Давайте пройдемся по Национальной галерее Болгарии и познакомимся с творчеством болгарских художников.
Они не всемирно известны, но заслуживают внимания, так как привносят болгарский колорит в свои произведения.
Давид Перец «Пейзаж из Смоляна» (1938)
Картина наполнена чувством глубокой связи человека с землёй и природой Родоп. Перед зрителем раскрывается осенний горный пейзаж — тяжёлые облака нависают над вершинами, деревья окрашены в приглушённые, но насыщенные тона: охру, зелень, бордо.
Родопы — это горная цепь, расположенная на юге Болгарии и частично в северо-восточной Греции. Это одни из самых живописных и древних гор на Балканах, покрытые густыми лесами, с мягкими очертаниями вершин, глубокими ущельями и множеством рек. Родопы славятся не только природной красотой, но и богатым фольклором, песнями, старинными обычаями и особым, почти мифическим духом, который чувствуется в каждой деревне.
Внизу, на первом плане, видна фигура женщины в традиционной болгарской одежде — она трудится на поле, словно часть этого ритма природы. Её движение плавно вписано в волнообразную структуру холмов и борозд, которые художник передаёт энергичными, почти скульптурными мазками.
Палитра землистая, густая, рельефная — Перец использует фактуру краски, чтобы подчеркнуть плотность воздуха и земли. Картина дышит тяжеловесной красотой болгарской природы, её трудом и достоинством, а также ощущением вечного цикла — жизни, осени, ожидания.
______________________________________________________________________
Картина Любена Гайдарова «Поцелуй» (1970-е) — выразительный пример болгарского авангардного искусства второй половины XX века.
Художник использует язык кубизма и экспрессионизма, чтобы передать одно из самых интимных и универсальных человеческих чувств — любовь.Две фигуры, сведённые в момент поцелуя, изображены как пересечение острых, ломаных плоскостей и цветовых пятен. Их лица будто вырезаны из света и тени — условные, но полные внутреннего движения. Композиция строится на контрасте тёплых охристых и холодных синих тонов, создающих ощущение напряжения и эмоционального накала.Гайдаров сводит форму к символу: поцелуй становится не просто жестом, а слиянием двух миров, духовным соединением. Его «Поцелуй» — это не повествование, а образ чувства, застывшего в геометрии, но дышащего живой человеческой энергией.
Картина Любена Гайдарова «Страх» (1980-е) — мощное, экспрессионистское произведение, в котором художник превращает человеческое чувство ужаса в символическое изображение внутреннего крика.
В центре — фигура, словно сжатая самой собой, застывшая в позе отчаяния. Её тело разорвано на острые геометрические плоскости, будто изломано изнутри. Лицо — маска ужаса, с широко раскрытым ртом, кричащим без звука. Цветовая гамма построена на контрасте холодных серо-синих тонов и густо-коричневого фона, усиливающего ощущение безысходности и замкнутости.
Гайдаров использует кубоэкспрессионистскую форму, чтобы выразить не внешнюю, а психологическую реальность — состояние человека перед лицом страха, войны, одиночества или внутреннего надлома.
Это произведение можно рассматривать как аллегорию XX века, с его тревогами и потерей веры в устойчивость мира. В нём Гайдаров поднимается от личного к универсальному, превращая индивидуальную эмоцию в художественный образ, полный трагической силы и философской глубины.
______________________________________________________________________-
Картина Моисея Бенционa «Вид из Исвора в горах Осогово» (1930-е) — поэтичное изображение болгарской природы, передающее ощущение тишины и вечности горного ландшафта.
Перед зрителем раскрывается живописная долина, окружённая массивами зелёных холмов и скал. Внизу — небольшие домики с красными крышами, утопающие в деревьях, а извилистая дорога ведёт взгляд к подножию гор. Всё пространство наполнено мягким светом, словно воздух сам становится частью композиции.
