Старый город Бухары этой осенью превратился в масштабную арт-сцену: с 5 сентября по 20 ноября здесь проходит биеннале современного искусства «Рецепты для разбитых сердец». Караван-сараи, мечети, медресе и даже городские каналы стали площадками для выставок, перформансов и творческих встреч.
Проект организован Фондом развития культуры и искусства Узбекистана и объединяет художников, кураторов, продюсеров и медиаторов. Цель — переосмыслить городское пространство и создать диалог между традиционными ремёслами и современными художественными практиками.
Выставка сопровождается насыщенной программой: мастер-классы, музыкальные выступления, гастрономические перформансы и инсталляции, размещённые в исторических локациях.
«Газета» подготовила подробный гид по биеннале: от концепции фестиваля и архитектурных особенностей до арт-работ и культурных событий, которые делают Бухару точкой притяжения для международного арт-сообщества.
Что такое биеннале и зачем оно Бухаре
Биеннале (в переводе с итальянского biennale — «двухгодичный») представляет собой выставку, которая проводится раз в два года. Биеннале бывают современного и декоративно-прикладного искусства, архитектурными, музейными, книжными и другими. Впервые формат биеннале появился в Венеции в 1895 году.
По словам комиссара бухарской биеннале и председателя Попечительского совета Фонда развития культуры и искусства Гаянэ Умеровой, исторически Бухара была центром новых идей и культуры, и сегодня она может восстановить этот статус.
«На протяжении более 2000 лет улицы, памятники и легенды [Бухары] формировались под влиянием идей, культур и людей. Здесь знания освещали путь целым цивилизациям, а поэзия, наука и ремесло процветали бок о бок. Сделать Бухару площадкой для первой международной биеннале современного искусства в Узбекистане — не жест ностальгии, а акт уверенности: этот город способен вновь стать мировым центром творчества, диалога и обмена».
Гаянэ Умерова рассказала, что идея бухарской биеннале родилась в рамках масштабной программы Фонда развития культуры и искусства Узбекистана по возрождению исторической части города. Вместе с международными партнёрами Фонд не только способствует сохранению наследия Бухары, но и экспериментирует с функцией памятников старины, используя их в качестве выставочных пространств и лекториев.
Художественный руководитель и куратор биеннале Диана Кэмпбелл объединила в проекте более 140 участников. Среди них международные авторы, молодые художники из стран Центральной Азии и бухарские ремесленники. Вместе они создали свыше 70 арт-проектов — все на территории Узбекистана.
Эти работы демонстрируют, что современное искусство может дополнять традицию, открывать новые формы чувствования и мышления, отметила «Газете» продюсер выставки Анастасия Скворцова. По мнению Гаянэ Умеровой, выставка также служит данью уважения мастерам, чьи знания и умения поддерживали культурную идентичность Бухары на протяжении веков.
«Трогательно видеть, как в диалоге между художниками и ремесленниками из старых знаний рождаются новые формы. Эти произведения искусства, появившиеся на пересечении традиции и современности, наглядно показывают, что в творчестве мы все говорим на одном языке», — сказала Гаянэ Умерова.
Анастасия Скворцова добавила, что в мире искусства ремесленники часто остаются «за кадром»: их труд воспринимается как техническое исполнение идей художников, авторство не упоминается. Здесь же ремесленники становятся полноправными соавторами. Их знания, материалы, ручная работа — это не только средство воплощения замысла, но и часть самого художественного высказывания.
«Такое сотрудничество открывает новый взгляд на традиции. Вместо простого повторения знакомых форм, местные мастера получают возможность переосмысления, дополнения и обогащения идеями современных художников, — пояснила Анастасия Скворцова. — Для ремесленников это стало и вызовом, и источником вдохновения: они увидели, что их умения могут звучать по-новому и развиваться дальше. Это попытка сделать традиции частью современного искусства и показать миру, что ценность ремесла не менее значима, чем ценность концепции».
