Целый зал в Национальной галерее Болгарии в Софии посвящен художникам абстракционистам. Кто-то любит их картины, а у кого-то они вызывают отторжение. В любом случае, такое искусство существует.
Посмотрим, что нам предлагают болгарские художники:
Атанас Яранов (1940–1988), Болгария. Молитва за дъжд, 1984 Молитва о дожде
Атанас Яранов был одним из самых ярких представителей болгарского неоавангардного направления 1970–1980-х годов. Его творчество соединяет монументальность социалистического реализма с экспрессивной пластикой кубизма и глубоким гуманистическим содержанием.
«Молитва за дъжд» — одно из поздних произведений художника, созданное за четыре года до его смерти. Картина символизирует силу коллективного духа, внутреннюю стойкость человека перед природой и судьбой.
Групповой образ людей, обращённых в молитве к небу, воплощает идею единства и надежды. Люди очень похожи на роботов или на космонавтов. Их одежда напоминает латы, которые должны защитить этих людей от внешних воздействий. Но похоже, что это сами люди устроили себе катастрофу, и теперь у них нет другого способа , как только молиться и надеяться, что высшие силы пошлют им хоть немного воды. Геометрическая пластика фигур и сдержанная палитра придают сцене монументальность и духовную мощь. Картина является одним из знаковых примеров позднего болгарского модернизма.
Еще одна работа этого художника:
Две стилизованные фигуры, застигнутые в момент ритуального действия, олицетворяют единство человека и материи. Геометризированные формы и приглушённые золотисто-серые тона придают сцене скульптурную выразительность и философскую отстранённость. Рыба в центре композиции — символ жизни и духовного возрождения.
Наверное, Бог внял молитвам и послал долгожданную воду, даже вместе с рыбами.
Николай Абрашев (1897–1978), Болгария Композиция – женска фигура III, 1950-е годы XX века
Картина представляет собой пример позднего кубизма, в котором человеческое тело трактовано как система строгих плоскостей и цветовых масс. Художник соединяет пластическую ясность формы с декоративной уравновешенностью композиции.
Женская фигура сведена к геометрическим элементам — треугольникам, прямоугольникам, трапециям. При этом линии остаются мягкими, сохраняющими женственность и внутреннюю гармонию. Контраст красного и синего создаёт напряжённый, но уравновешенный ритм, подчёркивающий достоинство и покой модели.
Абрашев исследует возможности формы как символа человеческой сущности — тело становится знаком, а поза и цвет превращаются в язык внутреннего состояния.
Димитр Бойчевски (1943–2022), Болгария
Пространство и форма I–II, около 1978 года
Серия картин «Пространство и форма» относится к зрелому периоду творчества Димитра Бойчевского — художника, стремившегося соединить живопись с архитектурным мышлением и философией пространства.
В этих композициях геометрические тела — сферы, кубы, колонны — образуют безмолвные сцены, где пространство становится самостоятельным героем. Перед зрителем — мир, лишённый человеческих фигур, но исполненный внутреннего присутствия, покоя и равновесия.
В картине «Пространство и форма I» доминирует ощущение архитектурной строгости: колоннада, напоминающая античный храм, символизирует устойчивость и вечность. В «Пространстве и форме II» внимание сосредоточено на соотношении объёмов и перспективных плоскостей — пространственная логика превращается в пластическую поэзию.
Сдержанная цветовая палитра — охра, серо-коричневые и графитовые тона — подчёркивает медитативный характер живописи. Бойчевский словно исследует границу между материальным и абстрактным, между точным расчётом и метафизическим созерцанием.
Его «Пространства» — это живописные лаборатории мысли, где геометрия становится языком духовного поиска.
Георги Божилов (1935–2001), Болгария
Ателье III, 1983
Картина «Ателье III» — это живописное размышление о внутреннем пространстве художника. Божилов превращает мастерскую в метафору творческого процесса, где предметы, линии и цветовые плоскости теряют буквальность и обретают символический вес.
Композиция построена на контрасте вертикальных и горизонтальных форм, приглушённых охристо-серых тонов и глубоких синих и чёрных акцентов. В этой геометрической структуре угадывается напряжение между порядком и спонтанностью, между архитектурной строгостью и свободным жестом кисти.
Абстрактность не исключает эмоциональности: работа наполнена ощущением присутствия человека — художника, размышляющего о своей роли, о творчестве как акте внутренней свободы.
Михалис Гарудис (1940–2021), Болгария
Вещи, 1979
На полотне изображён старинный тёмный шкаф с часами — символ времени, памяти и неумолимого хода жизни. Монохромная гамма чёрных и бордовых оттенков создаёт атмосферу молчаливого присутствия, словно предметы несут в себе отпечаток человеческой судьбы.
Гарудис превращает бытовую вещь в философский образ. Его реализм лишён нарратива — это не сцена, а состояние. Предметы становятся метафорами памяти, а пространство картины — сценой внутреннего созерцания, где зритель ощущает дыхание прошлого.
Картина Стояна Илиева "Структурность"
Это абстрактная работа Стояна Илиева, построенная из множества прямоугольных фрагментов, как из разрозненных кусочков стены или древесной коры. Тёплые землистые цвета — охра, красно-коричневый, бордо — перемежаются с синими акцентами.
Картина напоминает одновременно архитектурный чертёж и разрез материи: слои, трещины, «окна», текстуры. Она создаёт ощущение исследованной изнутри структуры мира — будто художник показывает, как устроена поверхность вещей под временем и эрозией.
“Дух и материя” (1989) Недко Солакова:
Это большая композиция с массивным чёрным центральным полем — густым, фактурным, почти поглощающим свет. По сторонам художник разместил небольшие «вставки-объекты»: миниатюры, куски материалов, коллажи, предметные элементы. Каждая боковая секция — как маленький сюжет или аллюзия, а в центре — немая, тяжёлая «материя», словно противопоставленная лёгкости образов по краям.
Произведение строится на контрасте: центральная тёмная масса = материя, а многообразие маленьких образов = дух, игра идей, ассоциаций, фантазий. Картина выглядит как диалог между тяжестью физического и живостью внутренней жизни.
Жорж Папазов (1894–1972) «Портрет матери художника, 1924»
На полотне изображена женщина в старинной одежде. Её лицо окрашено в зелёные и охристые тона, что создаёт ощущение маски, другой реальности. Белый чепец и воротник написаны резкими, почти графическими складками. Руки — крупные, жёлтоватые, непропорциональные, словно отлитые из воска.
Фон — глубоко синий, холодный, напоминающий пещеру или ночное пространство. Он не столько «место», сколько психологическая атмосфера.
Женщина выглядит одновременно спокойной и тревожной, живой и статичной — типичное для Папазова сочетание реальности и сюрреалистической странности.
Понравился ли вам этот зал?
А абстрактное искусство вам нравится?