Художник использует пастозную живопись — густые, выразительные мазки создают рельеф поверхности, передавая фактуру травы, листвы и камней. Цветовая гамма — сдержанная, естественная, с преобладанием зелёных и коричневато-серых тонов, — рождает чувство покоя и глубины.
Бенцион с любовью изображает болгарскую землю как живое существо, гармоничное и вечное. Его пейзаж — это не просто вид, а размышление о красоте и устойчивости природы, о внутреннем равновесии, которое она дарит человеку.
____________________________________________________________________
Картина Цено Тодорова «Порт» — это живописное изображение прибрежного города, полное движения, света и морского воздуха.
Перед зрителем открывается вид на гавань: в глубине стоят крупные суда с дымящими трубами, ближе к берегу — небольшие рыбацкие лодки, покачивающиеся на воде. Поверхность моря написана свободными, волнистыми мазками, в которых отражается небо, дым и солнечный свет.
Художник мастерски передаёт жизнь порта — сочетание суеты, труда и красоты. Несмотря на индустриальный сюжет, в картине чувствуется романтика моря: лёгкий бриз, запах соли и ощущение бесконечного горизонта.
Палитра — насыщенная, но естественная: серо-зелёные, охристые и голубоватые тона создают ощущение влажного морского воздуха. Композиция динамична, но уравновешена, что подчёркивает профессиональное мастерство Тодорова как художника, умеющего видеть поэзию в повседневном и мощь в обыденной жизни.
____________________________________________________________________
Это работа Сирака Скитника (Sirak Skitnik, 1883–1943) — «Ваза с цветами», 1935 год.
Сирак Скитник — одно из ключевых имён болгарского модернизма, художник, писатель и культурный реформатор, стремившийся соединить европейские художественные течения с национальными традициями.
В этой картине он обращается к жанру натюрморта, но делает это в духе экспрессионизма. Простая ваза с цветами превращается в символ внутреннего мира художника. Тяжёлый фон, густые мазки, напряжённый контраст между золотистыми и серо-фиолетовыми тонами создают ощущение тревожной гармонии.
Жёлтая ваза словно светится изнутри, противопоставляясь мрачному окружению. Цветы — нежные, почти эфемерные — кажутся хрупкими проблесками надежды в мире, где всё погружено в тень.
Работа отражает типичную для Скитника духовную драму и поиск света, характерные для его философии искусства. Он верил, что живопись должна не просто изображать, а раскрывать внутренние состояния души, и этот натюрморт — как раз об этом: о жизни, свете и хрупкости красоты.
______________________________________________________________________
Это картина Ивана Христова (1922–1995) — «Зимний пейзаж».
Иван Христов — болгарский живописец, известный своими тонкими, почти графичными пейзажами. Он принадлежит к поколению художников, которое стремилось уйти от декоративности и ярких красок, характерных для живописи 1950-х годов, к сдержанной выразительности и внутреннему созерцанию.
В этом произведении чувствуется влияние северного реализма — строгий ритм композиции, холодная, почти монохромная палитра, внимание к тишине пространства. Зимний пейзаж у Христова — это не просто вид природы, а состояние души, наполненное покоем, меланхолией и лёгкой отстранённостью.
Серые и охристые тона создают впечатление прозрачного, холодного воздуха. Всё замерло: лёд, деревья, поле — но в этой неподвижности есть внутренняя жизнь, дыхание света.
Работы Ивана Христова часто воспринимаются как поэзия в красках, где внешняя простота скрывает глубокое чувство природы и времени.
______________________________________________________________________
Это картина Ивана Бояджиева (1894–1981) — «Автопортрет с музами» (Self-portrait with Muses, 1928).
Работа представляет собой редкий пример символистской живописи в болгарском искусстве межвоенного периода. На картине художник изображает себя с палитрой и кистями — уверенным, сосредоточенным, с пристальным взглядом, обращённым к зрителю. За его спиной — эфемерная фигура женщины, символ музы, вдохновения, красоты, но также — внутреннего мира художника.