О теме биеннале и её значении
Главная тема первой Бухарской биеннале звучит неожиданно поэтично — «Рецепты для разбитых сердец». За этим метафорическим названием скрывается эксперимент учёного Ибн Сины, в котором он пытался доказать, как психическое состояние влияет на физическое самочувствие человека. По легенде Авиценна придумал рецепт плова, чтобы исцелить юного принца, томимого несчастной любовью к дочери ремесленника, рассказала художественный руководитель биеннале Диана Кэмпбелл.
Организаторы биеннале предложили художникам обратиться к теме взаимосвязи души и тела через собственное творчество: исследовать природу душевной боли и поиск путей её преодоления. Биеннале стала пространством для размышлений о том, как искусство помогает человеку справляться с утратой, тревогой и одиночеством, а также находить новые формы связи с собой и другими.
Диана Кэмпбелл объяснила, что выставка рассматривает сердце не как орган, поддерживающий жизнь, а как центр соединения разума, души и тела — место встречи материального и духовного. В этом смысле сердце хранит память, формирует идентичность, откликается на боль и любовь и становится источником воображения и интуиции.
«Сердце обладает такой мощной воображающей способностью, что может изменять мир — через сочетание знания и любви. Эта “интеллектуальная чувствительность” делает его не менее значимым, чем разум: именно через сердце человек осознаёт, как его мысли, слова и поступки воздействуют на мир. Боль сердца переживается особенно остро. В то же время именно в этой боли скрывается потенциал для преображения: разбитое сердце становится учителем, универсальным опытом, который объединяет людей во времени и пространстве и находит выражение в творчестве», — отметила Кэмпбелл.
По её словам, легенда о влюблённом принце, для которого плов стал одновременно лекарством и утешением, раскрывает ключевую метафору в названии биеннале. «Рецепты» — это не только кулинарные, но и культурные практики, традиции, формы искусства, помогающие преодолевать кризисы и сохранять чувство общности. Искусство, ремесло и совместное творчество помогают исцелять личные и коллективные травмы так же, как вкусный ужин некогда облегчил страдания принца, сказала худрук биеннале.
По задумке организаторов, биеннале выстраивается как большой пир искусства: выставки, перформансы, музыка, гастрономические проекты и мастер-классы складываются в единый «дастархан», за которым собираются художники, ремесленники, повара, музыканты и зрители. Каждый вносит свою часть, и из этих «ингредиентов» рождается общее пространство, где сердце может найти утешение, а человек — ощущение сопричастности.
Историческая архитектура как выставочное пространство
На протяжении всей своей истории Бухара поддерживала торговые, образовательные и духовные связи с ближними и дальними соседями. Город формировался под влиянием людей разных профессий и культур, которые пересекались здесь. Благодаря этим потокам Бухара менялась. В том числе менялась и функция её архитектуры — люди адаптировали здания под актуальные нужды. Пространство, используемое как храм, завтра могло стать гостевым домом, а спустя столетия — музеем.
Следуя опыту по адаптации зданий, креативный директор по архитектуре биеннале Ваэль Аль Авар решил использовать памятники старины в качестве выставочных павильонов. Кроме того, в рамках подготовки к биеннале ранее закрытые исторические здания отреставрировали и включили в новый культурный район Бухары.
Одним из центральных объектов стала мечеть Магоки Аттори — памятник средневековой архитектуры у площади Ляби Хауз. До установления ислама на территории Бухары на месте мечети располагался базар, где торговали специями и зарострийскими идолами. Со временем мечеть трансформировалась в синагогу. Затем на её базе был открыт музей ковров. Сегодня интерьеры мечети адаптированы под информационный центр, посвящённый истории города.
По словам креативного директора, это демонстрирует, что архитектура Бухары всегда была не просто объектом созерцания, но и пространством для взаимодействия с людьми и культурой.
«Архитектура биеннале — это не ряд временных павильонов и не новые сооружения. Мы работаем с уже существующими зданиями, превращая их в последовательность пространств, которые будут использоваться по-новому как во время выставки, так и после неё. Посетители смогут открывать исторические объекты заново, а местные жители взаимодействовать с культурным пространством Старого города. Именно так всегда функционировала архитектура Бухары, служившая местом встречи для приезжих из самых разных мест — будь то купцы, учёные, теологи или путешественники — и одновременно уютным, гостеприимным домом для её жителей», — сказал Ваэль Аль Авар.
