Чем отличается живопись от графики? Художники рисуют или пишут? Что такое академический рисунок? Каждый, кто хоть немного прикасался к изобразительному искусству: пробовал творить сам, посещал художественные галереи или знакомился с биографией и работами знаменитых художников в книгах, погружался в мир этих замысловатых терминов. Удивительно, но факт: большинство людей путают понятия рисунка и живописи.
В статье мы разберем терминологию, выясним, что такое академический подход, какие коррективы он вносит в процесс обучения, а также стоит ли вообще осваивать обучение по академической программе.
Рисуем или пишем: чем отличается живопись от графики?
Рисунок — это вид графики. Если мы обратимся к книгам по изобразительному искусству, то найдем там следующее определение рисунка. Рисунок — какое-либо изображение, выполняемое от руки с помощью линии, штриха, пятна или комбинации этих средств: например, сочетание пятна и линии. Сама по себе графика в переводе с древнегреческого означает — письменный (графо — записывать, писать).
Живопись же рождается путем наложения красок на бумагу, холст, картон, дерево или другую поверхность. Таким образом, разница именно в используемых материалах.
Чтобы написать картину, мы возьмем живописные материалы: масло, темперу, акрил или гуашь. Если мы захотим нарисовать изображение, мы будем использовать графитный карандаш, пастель, уголь, соус, сепию или сангину.
«А как же всем известная с детства акварель и тушь?» — спросит пытливый читатель. Дело в том, что два этих материала — это игроки обоих «лагерей».
Такой путаницей мы обязаны, прежде всего, китайским и японским художникам – создавая свои свитки, они работали в неразрывном единстве живописи, графики и каллиграфии. Кистями и тушью на бумаге или шелке поэты пишут стихи, а художники — картины. Основываясь на том, что в основе стиля восточных художников лежит именно линия, мы все-таки рискнем отнести тушь к графике, а акварель – к живописи. Ведь если тушью можно рисовать пером, то акварелью пишут исключительно кистью.
Сделаем вывод. Если мы:
● не используем кисть, мы рисуем;
● работаем кистью, мы пишем.
Далее разберем техники, которые используют художники с помощью графического или живописного материала.
Художественные техники
Техника – это способ использования графического или живописного материала.
Когда мы хотим что-либо нарисовать, — создать графику, мы должны определиться с методом нанесения изображения на плоскость.
К графике относятся следующие техники:
1. Рисунок.
2. Сухая или масляная пастель.
3. Гравюра (оттиск на бумаге).;
4. Офорт (гравюра на металле);
5. Литография (печать под давлением) и прочие техники оттисков.
К живописным техникам относят название материала, с которым работает художник. Например, масло или акварель.
Однако эти большие группы также делятся на подвиды, характерные для конкретной краски. Например:
- Техника «по-сырому». Используется в акварельной или масляной живописи. Это когда мы новые слои краски наносим на еще невысохшие предыдущие, достигая определенных эффектов.
- Письмо мастихином в масляной живописи. Накладываем мазки с использованием мастихина вместо кисти. Мастихин — это лопатка, которая может иметь различные формы (ее еще иногда ошибочно называют «художественным шпателем»).
- Живопись лессировками. Используя этот метод, мы делаем наложение полупрозрачных слоев краски поверх основного цвета, чтобы создать сложные оттенки и эффект прозрачности.
И это еще далеко не все. Существуют другие техники живописи, разработанные разными школами живописи и конкретными художниками. Вы также можете придумать свой уникальный подход к способу нанесения красок. Но заниматься этим следует только тогда, когда набьете руку на основных известных способах работы с материалом.
Академический подход: разберем, что скрывается за этим загадочным словом
Теперь, когда мы разобрались, чем графика отличается от живописи, можем перейти к изучению следующего термина — академический подход.
Само по себе слово «академизм» означает направление в европейской живописи XVII—XIX веков. В основе идеологии лежит следование внешним формам классического искусства. В свою очередь, классическое искусство — это искусство Древней Греции и вдохновленной им эпохи Возрождения.
Академическое искусство сильно отличается от тех веяний, которые захватили Европу в ХlX-ХХ вв. Это пуантилизм, кубизм, абстракционизм, поп-арт. Все эти серьезные понятия — стили живописи, которые объединяются в единое название — модернизм.
От простого к сложному: что входит в академическое обучение?
Академическое искусство стоит на фундаменте теоретической базы, которая была открыта перспективными художниками прошлых столетий.
Идеально красивые, благородные в своем величии статуи Праксителя и Микеланджело, ничего не значат для нас, если мы не знаем, по каким законам автор их создавал. Мы просто не сможем их повторить, стало быть, не освоим азы искусства.
К нашему счастью, великие художники позаботились о нас, оставив большое наследие в виде учения о линейной и световоздушной перспективе, а также трактаты по пластической анатомии.
Решение для будущих художников: нужно ли начинать обучение по академической программе?
Теперь вы знаете, что в основе академического искусства лежит определенная база знаний и опыт поколений художников. Это не столько определенный стиль, как это принято считать, сколько важнейшая последовательность в обучении, движение от основ к самому сложному.
Начните с основных элементов: форм в объеме, законов композиции и перспективы. После того как вы научитесь рисовать шар, куб, конус и призму, следуя композиционным законам, вы сможете нарисовать всё остальное.
Нет более загадок
Надеемся, наша статья была вам полезна. Теперь вы смело можете говорить: «Я хочу научиться рисовать портреты карандашом», и знаете, с чего нужно начать яркий путь художника.
Присоединяйтесь к нашему увлекательному путешествию в искусство! Откройте двери в мир художественного мастерства, чтобы раскрыть свой творческий потенциал!