Фон картины состоит из плавных, почти музыкальных линий и мягких, перетекающих цветов — розовых, охристых, золотистых и зелёных. Всё это создаёт ощущение психологической глубины и внутреннего диалогамежду творцом и вдохновением.
Иван Бояджиев принадлежал к поколению болгарских художников, которые стремились соединить реализм с духовностью и эстетизмом модерна. Его работы часто отражают личные переживания, размышления о предназначении искусства и роли художника.
В «Автопортрете с музами» ощущается тема одиночества творца, его стремление к идеалу и к гармонии. Палитра в руках художника — не просто инструмент, а символ силы, соединяющей материю и воображение.
Эта картина — своего рода манифест художника, который видит живопись не как ремесло, а как акт внутреннего откровения и духовного служения.
____________________________________________________________________
Эта изысканная картина — «После заката» (After Sunset, 1920-е) — принадлежит кисти Николая Райнова (1889–1954), одного из самых загадочных и многогранных болгарских художников, писателя, философа и символиста.
Перед нами не просто пейзаж — это поэма о тишине и тайне природы, написанная языком цвета и орнамента. Солнце уже скрылось за горизонтом, небо горит оранжево-алым пламенем, и тьма постепенно вступает в свои права. Внизу — тонкий узор листвы, ягод, трав, будто созданный ювелиром. Райнов превращает каждое растение в мистический знак, а землю — в ковер из символов, наполненных дыханием жизни.
Всё пространство картины кажется одновременно реальным и нереальным. Линии строгие, почти декоративные, как в византийской иконе или восточном орнаменте, но краски живут, дышат, переливаются, создавая ощущение космической гармонии.
Для Райнова искусство было мостом между видимым и невидимым. В его мире закат — не конец дня, а момент перехода: когда свет умирает, чтобы возродиться в новой форме. Картина «После заката» словно зовёт зрителя в это таинственное мгновение, когда время замирает, и человек чувствует себя частью великого, вечного дыхания Вселенной.
_____________________________________________________________________
Картина Стояна Венева «Горянин» («Mountain Dweller», 1943) изображает сильного, сурового мужчину, живущего в горах — символ независимости и внутренней мощи болгарского народа.
На фоне густого леса стоит пожилой человек с топором в руках. Его лицо сурово, испещрено морщинами, взгляд — прямой и усталый, но твёрдый. Одежда простая, рабочая, но в его позе чувствуется достоинство и уверенность.
Художник использует тёмные, землистые тона — коричневые, серые, зелёные, что создаёт атмосферу плотного леса и одиночества. Но через этот мрак пробивается ощущение стойкости и внутреннего света.
Образ горянина — не просто крестьянин или дровосек. Это собирательный символ человека, близкого к природе, сильного духом, свободолюбивого и независимого, как сама болгарская земля. Картина звучит как гимн стойкости и достоинству простого человека, укоренённого в своей земле и традиции.
_____________________________________________________________________
Картина Ивана Пенкова «Велики пости» («Великий пост», около 1924 года) поражает своей тишиной и внутренней сосредоточенностью.
На полотне изображён интерьер монашеской кельи или маленькой церкви. В центре — иконный угол, освещённый слабым светом свечи. В полумраке угадывается фигура монаха — чёрный силуэт, склонившийся в молитве. Пространство вокруг почти пусто, только несколько предметов, кувшин, тени, и приглушённые цвета — серые, коричневые, тёмно-синие — создают ощущение смирения и духовного уединения.Пенков здесь не просто изображает религиозный сюжет — он передаёт состояние поста как время внутреннего молчания, покаяния и очищения. Свет от свечи становится символом веры, тихого присутствия Бога в темноте человеческой души.Картина минималистична и глубоко поэтична. В ней чувствуется влияние иконописи — строгие линии, символичность цвета, духовная глубина. Это не просто сцена — это молитва в красках, обращённая к зрителю.
______________________________________________________________
Эта картина — работа Цанко Лавренова (1896–1978) под названием «Старият Пловдив» («Старый Пловдив», 1938).
