина? Дело в том, что он – один из ярчайших художников начала ХХ века, чьи работы совмещают традиции иконописи, символизм и новаторство, и к 1978 году интерес к его творчеству переживал новый подъём. Марки стали способом поделиться этими картинами с широкой публикой: отправляя письмо, люди словно рассылали друг другу фрагменты национального художественного наследия.
В серии представлены пять произведений художника разных жанров: от монументальной символичной композиции до камерных натюрмортов. Каждая марка – это отдельная история и образ эпохи. Ниже мы рассмотрим их по очереди, окунёмся в сюжет, художественные особенности и узнаем, где хранятся оригиналы картин.
«Купание красного коня» (1912)
Начинает серию легендарное «Купание красного коня» – самая известная и символическая работа Петрова-Водкина. На марке мы видим могучего ярко-рыжего коня с юношей-наездником, заходящего в воду. На фоне – светлое небо и речная гладь. Полотно, созданное в 1912 году, принесло художнику мировую известность и впоследствии обрело почти мифический статус. Многие усматривали в образе огненно-красного коня пророческий символ – революционное обновление, энергию молодого поколения и жизненные силы, которые вскоре захлестнут Россию. Искусствоведы отмечают яркие чистые краски и необычную перспективу картины, создающие ощущение движения и динамики. Недаром критики ставят «Красного коня» на первое место среди работ мастера – картине приписывают почти магическую силу предвидения событий Первой мировой и революцииhobbykeeper.com. Сам художник, уже после 1917 года, воскликнул: «Так вот почему я написал “Купание красного коня”!» – когда грянула революция, он понял символическое значение своего образа.
Помимо символики, впечатляет художественный язык картины. Петров-Водкин сочетал в ней академическую выучку с новаторством: мощная фигура коня занимает почти всё пространство, обрезаясь краями холста, что было смелым приёмом для того времени. Красный цвет – доминирующий, он притягивает взгляд (сам художник любил рассуждать о трёх “основных” цветах – красном, синем, жёлтом – как философских категориях бытия). Гладкая поверхность воды отражает небо, создавая ощущение спокойствия перед бурей. Юный наездник обнажён – это не герой-богатырь, а скорее аллегорический образ нового человека на пороге больших перемен.
Оригинал «Купания красного коня» сегодня хранится в Москве, в коллекции Государственной Третьяковской галереи (в Новой Третьяковке, отделе искусства ХХ века). Интересно, что полотно долгие годы находилось за границей и вернулось в Россию лишь в 1960-е, став подлинной жемчужиной музейной коллекции. Теперь же миниатюрное изображение этого шедевра разлетелось миллионами копий по всему миру на советских почтовых конвертах – своего рода триумфальное шествие «Красного коня» в массы.
«1918 год в Петрограде» («Петроградская мадонна», 1920)
Следующая марка серии переносит нас в послереволюционный Петроград. Картина «1918 год в Петрограде» (написана в 1920 г., часто упоминается под названием «Петроградская мадонна») изображает городскую сцену после потрясений революции. Центральный образ – женщина-мать с младенцем на руках, стоящая на фоне холодного петроградского двора или улицы. Петров-Водкин выбрал, казалось бы, простой мотив матери и ребёнка, однако композиция наполнена скрытым символизмом и надеждой. Недаром эту фигуру матери с ребёнком назвали впоследствии «Петроградской мадонной», увидев в ней перекличку с традиционными изображениями Богородицы. В измождённом лице женщины, прижимающей малыша, читаются скорбь и решимость. На заднем плане едва намечены фигуры людей и архитектура Петрограда – город пережил войну и революцию, впереди голодные годы, холод.
Художественно картина интересна сочетанием геометричности и эмоциональности. Композиция выстроена на чётких формах: угол дома, прямоугольники окон – всё словно подчёркивает жёсткие реалии времени. При этом контрастные цвета – приглушённо-синие, охристые, серые – и центральное светлое пятно фигуры матери создают сложное, но гармоничное единство. Мать с ребёнком буквально в центре композиции, вокруг них – пустота и холод, что усиливает впечатление иконного образа надежды среди хаоса. Искусствоведы отмечают, что новое название картины стало очень точным: Петров-Водкин воссоздал христианский символ надежды, спасения и обновления в пережившем революцию городе. В глазах матери – и усталость, и светлая вера в будущее, что придаёт полотну возвышенное звучание.
