1970-е годы были золотым веком для триллеров. Это была эпоха паранойи и разочарования, и многие кинематографисты отражали это в своих фильмах. Независимо от того, были ли они посвящены политическим убийствам или нападениям акул, несколько режиссеров воплотили тревоги своего времени в захватывающие кинематографические произведения искусства, которые и сегодня остаются шедеврами.
С учетом этого, в данном списке представлены лучшие триллеры 1970-х годов. Нижеперечисленные фильмы были сняты известными режиссерами, чьи имена стали синонимами качества, и все они раздвинули границы в плане тона, стиля и тематики, при этом оставаясь напряженными и увлекательными историями. Они по-прежнему производят сильное впечатление, что способствует значимому месту этого десятилетия в истории кино и делает эти фильмы выдающимися произведениями сами по себе.
«Сестры» (1972)
«Что дьявол соединил, человек да не разлучает». Фильм «Сестры» положил начало репутации Брайана Де Пальмы как мастера психологических триллеров. В нем прослеживается влияние Хичкока, а также стремление режиссера выйти за рамки привычного и перейти в более странную и кровавую область. В центре сюжета — модель (Марго Киддер) с темным секретом, связанным с ее сестрой-близнецом, и журналист-любитель, который становится одержим идеей раскрыть правду после того, как становится свидетелем убийства.
Начальная постановка знакома, но ее исполнение – совсем другое дело. С эстетической точки зрения Де Пальма увлекается разделенными экранами, вуайеристской операторской работой и мрачным саспенсом. В результате получается триллер, который балансирует между эксплуатацией и искусством, используя кровавые сцены и шок как средства для создания подлинного беспокойства. Хотя Де Пальма впоследствии создал более отточенные шедевры, «Сестры» остаются одной из его самых сырых и тревожных работ. Интересный факт: кульминационная сцена фильма Тарантино «Однажды в Голливуде» с убийцей Мэнсоном, вооруженным ножом, является визуальной отсылкой к «Сестрам».
«Три дня Кондора» (1975)
«Кто-то или что-то гнило в Компании!» Этот триллер о заговоре прекрасно передает паранойю и недовольство эпохи после Уотергейта. Роберт Редфорд играет роль низкопоставленного аналитика ЦРУ, который едва выживает после массового убийства в офисе и попадает в теневой заговор, из-за которого ему приходится бежать от своего правительства. Далее следует напряженная погоня по Нью-Йорку, где, кажется, никому нельзя доверять.
Напротив Редфорда, Фэй Данауэй добавляет глубины в необычно сложной роли «роковой женщины», где вы никогда не можете быть уверены в позиции ее персонажа. Что касается режиссуры, Сидней Поллак поддерживает напряжение, сочетая реализм и динамичный темп. Монтаж и съемки стильные, но не переборщивают. В итоге «Три дня Кондора» удается и как захватывающее развлечение, и как снимок разочарованной нации. С тех пор недоверие общественности к властям только усилилось, что делает этот фильм еще более актуальным.
«Клют» (1971)
«Я совершила ужасные вещи, я убила трех человек». «Клют» — еще один триллер, который выходит далеко за рамки жанра и становится удивительно глубоким исследованием характера. Джейн Фонда, получившая за эту роль «Оскар», играет Бри Дэниелс, девушку по вызову, которая оказывается вовлечена в дело о пропавшем человеке, расследуемое детективом из маленького городка Джоном Клютом (Дональд Сазерленд). То, что начинается как процедурный фильм, превращается в нечто гораздо более интересное. Режиссер Алан Дж. Пакула использует элементы детектива, чтобы исследовать темы слежки и эксплуатации.
Образы в фильме поразительны. Кинематография Гордона Уиллиса окутывает Нью-Йорк тенью, создавая визуальный ландшафт угрозы, где опасность ощущается повсюду. Тем не менее, главной изюминкой фильма, несомненно, является Фонда. Она играет Бри с убедительным сочетанием интеллекта, хрупкости и стойкости, и ее игра значительно повышает уровень фильма. В руках менее талантливого актера Бри могла бы быть не более чем средством развития сюжета или типичным персонажем. Вместо этого, благодаря Фонде, она играет такую же центральную роль в создании напряжения, как и сама загадка.
«А теперь не смотри» (1973)
«Ничто не является тем, чем кажется». Николас Роуг снял несколько шедевров в 70-х годах, но лучший из них — «А теперь не смотри». Это один из самых запоминающихся триллеров, когда-либо снятых, размышление о горе, окутанное сверхъестественным страхом. Дональд Сазерленд и Джули Кристи играют пару, скорбящую о случайной смерти своей дочери. Они переезжают в Венецию в надежде исцелиться, но вместо этого попадают в паутину психических видений и таинственных предупреждений, в то время как убийца преследует их по каналам.
Хотя сюжет фильма умный и увлекательный, зрителя на самом деле привлекает атмосфера. Сама Венеция становится персонажем, лабиринтом каналов и теней, который, кажется, поглощает скорбящую пару целиком. Кроме того, фрагментированный стиль монтажа Рога и дезориентирующие образы еще больше усиливают чувство беспокойства. Фильм «А теперь не смотри» также очень символичен, с повторяющимися мотивами и образами, которые приобретают более глубокий смысл или намекают на будущие события. Этот подход оказал большое влияние и получил высокую оценку со стороны таких последующих рассказчиков, как Райан Мерфи и Дэнни Бойл.