На полотне изображён знаменитый старинный квартал Пловдива — живописный ансамбль домов, церквей и улиц, выстроенных на холмах. Город словно вырастает из скал, стремясь к небу. Лавренов изображает его не реалистично, а как поэтический символ, где каждая деталь дышит историей.
Внизу, на переднем плане, идут люди с быками и повозками — сцена из повседневной жизни, а над ними — яркий, многоуровневый город, полный красок и света. Над крышей нависает тяжёлое небо, словно буря или вечерняя тень, — контраст, придающий картине драматическую глубину.
Колорит насыщен тёплыми терракотовыми, охристыми и серо-зелёными оттенками. Мастер создаёт ощущение древности и духовного величия, как будто сам город — живой организм, соединяющий прошлое и настоящее.
Эта работа — настоящий гимн болгарскому наследию. Лавренов превращает Пловдив в метафору болгарского духа — стойкого, красивого, построенного на камнях истории и освещённого внутренним светом.
_________________________________________________________________
_______________________________________________________________
Картина «Аллея в тропическом парке» (1932) болгарского художника Кирила Цонева поражает своей строгой гармонией и ритмом. Высокие стволы деревьев образуют как будто архитектурный свод, превращая природу в храм. Узкая тропинка, уходящая вдаль, создаёт ощущение тишины и таинственного движения вглубь — словно зритель приглашён пройти в мир созерцания и покоя.
Цонев, один из крупнейших представителей болгарского модернизма, соединяет здесь декоративность формы и философскую глубину. Его лес — не просто пейзаж, а метафора пути, поиска гармонии между человеком и природой.
Картина «Чепеларе» (1943) художника Васила Баракова передаёт тихое очарование болгарской природы и деревенской жизни. На холсте изображён горный пейзаж с домами, уютно расположившимися среди зелени. Густые деревья, мягкий свет и насыщенные краски создают ощущение покоя и гармонии.
Бараков, один из основателей группы «Родно изкуство» («Родное искусство»), стремился показать красоту болгарской земли без идеализации — просто, искренне, с любовью. В этой работе чувствуется дыхание Родопских гор, где природа и человек живут в едином ритме.
Картина «Натюрморт с кувшином» (1938) Васила Баракова — образец зрелого мастерства художника, умевшего превращать простые вещи в поэтические символы. На тёмном фоне выделяются белый кувшин и фрукты — груши, инжир, виноград. Их приглушённые цвета создают впечатление покоя и внутренней гармонии.
Бараков стремился передать дух повседневности, но при этом его натюрморты наполнены философским смыслом: это размышление о времени, созревании и тишине. Лаконизм форм и мягкий свет превращают композицию в почти медитативную сцену, где каждая деталь кажется одушевлённой.
Картины Генко Генкова (1923–2006) из серии «Пейзаж» — это взрыв цвета и энергии, превращённый в живописную музыку. Художник не просто изображает природу — он переживает её, передаёт её дыхание, пульс, внутреннюю силу.
Его мазки густы, почти скульптурны, краска ложится рельефом, создавая ощущение движения и ритма. В «Пейзаже XXVI» красные и пурпурные оттенки становятся символами земли и страсти, а домики и деревья — не детали, а живые аккорды в большой симфонии цвета.
Генков известен своей свободой и мощным темпераментом: его пейзажи — не спокойное наблюдение, а эмоциональный взрыв, где болгарская земля звучит как песня, полная силы, грусти и света.
Картина «Зима в Старом Пловдиве» (1987) Димитра Кирова — это поэтическое и драматичное воспоминание о древнем городе, превращённое в живописную симфонию.
Художник изображает Пловдив не реалистически, а как живое существо, впитавшее историю, боль и красоту веков.Снег и камень сливаются в единое целое: белые массы домов словно вырастают из тьмы, а под ними виднеются тени улиц, ритмы крыш, обрывки стен. Картина наполнена контрастами — холод и свет, тишина и буря, жизнь и память.Киров создает мозаичный образ города-души, где каждый мазок звучит как аккорд в большой симфонии Пловдива — города, пережившего всё и всё ещё стоящего, как символ устойчивости болгарского духа.