Оригинальная картина «1918 в Петрограде» экспонируется в Государственной Третьяковской галерее в Москве, соседствуя там с «Красным конём». На почтовой марке 1978 года эта мадонна революции обрела новую жизнь: миллионы людей, возможно, впервые увидели это полотно именно благодаря почте. В контексте серии марок образ матери с младенцем символически уравновешивает героическую динамику «Красного коня» – он напоминает о том, ради чего совершались революционные потрясения (ради будущего поколений, ради новой жизни) и какой ценой далось обновление страны.
«Смерть комиссара» (1928)
Третья марка серии – драматическая картина «Смерть комиссара», написанная Петровым-Водкиным в 1928 году и посвящённая событиям Гражданской войны. На марке мы видим сюжет: смертельно раненый красный комиссар падает на руки своему ординарцу (солдату-товарищу). На заднем плане полотна – фигуры красноармейцев: один боец уже лежит без чувств, другие с винтовками уходят вдаль, возможно, продолжая бой. Земля и небо почти сливаются в приглушённых тонах, вся композиция сосредоточена на трагическом дуэте переднего плана. Художник создал образ героической гибели: комиссар одет в тёмную кожанку, на груди – красный бантик революционера, голова запрокинута. Ординарец бережно поддерживает умирающего. Эта сцена стала своего рода иконой гражданской войны в советском искусстве.
Интересно, что Петров-Водкин при создании картины уделял особое внимание цветовой символике. Он разработал собственную концепцию “трёхцветия” – взаимодействия трёх главных цветов. В «Смерти комиссара» доминируют зелёный, голубой и охристый тона – именно на сочетании этих цветов построено всё полотно. Холодновато-голубое небо, желтовато-охристая пыльная земля и зелёные гимнастёрки бойцов создают напряжённый колорит, подчёркивающий трагизм момента. Красный цвет тоже присутствует – алый бант на груди комиссара и знамёна вдали – как символ революции, за которую герой отдаёт жизнь. Композиционно фигуры образуют пирамиду, устойчивую и в то же время надломленную, что придаёт сцене монументальность и эмоциональную глубину.
Картина «Смерть комиссара» занимает центральное место в позднем творчестве Петрова-Водкина и считается одним из важных произведений советского изобразительного искусства. Искусствоведы отмечают, что этим полотном художник как бы завершил философский этап своего пути, осмыслив героику и жертву революционных лет. Оригинал хранится в Санкт-Петербурге, в Государственном Русском музее – там находится один из вариантов картины. На почтовой марке сцена гибели комиссара получила новое звучание: теперь она разошлась по всему Союзу, напоминая о цене победы в Гражданской войне. Для филателистов эта марка ценна не только сюжетом, но и художественной проработкой – миниатюра точно передаёт экспрессию лиц и поз, оттенки формы и неба. Культурно включение «Смерти комиссара» в серию подчеркнуло роль искусства в формировании исторической памяти: почтовая марка зафиксировала в массовом сознании образ мужества и самопожертвования.
«Розовый натюрморт» (1918)
Четвёртая марка серии представляет совсем иной жанр – натюрморт, а именно картину «Розовый натюрморт» 1918 года. После драматизма предыдущих сюжетов этот небольшой тихий уголок быта на марке смотрится неожиданно лирично. На картине изображены простые предметы на столе – по воспоминаниям, это могли быть фрукты (например, яблоки или груши) на фоне розоватой скатерти или стены. Название говорит само за себя: композицию объединяет нежно-розовый тон, создающий ощущение тепла и уюта. Петров-Водкин написал этот натюрморт в год, когда страна переживала голод и разруху, – возможно, поэтому особенно удивительно, сколько гармонии и покоя он сумел передать в изображении обыденных вещей.