Главные площадки биеннале
Центральная часть Бухарской биеннале развернулась в пяти обновлённых исторических зданиях в центре Старого города: ансамбле Ходжа-Гавкушон, комплексе из четырёх караван-сараев Фотхулладжон, Айозжон, Ахмаджон и Улугбек Тамакифуруш, медресе Рашид и Алам, а также в мечети Ходжа Калон.
Каждый из этих объектов выступает как этап на пути исцеления души: от переживания утраты и осмысления боли до обретения мягкости сердца, внутреннего равновесия и соединения с обществом. Через искусство посетители проходят этот путь, открывая для себя исторические пространства заново и взаимодействуя с ними на эмоциональном и духовном уровне.
Общественные пространства
Прежде чем войти в исторические здания, организаторы предлагают начать знакомство с биеннале на самих улицах и площадях Бухары, где живут и работают ремесленники.
Прогулка по 500-метровому маршруту начинается у Токи Саррафон (1-й купол) — одного из торговых куполов XVI века, где некогда индийские и еврейские купцы обменивали деньги. Дальше путь ведёт вдоль древнего канала Шахруд, который снабжал город водой из Зарафшана. Затем гости проходят мимо одного из сохранившихся бассейнов-хаузов перед ансамблем Ходжа-Гавкушон, который служил не только источником воды, но и местом встреч, отдыха и духовного очищения.
Караван-сараи
Четыре взаимосвязанных караван-сарая — Фотхулладжон, Айозжон, Ахмаджон и Улугбек Тамакифуруш, построенные в XVIII–XIX веках, служили временным пристанищем для путешествующих торговцев, то есть были гостиницей. Здания включают центральный двор, окружённый небольшими комнатами-хужрами, кормушками для ослов и конюшнями. В XX веке комплекс караван-сараев превратили в жилые дома. Со временем они обветшали. В 2000-х восстановили только два здания. Два других так и остались в руинах.
В рамках биеннале комплекс становится отправной точкой выставочного маршрута. Если некогда путникам предлагалось остановиться здесь для восстановления сил перед дальней дорогой, то сегодня зрителей приглашают начать своё путешествие с паузы и внутренней настройки на созерцание искусства. Авторы концепции рассматривают функцию караван-сарая через метафору: человеку с разбитым сердцем необходима остановка перед исцелением, во время которой он сможет побыть наедине с собой и переосмыслить свою боль.
Следуя этой задумке, художники с разных концов Земли использовали архитектуру комплекса в качестве холстов для своего творчества.
Медресе Гавкушон
Медресе Гавкушон, построенное в 1570 году на месте бывшего скотного рынка, много веков служило центром науки. До ХХ века здание с 30 комнатами, библиотекой и молельной оставалось важным образовательным учреждением. С приходом советской власти медресе переоборудовали под жильё и ремесленную школу.
В рамках биеннале медресе Гавкушон получило название «Дом чутких сердец». Оно отсылает к идее Багдадского Дома мудрости — научного центра IX-X веков, в котором разные люди собирались говорить о философии, науке и культуре и учиться друг у друга.
В медресе организованы выставочные залы, библиотека, ремесленная студия и мастерские художников. Во дворе проходят литературные встречи, поэтические вечера, мастер-классы и другие события. Такая функция медресе и программа мероприятий продолжает традицию Багдадского Дома мудрости, предлагая учиться через опыт, диалог и открытость.
Девизом медресе «Дома чутких сердец» стали слова персидского поэта Шамса Табризи: «Научиться можно через чтение, но понять — только через любовь».
Мечеть Ходжа Калон
Возведённая в 1598 году по инициативе шейха Ходжи Саида, известного как Ходжа Калон, мечеть считалась второй по величине в Бухаре и входила в ансамбль Гавкушон.