_________________________________________________________________
Картина «Дом» (1971) художницы Славки Деневой (1929–1984) — это поэтический гимн старинной болгарской архитектуре и памяти города. На переднем плане возвышается дом с теплой, золотисто-охристой фасадой и красной черепицей — он словно хранит в себе дыхание времени, человеческие судьбы и звуки прошлого.
Денева изображает его не просто как здание, а как живой организм, вокруг которого течёт жизнь: плотная застройка, покатые крыши, узкие улицы, будто прячущие истории десятков поколений.
Тщательная прорисовка деталей сочетается с выразительной деформацией перспективы — дом будто немного наклонён, дышит, стареет. В этой картине — ностальгия и уважение к болгарскому городу, его человеческому масштабу, теплоте и неповторимому очарованию.
__________________________________________________________________
Эта картина — «Возвращение с пастбища» (1936), работа художника Златю Бояджиева (1903–1976), одного из самых ярких мастеров болгарской живописи XX века.
Перед нами — поэма о болгарской деревне, о её вечном ритме и связи человека с землёй. Композиция словно движется вверх, к вершине горы, по извилистой дороге, по которой идёт стадо, возвращающееся домой. Тёплые охристые и оранжевые тона создают ощущение вечернего света, когда солнце уже скрывается, но земля ещё хранит его тепло.
Бояджиев изображает природу как живое, дышащее существо: холмы изгибаются, деревья танцуют, дорога течёт, как огненная река. Всё в этом пейзаже наполнено движением, жизнью и трудом. Это не просто сельская сцена — это метафора человеческого пути, вечного возвращения домой, к истокам и к земле, которая кормит и хранит.
________________________________________________________________
Картина «Старый Пловдив» (1938) — одно из самых известных произведений Цанко Лавренова, певца древнего и возрожденного болгарского города.
Перед зрителем открывается яркий, праздничный Пловдив, с его крутыми улочками, разноцветными домами, арками и балконами, над которыми будто витает дух времени. Лавренов изображает город не просто как архитектурное место, а как живое существо, наполненное историей, людьми, движением.
В его композиции есть и ритм, и сказочность — цветовые аккорды, напоминающие старинные фрески, и теплое сияние, будто город освещён внутренним светом.
Эта работа — гимн болгарской культуре, Пловдиву как хранителю национальной памяти и красоты, где прошлое и настоящее сливаются в единое поэтическое видение.
____________________________________________________________________
Картина «Хилендарский монастырь» (1940) Цанко Лавренова — одно из его самых узнаваемых произведений, прославляющее духовное и культурное наследие Болгарии.
Художник изображает монастырь на Святой горе Афон, где в течение веков болгарские монахи хранили веру, книги и традиции народа. Композиция будто соткана из света и тени: красноватые стены, зелёные крыши и тонкие кипарисы образуют ритмическую мозаику, напоминающую старинную икону.
Лавренов создает не просто архитектурный вид, а священный символ Болгарии, её духовной силы и памяти. В его стиле — сочетание иконописной точности и декоративности, что превращает монастырь в мифический остров света, парящий между землёй и небом.
__________________________________________________________________
Картина Бориса Коцева поражает своей теплотой и ритмом жизни болгарской земли. Художник изображает сельскую сцену — пахоту, сбор урожая, отдых под деревом — но делает это не документально, а поэтически. Его пейзаж словно наполнен дыханием самой природы.
Мягкие линии холмов, глубокие тени и густые зелёно-охристые тона создают ощущение вечного цикла труда и покоя, дня и ночи, жизни и земли.
Коцев передаёт уважение к человеку труда — к крестьянину, живущему в гармонии с природой. Это не просто пейзаж, а гимн болгарской земле, её плодородию и красоте, увиденной глазами художника-лирика.
__________________________________________________________________
Картина «Лакатник» (около 1929) кисти Бориса Денёва передаёт величие болгарской природы — суровой, но исполненной внутреннего света.