Художник вообще в 1918–1920 годах много обращался к жанру натюрморта, находя в простых вещах особый смысл. В «Розовом натюрморте» нет героев или действий – лишь “малый мир” предметов, как называл это сам Петров-Водкин. Но каждый предмет выписан с любовью: будь то спелое яблоко, цветок в стакане или кусок хлеба – всё дышит жизнью, светом. Предметы как бы разговаривают друг с другом на своём языке, взаимодействуют в пространстве картины Художник обращал внимание на красоту простого и подчеркивал значимость обыденного. Даже в натюрморте он искал философские обобщения: возможно, розовый цвет здесь символизирует луч надежды на мирную жизнь, семейный уют на фоне бурь истории.
Оригинал «Розового натюрморта» сейчас хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве. На почтовой марке его нежная цветовая гамма и утончённая простота слегка контрастируют с помпезностью привычных советских марок тех лет – и в этом особое очарование. Коллекционеры ценят эту марку за тонкий рисунок: даже в миниатюре можно разглядеть и листья, и фактуру плодов. Культурное значение включения натюрморта в серию огромно: оно показывает, что советская культура гордилась не только героическим, но и повседневным, умела ценить красоту мирной жизни. «Розовый натюрморт» на марке – как напоминание, что революция и войны рано или поздно сменяются тихим утром с чашкой чая и фруктом на столе.
«Утренний натюрморт» (1918)
Последняя марка основной серии – ещё один натюрморт Петрова-Водкина, часто называемый «Утренний натюрморт» (1918). Это, пожалуй, один из самых поэтичных его натюрмортов, и марка прекрасно передаёт атмосферу раннего утра. На картине художник изобразил самые простые вещи: начищенный до блеска металлический чайник (или самоварчик), стоящий на столе стакан чая, несколько белых яиц, спичечный коробок, букет полевых цветов (ромашек) – и даже забавную деталь: небольшая собачка выглядывает сбоку композиции (как ни странно, да – на самом полотне есть изображение собаки, отражённой или присутствующей). Все эти предметы объединены мягким утренним светом. Художник выбрал высокую точку зрения – мы как бы смотрим на стол сверху, из-за чего видим и круглые, и гранёные формы одновременно, как если вращали взглядом по кругу. Такое ощущение движения глаза создаёт эффект сферической перспективы, к которой Петров-Водкин нередко обращался. Предметы на столе “переговариваются” друг с другом бликами и формами: блестящий чайник отражает гранёный стакан и ложечку, цветы легки, словно мотыльки, а яйца столь совершенны по форме, что кажутся почти бесценными произведениями природы. Романтическую ноту добавляют ромашки – «цветы легки как мотыльки. Они – обещание счастья, хоть и недолгого, эфемерного», как образно заметил один искусствовед. Вся композиция дышит тишиной и надеждой.
Интерпретируя этот натюрморт, критики отмечают, что Петров-Водкин сумел придать обычному утру символическое значение «нового утра для нового мира». Цветовая гамма здесь очень светлая, чуть разбеленная, вызывающая ассоциации с прозрачностью раннего летнего рассвета – своего рода символического утра новой эпохи после ночи потрясений Картина была написана летом 1918 года, сразу после тяжёлых для страны событий, и в ней – тихое ликование от простых радостей мирной жизни, от красоты окружающих вещей.
Оригинал «Утреннего натюрморта» находится в Санкт-Петербурге, в собрании Государственного Русского музея. Почтовая марка запечатлела его в уменьшенном виде, но не утратила прелести: на ней различимы и маленькие ромашки, и очертания чайника. Для серии 1978 года этот натюрморт стал финальным аккордом, подчеркивающим визуальную красоту и уникальность каждой марки. Если «Красный конь» давал нам энергию и мощь, то «Утренний натюрморт» дарит чувство покоя и надежды. В стиле Дзена можно сказать: после бурь и потрясений всегда наступает утро с чашкой горячего чая и ласковым солнцем – и в этом тоже мудрость, сохранённая в марках.