Местные жители рассказали «Газете», что в советский период здание долгое время пустовало и, как многие другие мечети, использовалось в качестве склада. Из-за длительного запустения и отсутствия ухода оно постепенно обветшало. Сохранился лишь минарет рядом. Портал мечети восстановили уже в 1990-х годах. Внутренняя часть комплекса нуждается в реставрации по сей день.
Сегодня развалины рассматриваются в новом прочтении. Пространство мечети превращено в место духовного исцеления, где искусство исследует чувство трепета как важнейший источник внутреннего равновесия, пояснила продюсер. Здесь рождается диалог о том, как переживание красоты и прикосновение к чему-то большему помогает человеку преодолеть собственные ограничения и обрести связь с жизненной силой Земли.
Медресе Рашид
Медресе Рашид в XVIII–XIX построил афганский торговец чаем Абдурашид. Оно расположено рядом с каналом Шахруд в старом квартале вышивальщиков. С установлением советской власти медресе перестало выполнять образовательно-религиозную роль. Здание использовали в качестве жилья, а затем мастерской по ремонту техники.
В рамках биеннале медресе рассматривается как пространство, где говорят о преодолении боли и обретении сил на дальнейшее движение. Представленные здесь работы предлагают разные пути: юмор, чтобы отпустить тяжесть, ритуалы скорби, чтобы придать форму невысказанным чувствам, и социальные практики, возвращающие к связи с другими людьми. Таким образом, медресе превращается в мастерскую внутреннего восстановления, отметила продюсер. Работы в нём напоминают, что возможно лишь постепенное исцеление через совместный опыт.
Главные проекты современных художников
Анастасия Скворцова подчёркивает, что в работах современных художников, представленных на биеннале, нет финальной точки: через живопись, перформансы и инсталляции авторы ищут пути исцеления. Искусство на этом пути является символом надежды и восстановления.
«В каждой локации работают медиаторы — проводники между художником и зрителем. Перед открытием биеннале 30 медиаторов прошли обучение с куратором, чтобы лучше понимать замыслы проектов, — отметила продюсер. — Их задача — помочь посетителям не только познакомиться с работами, но и обсудить их, порефлексировать, взглянуть глубже».
По рекомендации Анастасии Скворцовой, «Газете» рассказывает о 10 самых интересных и сильных работах современных художников из-за рубежа и из Узбекистана, созданных совместно друг с другом.
Тоска
Химали Сингх Соин и Дэвид Соин Таппезер в коллаборации с Расулжоном Мирзаахмедовым
Проект «Longing» индийско-британского дуэта Hylozoic/Desires создан в сотрудничестве с Маргиланским центром развития ремёсел и мастером Расулжоном Мирзаахмедовым. Работа стала одной из самых масштабных на биеннале. Монументальное полотно иката протянулось на 350 метров вдоль канала Шахруд. Ткань соединяет начало и конец выставочного маршрута.
Проект стал возможен благодаря полугодовой работе маргиланских ткачей. Они вручную создали и окрасили натуральными красителями более 2300 метров иката. На ткани вышита карта исчезающего Аральского моря: 23 спутниковых изображения с 1960-х годов до 2024 года переведены в орнаменты иката. Постепенно насыщенный синий цвет воды сменяется жёлто-белыми тонами соли, мха и водорослей — так ткань буквально фиксирует историю утраты.
«Когда мы приехали в Узбекистан, то сразу заметили, насколько здесь засушливые земли и как мало пригодных для земледелия территорий. Вода оказалась редким и бесценным ресурсом. Страна окружена сушей, и ближайший выход к воде — это Аральское море, от которого практически ничего не осталось. Нам показалось важным не просто констатировать эту утрату, а создать мистический жест, своего рода ритуал, призывающий воду вернуться и напомнить о её ценности. Мы надеемся, что эта инсталляция поможет людям осознать красоту и силу воды, использовать канал не как свалку, а как пространство, которым можно восхищаться и которое может стать искусством», — объясняет Дэвид Соин Таппезер.
Текстильная «река» стала символом тоски и надежды одновременно. Она напоминает, что исчезновение Арала — не только экологическая, но и эмоциональная потеря для целого региона.