Перед зрителем раскрываются горы в мягких оттенках охры, лилового и зелёного, освещённые закатным солнцем.
Денев, один из основателей болгарского пейзажного реализма, умел соединять реальность и поэзию. Его горы не просто географический пейзаж — это символ родной земли, её силы и покоя.
Полотно наполнено тишиной: лишь лёгкий ветер колышет кроны деревьев под луной. Художник словно приглашает нас остановиться и вслушаться в дыхание природы, вечной и прекрасной.
_____________________________________________________________________
Картина «Кеят в Месембрия» (1910) (Набережная в Месембрии) болгарского художника Йордана Кювлиева — одно из ранних и редких изображений Несебра (в древности — Месембрия), старинного города на берегу Чёрного моря.
Художник с любовью передаёт мирную жизнь приморского поселения: лодки покачиваются у причала, вода отражает солнечные блики, каменные стены хранят дыхание веков. Внимание к свету и тишине делает полотно почти музыкальным.
Кювлиев, один из первых болгарских импрессионистов, умел соединять реализм и поэзию, создавая картины, где природа и человек живут в гармонии. Это произведение дышит спокойствием и светом южного моря, словно приглашая зрителя к тихому размышлению у воды.
__________________________________________________________________
Васил Стоилов (1904–1975), Болгария — „Балкански пейзаж“, 1944
Картина показывает жизнь болгарской деревни во время осени: огороды, плетёные корзины, крестьян, работающих на земле. Над всем этим — тяжёлое, почти драматичное небо, придающее сцене особую глубину и настроение.
Васил Стоилов был известен тем, что изображал человека в гармонии с землёй, болгарскую природу и простую повседневность с уважением и теплотой. Его пейзажи наполнены внутренним спокойствием и любовью к родной земле.
___________________________________________________________________
Михайил Бенцон (1898–1941), „Вид от Искърския Балкан“, 1930-е
Название переводится как «Вид на Искърские горы» или «Пейзаж с видом на Искырские Балканы».
Картина изображает один из живописных районов Болгарии — долину реки Искыр, окружённую горами Стара-Планины. Художник использует густую, фактурную живопись, чтобы передать объём и плотность природы: зелёные холмы, деревья и красные крыши домов создают уютное ощущение тишины и покоя.
Михаил Бенцон принадлежал к поколению художников, стремившихся показать красоту болгарского пейзажа без идеализации, с вниманием к свету, воздуху и естественной простоте.
____________________________________________________________________
Борис Георгиев (1888–1962), „Вечният път“, 1925
Название переводится как «Вечный путь».
Эта картина — одно из самых символичных произведений Бориса Георгиева, художника-философа, стремившегося выразить духовные поиски человека. На переднем плане — фигура путника, сидящего на камнях, усталого, но всё ещё смотрящего вдаль. Позади — суровые горы и бескрайнее пространство, словно отделяющее земное от вечного.
Монохромная цветовая гамма, золотисто-серые тона и мягкий свет создают ощущение времени, остановленного между днем и ночью, жизнью и вечностью.
«Вечный путь» можно прочесть как аллегорию человеческого существования, где каждый человек — странник, идущий к смыслу, к свету, к самому себе.
______________________________________________________________________
Картина: «Пожънатите ниви» / «Сжатые нивы» (1914)
Художник: Никола Петров (1881–1916), Болгария
Очень мягкий, туманный пейзаж, почти растворённый в голубовато-серой дымке. На переднем плане едва угадываются овцы и пастух — фигуры словно написаны шёпотом. Пространство широкое, спокойное, с мягкими холмами и размытыми очертаниями кустов и деревьев.
Петров использует приглушённую палитру и тонкие мазки, чтобы передать ощущение раннего утра или горячего марева после жатвы.
Картина вызывает чувство тишины, покоя и лёгкой меланхолии — как момент, когда поле уже собранo, но летняя жара ещё держит воздух неподвижным.
Как вам Болгария? Какие картины понравились и запомнились больше всего?