Культурное значение серии
Серия марок с репродукциями Петрова-Водкина – больше, чем просто филателистический выпуск. Она стала культурным событием. В СССР искусство всегда занимало особое место в идеологии, и выпуская марки с картинами, государство словно говорило: «Это наше достояние, гордитесь им вместе с нами». Шедевры Петрова-Водкина, напечатанные многомиллионным тиражом, превратили каждое почтовое отправление в маленькую выставку искусства. В конце 1970-х далеко не у всех была возможность часто ходить в музеи, а благодаря маркам люди по всей стране (и за её пределами) увидели на конвертах знаменитые полотна. Филателия в тот момент выполняла просветительскую функцию: марки популяризировали наследие русского авангарда, напоминая о духовных ценностях в повседневной жизни.
Включение именно этих пяти работ Петрова-Водкина было символичным. Они представляют разные грани его творчества – от революционной эпопеи до интимных натюрмортов – и вместе показывают панораму эпохи. Через марку с комиссаром – память о борьбе и жертве, через мадонну – гуманизм и надежда, через натюрморты – ценность мирной жизни и красоты вокруг. Таким образом, серия 1978 года стала своего рода художественным летописцем советской истории и культуры начала ХХ века, запечатлённым на почтовых миниатюрах. Это подчёркивает и преемственность: в год столетия художника страна вспоминала о нём не сухим некрологом, а яркими изображениями его работ, которые дошли до каждого почтового ящика.
Коллекционирование и сохранность: взгляд из сегодня
Сегодня, спустя десятилетия, серия марок СССР 1978 года по картинам К.С. Петрова-Водкина остаётся желанным экспонатом в коллекциях многих филателистов. Как оценивать и хранить такие марки? Прежде всего, ценность их не столько материальная (тираж был большой, и на аукционах эти марки доступны по умеренной цене), сколько культурная и эмоциональная. Коллекционеры ценят их за художественную значимость – по сути, каждая марка представляет известный музейный экспонат. Чтобы марочные шедевры радовали глаз и дальше, их берегут как настоящие картины: хранят в специальных альбомах или кляссерах, защищают от прямого солнечного света и влаги, стараются не брать пальцами (используют филателистические пинцеты, чтобы не повредить рисунок и клей). Ведь цвета на этих марках – от алого коня до нежно-розовых оттенков утреннего стола – хочется сохранить яркими, как в день печати.
Оценка серии у коллекционеров чаще носит личный характер. Для кого-то она ценна тем, что напоминает о походе в музей в школьные годы или о первой коллекции марок, которую собирали вместе с родителями. Другие видят в ней продолжение традиции изображать на марках шедевры мирового искусства – традиции, которая жива и сегодня. Интересно, что сюжеты Петрова-Водкина не утратили актуальности: его картины по-прежнему выставляются, изучаются, вызывают дискуссии. А марки 1978 года служат мостиком между поколениями – молодые коллекционеры через них узнают об искусстве прошлого, а старшие с ностальгией вспоминают времена, когда эти марки только вышли.
В эпоху цифровой связи почтовая марка стала редким гостем, но именно поэтому собрание таких винтажных марок сегодня особенно ценно. Держать в руках маленькую гравюру с «Купанием красного коня» – значит прикоснуться и к истории искусства, и к истории страны. Коллекционеры, специализирующиеся на теме «живопись на марках», высоко ценят серию за цельность подбора сюжетов и высокое качество полиграфии. А для любого любителя прекрасного эти марки – напоминание, что искусство окружает нас повсюду, даже в таком утилитарном предмете, как почтовая марка.
Подводя итог, серия почтовых марок СССР 1978 года с картинами Кузьмы Петрова-Водкина – это не просто набор знаков почтовой оплаты, а живой альбом эпохи и творчества. Бережно хранимые в альбомах, эти мини-шедевры продолжают радовать глаз, вдохновлять на изучение истории искусства и дарить эстетическое удовольствие. Они актуальны и сегодня – как часть культурного кода, как объект коллекционирования и просто как красивая маленькая картина, которая может приехать к вам… на конверте из прошлого.