В дни полнолуния у канала проводят музыкальные практики. Зрители участвуют в ритуалах, призывающих дождь и возвращающих разговор о воде в пространство города, рассказал Дэвид Соин Таппезер.
Чёрная жёлчь
Pakui Hardware в коллаборации с Алишером и Шохрухом Рахимовыми
Литовское арт-объединение Pakui Hardware совместно с узбекскими керамистами Алишером и Шохрухом Рахимовыми создали мультилокационную инсталляцию «Black Bile».
Художники превратили три комнаты в медресе Рашид в аудиопространства. Посетители говорят в микрофоны в форме ушных раковин, а их слова с помощью специального приложения превращаются в музыку, записанную с участием оркестра Бухарской филармонии. Получившаяся мелодия звучит из трёх скульптур — «жёлчных пузырей». Они изготовлены из металла и керамики с чёрной глазурью и установлены на другом конце маршрута — в Караван-сарае.
«Чёрная глазурь — это разработка моего отца, Алишера Рахимова, для коллекции “чёрно-бархатная керамика”. Она стала результатом многолетних экспериментов нашей семьи с местными глинами и минералами, — рассказал Шохрух Рахимов. — Нам удалось добиться глубокого, плотного цвета, который остаётся прочным и живым после обжига. В проекте эта глазурь стала символом “чёрной жёлчи” — состояния внутренней тяжести и меланхолии. Для меня это не про разрушение, а про принятие: каждый человек носит в себе тьму, и именно её признание становится частью пути к свету».
По словам мастера, керамика хранит тепло рук и огня, а звук напрямую воздействует на чувства. Соединив их, художники добиваются эффекта «исцеления через звук»: голос посетителя превращается в музыку, наполняя пространство гармонией и вовлекая каждого в общее аудиовизуальное путешествие.
Близость
Энтони Гормли в коллаборации с Темуром Джумаевым
Энтони Гормли — один из ведущих современных скульпторов, известный исследованиями границ человеческого тела и его отношений с пространством, временем и природой. Его скульптуры обычно представляют собой фигуры человека в натуральную величину, выполненные в строгих пропорциях, часто в статических позах. Это создаёт ощущение сосредоточенной силы и одновременно уязвимости.
Для биеннале Гормли создал масштабную инсталляцию «Close» во дворе мечети Ходжа Калон. Вместе с бухарским реставратором Темуром Джумаевым художник построил лабиринт из 80 фигур, выполненных из 3000 скульптурных глиняных кирпичей. Для работы использовалось около 20 тонн глины, смешанной с соломой.
Каждый кирпич выполнен вручную по древней бухарской технике: мастера использовали всё тело — руки, ноги и плечи, чтобы тщательно разминать и придавать глине форму. Такой подход делает кирпич прочным и живым, а сам процесс создаёт тесную связь между художником и материалом.
«В наше время пикселей и селфи моя работа воспевает кирпич — первичный пиксель, ручной элемент построенного мира, который создаёт нас. В пространстве, где природная тишина соседствует с шумом города, можно ощутить корни времени и то, как построенный мир воздействует на тело и сознание. С помощью этих глиняных кирпичей я создаю поле тел, чтобы зрители могли ощутить, как мы сами формируемся и продолжаем формироваться вместе с миром», — объясняет Гормли.
Соль, унесённая ветром
Субодх Гупта в коллаборации с Бахтиёром Назировым
Индийский художник Субодх Гупта известен тем, что превращает привычные кухонные предметы в масштабные художественные высказывания. Он представил в Бухаре инсталляцию «Salt Carried by the Wind». Она расположена рядом с караван-сараем Айозжон и отсылает к архитектуре мечети Магоки Аттори, на месте которой до установления ислама в Центральной Азии располагался базар специй и целебных трав.
Смена функций местности вдохновила художника на создание пространства памяти, где еда, ремесло и архитектура встречаются в едином художественном жесте.
«Я люблю готовить, и кухня в Индии — это место ритуала. Запах специй переносит тебя в прошлое, еда всегда хранит воспоминания, это история времени и жизни. В Бухаре же это способ вспомнить историю Шёлкового и Пряного пути, ведь именно здесь люди веками встречались, обменивались и находили общий язык за столом», — поделился Субодх Гупта.
Инсталляция построена из массово производимой эмалированной посуды, знакомой каждому узбекскому дому. Внутри павильона развешены 3000 керамических ляганов, созданных мастером Бахтиёром Назировым и его учениками в Риштане. Этот контраст подчёркивает разницу между безликим индустриальным и уникальным ручным трудом.
Пространство оживает, когда сам художник проводит кулинарные перформансы и угощает гостей блюдами собственного рецепта.
Тень земли
Делси Морелос в коллаборации с Бахтиёром Ахмедовым
Архитектура, история и текстильные традиции Бухары легли в основу проекта колумбийской художницы Делси Морелос. Её работа «The Earth’s Shadow» — это попытка духовно «сшить» расколотый мир. В бывшей мечети Ходжа Калон художница создала деревянную конструкцию, вплетённую в архитектуру здания словно паутина. Бухарские мастера переплели джутовые нити в технике «глаз Бога» и соединили ими колонны. Таким образом, работа связывает узбекские и индейские традиции ткачества.
Четыре нити расходятся от центральной точки, символизируя стихии — землю, воздух, воду и огонь, а также четыре стороны света. Каждый узел завязывается под молитву, обращённую к жизни и сообществу. Конструкция окрашена смесью из пустынного песка, глины, земли, корицы, гвоздики и куркумы. Такое сочетание материалов и специй придумала семья Бахтиёра Ахмедова, бухарского торговца специями в четвёртом поколении.
Работа рождает ольфакторный и телесный опыт: зритель погружается в облако ароматов, которое окутывает пространство и напоминает о шёлковом наследии Бухары — об эпохе Великого шёлкового пути, когда специи были столь же ценны, как и шёлк.
«Свет и тень — это две переплетающиеся нити, связывающие произведение с самим зданием. Тень подобна утробе: она бережёт жизнь от палящего солнца, которое сжигает всё незащищённое», — отмечает Морелос.
Голубая комната
Абдулвохид Бухорий, Дилнозахон Каримова и Журабек Сиддиков
Проект «Голубая комната» бухарского художника-керамиста Абдулвохида Каримова (Бухорий), созданный совместно с супругой Дилнозахон Каримовой, стал продолжением его поисков в области возрождения исчезнувшей традиции бухарской голубой керамики. Полгода работы над инсталляцией воплотились в бывшей молельной медресе Гавкушон.
Пространство переносит зрителя в подводный мир, наполненный символами воды и её целительной силы. Стены и полы комнаты полностью покрыты плиткой ручной работы насыщенного синего цвета, в который окрашивают купола мечетей и других сооружений. Цвет символизирует вечность и небо.
Художник использует природные пигменты в керамической глазури. По словам медиатора павильона, таким образом, Абдулвохид Бухорий стремится сохранить традиции и переносит их новый художественный контекст. Если раньше мастера использовали природные красители потому, что альтернатив не существовало, то сегодня выбор в пользу натуральных материалов превращает традиционную технику в художественное высказывание.
В центре комнаты висит скульптура из латуни, меди и керамики, выполненная в сотрудничестве с мастером Журабеком Сиддиковым. Её форма вдохновлена образом рыбы, связанной с древними целебными ритуалами. Керамика на стенах и полу, а также блюдах, которые дополняют люстру, украшена узорами, напоминающими текстильные орнаменты, рыб, водоросли и потоки воды.
«У нас в народе принято ставить тазик с рыбками рядом с ребёнком, когда он болеет. В моей семье это было частой практикой — я часами смотрела на них и забывала о боли, — рассказывает Дилнозахон Каримова. — Это воспоминание я перенесла в свою работу: рыбки здесь стилизованы под орнаменты сюзане Нураты, которые издавна считались оберегами. Вода, как источник жизни и исцеления, уносит боль, успокаивает и очищает душу. Мы хотели, чтобы каждый, входя в нашу комнату, чувствовал это спокойствие и, глядя на рыбок, отпускал то, что тяготит сердце».
Семь цветов рая
Давлат Тошев со своими учениками
Во второй комнате медресе Гавкушон бухарский миниатюрист, живописец и каллиграф Давлат Тошев создал масштабное художественное полотно. Попадая внутрь, посетители словно оказываются внутри картины. Стены и потолки покрыты бумагой, расписанной в технике эбру (мраморной росписи). Считается, что эбру зародилась именно в Бухаре.
Художник создал множество иллюстраций и объединил их в сложные мозаичные композиции. Центральным элементом работы является изображение гранатового дерева — символа жизни и единства.
Тошев реализовал проект вместе со своими учениками из мастерской «Устоз Шогирд», в том числе глухими и немыми студентами. Участие в биеннале и творчество стало для художника одновременно и способом обучения, и духовной практикой: через работу он помогал детям выражать себя.
«Эбру — это практика умиротворения. Когда начинаешь рисовать на воде, никогда не знаешь, какой узор получится. Сосредотачиваешься на процессе, и постепенно появляются формы, которые я воспринимаю как жизненные пути. Так же и в жизни — никогда не знаешь, куда она тебя приведёт», — объясняет художник.
В поисках истины
Джахонгир Бобокулов и Санжар Кубаев
Третья комната медресе Гавкушон воплотила в себе название локации — House of Softness. Пространство разделено на две части.
Первое помещение выполнено в ярко-жёлтых и оранжевых оттенках. Стены целиком покрыты полиуретановой пеной (поролоном), окрашены аэрографом и подсвечены мягким светом. Молодой художник Джахонгир Бобокулов из Бухары в последние годы экспериментирует с поролоном, придавая своим работам выразительный объём и живую, пластичную текстуру. Благодаря свойствам материала пространство получилось мягким, светлым и даже физически тёплым: нагретая осветителями пена сохраняет температуру. За это комнату прозвали «чилля хона». Для художника название «чилля хона» — это не только отсылка к летнему зною, но и к уединению и тишине, которые подразумевают под английским словом chill — «охладись».
«Что такое пространство? Для меня оно никогда не пустое. Даже пустота состоит из чего-то, она живая», — говорит художник.
Вторая часть инсталляции контрастирует с первой. Она погружена во мрак. В центре висит керамическое сердце работы Санжара Кубаева. Он придал органу холодный голубой цвет и покрыл каплями грязи. Источник на потолке омывает сердце светом и каплями воды, постепенно смывающими грязь.
«В хадисе нашего Пророка Мухаммада (мир ему и благословение) сказано: в душе есть одно сердце, и если оно больно — больно всё тело, если оно здорово — здоров весь человек. В этой инсталляции мы показываем именно душу. Грязь символизирует грехи, а падающая вода — добрые дела, которые очищают её и возвращают к жизни», — объясняет Бобокулов.
Мур-Мур
Дэвид Сойн Таппезер в коллаборации с Борисом Шершенковым и Кубаро Бабаевой
Британский композитор и исследователь звука и музыкальных пространств Дэвид Соин Таппезер совместно с Борисом Шершенковым создали интерактивную инсталляцию «Mur-Mur» в караван-сарае.
Проект вдохновлён суфийской поэмой «Собрание птиц», где все птицы отправляются на поиски Симурга — лидера, который оказывается отражением их самих, объединением частей в целое.
В основе инсталляции — глиняные игрушки-свистульки «хуштак» в форме птиц, традиционно изготавливаемые в Бухаре для детей на Навруз. Посетители могут взять с собой хуштак и записать 10-секундную мелодию в соседней комнате. Свистки сохраняются, накладываются друг на друга и сливаются в хор. Звук раздаётся по всему пространству.
«Меня вдохновила идея о том, что исцеление и преображение происходят через коллективность. Каждый посетитель, записывая звук хуштака, становится частью огромного хора, который растёт с каждым новым участником. Эта работа показывает, что даже маленькие действия могут соединять нас в единое целое. [Так соединяются] птицы в стае», — объясняет Таппезер.
В отдельных залах выставлены работы легендарной покойной керамистки Кубаро Бабаевой из Вабкента Бухарской области и её учеников. На свистульках изображены птицы, бараны, драконы и другие мифические существа. Кубаро была ученицей знаменитой мастерицы Хамро Рахимовой и прославилась как хранительница древней традиции изготовления хуштаков.
Родина счастья
Цюй Чан в коллаборации с Бехрузом Ахмедовым и Жасурбеком Жавханазаровым
Китайская художница Цюй Чан в своей работе «Happiness Hometown» обратилась к музыкальному клипу Чэнь Мин 1997 года. Видеоролик стал символом эпохи реформ. По сюжету певица идёт по шоссе в сопровождении танцоров в центральноазиатских костюмах — словно путь к счастью лежит через дорогу, ведущую на Запад, в Узбекистан. Для художницы этот образ стал отправной точкой размышлений о том, где находится «родина счастья» и можно ли найти её в сердце Центральной Азии.
Работа находится в одном из караван-сараев. Проект строится как путешествие по трём комнатам, каждая из которых становится метафорической картой счастья. Во всех помещениях развешены шёлковые полотна, созданные совместно с маргиланским вышивальщиком Бехрузом Ахмедовым.
В первой комнате рассказывают о дневных путях и ночных грёзах странников, рассказала Цюй Чан. Здесь же представлено символическое гранатовое дерево: в плодах видны крошечные сердца — метафора множества жизней, скрытых в одном целом. Вторая комната исследует «внутреннюю карту» человеческого тела, которая повествует о том, что путь к счастью начинается внутри. Третья комната показывает, как внутренний мир человека взаимодействует со Вселенной, превращает его Я в часть космоса, сказала автор проекта.
«Я всегда была одержима образом сердца. Для меня оно выходит за границы привычных противопоставлений — тела и души, личного и общественного. Сердце открывается в разных формах: в карте тела, в узоре шёлка или в звёздном небе. В своей работе я хотела показать, что разбитое сердце — это не только боль, но и метод поиска, возможность двигаться дальше. Открывая сердце, мы открываемся многообразию культур и создаём пространство, где встречаются разные пути и истории. Само по себе сердце становится рецептом счастья и способом вписать себя в мир», — говорит Цюй Чан.
Композитор Жасурбек Жавханазаров сопроводил работы художницы собственной музыкой. Он переосмыслил песню Чэнь Мин Happiness Hometown с помощью национальных инструментов и написал на её основе три поэтических саундтрека — для каждой комнаты свой.
Вкус как часть искусства
Важной частью концепции биеннале стала кухня. В медресе Абдурахмона Алама, построенном в 1809 году, открылся ресторан Café Oshqozon. Его название связано с узбекским словом «ошқозон», которое одновременно означает и желудок, и сосуд для приготовления пищи. По словам продюсера выставки Анастасии Скворцовой, этот двойной смысл подчёркивает идею биеннале как живого организма: так же как желудок питает тело, общие трапезы питают атмосферу доверия и взаимного исцеления.
Меню Café Oshqozon разработали художник Карстен Хёллер (Германия/Швеция), шеф-повар Даниэле Пуричелли (Италия), шеф ресторана Brutalisten Коэн Дилеман (Нидерланды), а также узбекские мастера кулинарии Бахриддин Чустий и Павел Георганов.
Участники предложили необычный подход: каждое блюдо строится вокруг одного главного продукта — меняются текстура, специи и подача, но основа всегда остаётся той же. Такой формат позволяет глубже прочувствовать сам ингредиент и превращает трапезу в особый опыт. Гостей ждут кулинарные мастер-классы и лекции, где еда раскрывается как часть культуры и искусства.
Расписание гастрономических перформансов
23–24 сентября – Елена Рейгадас, Мексика.
3-5 октября — Павел Георганов, Узбекистан.
10-12 октября — Фатмата Бинта, Сьерра-Леоне.
17-19 октября — Бахриддин Чустий, Узбекистан.
24-26 октября — Екатерина Енилеева, Александр Толкачёв, Владимир Когай, Узбекистан.
7–8 ноября — Зури Камиль де Соуза, Индия-Франция.
16–20 ноября – Чонг Кван, Южная Корея.