«Заговор «Параллакс»» (1974)
«Тебе нравится, да?» Алан Дж. Пакула снова в деле. В фильме «Заговор «Параллакс»» Уоррен Битти играет журналиста, расследующего деятельность теневой корпорации, связанной с политическими убийствами. И снова это фильм, который очень точно отражает настроение того времени, когда общественность все еще не оправилась от разоблачений Уотергейта. Пакула опирается на это, лишая зрителя всякого утешения и представляя мир, в котором правда неуловима, а власть невидима, но абсолютна. Эта мрачность, вплоть до разрушительного финала, отличает фильм от более традиционных триллеров той эпохи.
В этом смысле «Заговор «Параллакс»» открыл новые горизонты для политических триллеров и создал сценарий, который впоследствии заимствовали другие режиссеры. Помимо мрачной атмосферы, фильм также отличается по-настоящему вдохновенными визуальными эффектами. Знаменитый «тест параллакса» — это монтаж, предназначенный для «промывания мозгов» новобранцам, в котором мелькают изображения Ричарда Никсона, Ли Харви Освальда, Тора и Гитлера, а также слова «ЛЮБОВЬ», «ВРАГ» и «Я».
«Соломенные псы» (1971)
«Ты трус». Один из самых противоречивых триллеров 70-х годов, «Соломенные псы» — это жестокое исследование насилия, мужественности и морали. Дастин Хоффман играет главную роль Дэвида, американского ученого, который переезжает со своей женой (Сьюзан Джордж) в сельскую Англию, где вступает в конфликт с местными мужчинами. Напряжение нарастает и перерастает в шокирующее насилие, кульминацией которого становится осада, заставляющая Дэвида столкнуться со своей способностью к жестокости. Режиссером фильма выступил Сэм Пекинпа, создатель «Дикой банды», известный своим жестоким кино.
Эта печальная слава наиболее очевидна в мучительной сцене сексуального насилия в «Соломенных псах», которая вызвала споры при выходе фильма и по-прежнему вызывает разногласия спустя десятилетия. Однако «Соломенные псы» — это не просто эксплуатационный фильм. Помимо споров, это подлинный разбор человеческой жестокости. Фильм исследует тонкий слой цивилизованности, который маскирует первобытные инстинкты. Нравится он вам или нет, «Соломенные псы» невозможно игнорировать — это фильм, который доводит триллер до самых провокационных крайностей.
«Французский связной» (1971)
«Никому не доверяй!» Фильм «Французский связной» установил новый стандарт для криминальных триллеров, соединив суровый реализм с захватывающим действием. Джин Хэкман сыграл роль Попая Дойла, неумолимого нью-йоркского полицейского, одержимого идеей уничтожить французскую банду, занимающуюся контрабандой героина. Кинематография фильма, снятого в документальном стиле, погружает зрителей в грязь Нью-Йорка начала 70-х годов, а морально неоднозначные персонажи отражают мир, в котором грань между справедливостью и одержимостью становится все более размытой. Действительно, Дойл вызывает беспокойство, но в то же время он геройский персонаж.
Уильям Фридкин был здесь на пике своей карьеры, создав несколько сцен, которые и сегодня производят сильное впечатление. Главная из них — легендарная автомобильная погоня под надземной железной дорогой. Это одна из величайших сцен в истории кино, сочетающая в себе грубую энергию и нервотрепку. Не зря «Французский связной» получил в том году «Оскар» за лучший фильм, навсегда переопределив жанр городского триллера и задав тон на десятилетия реалистичных полицейских драм.
«Колдун» (1977)
«Мне все равно, где он находится и во что это обойдется». Еще один хит от Фридкина. «Колдун» — свободная экранизация фильма Анри-Жоржа Клузо «Цена страха» — рассказывает о группе отчаявшихся мужчин, которым поручено перевезти нестабильный динамит через опасную южноамериканскую местность. Далее следует два часа нервного напряжения, поскольку Фридкин превращает каждое препятствие, включая обрушившиеся мосты, джунглевую грязь и ливни, в сцены, от которых зависит жизнь или смерть. Кульминацией становится мастерски напряженная сцена, в которой грузовики пытаются пересечь шаткий веревочный мост.
Интенсивность фильма заключается не в перестрелках или заговорах, а в чистой физической опасности путешествия. Каждая выбоина на дороге представляет собой потенциальную катастрофу. Над всем висит ощущение надвигающейся гибели, усугубляемое пульсирующей электронной музыкой Tangerine Dream. Все это делает «Колдуна» одной из самых захватывающих историй о выживании своей эпохи. Хотя фильм провалился в прокате (затмеваясь «Звездными войнами»), с тех пор он был переоценен как шедевр.
«Разговор» (1974)
«Он убьет тебя, если представится случай». То, что Фрэнсис Форд Коппола создал этот тихий шедевр между двумя частями «Крестного отца», свидетельствует о его величии. «Разговор» — это медленно развивающийся триллер, в котором действие заменяет удушающая паранойя. Джин Хэкман практически в одиночку несет на себе всю тяжесть фильма, играя Гарри Коула, эксперта по наблюдению, чья одержимость загадочной записью втягивает его в спираль вины и страха. Фильм превращает эту предпосылку в острое заявление о частной жизни, морали и цене профессиональной отстраненности.
Коппола создает «Разговор» с минималистской точностью, используя звуковой дизайн как оружие. Фрагменты диалогов искажаются и деформируются, оставляя и Гарри, и зрителей в неведении относительно правды. Ему помогает подходящая сложная игра его звезды. Исполнение Хэкманом роли Коула, человека одновременно гениального и сломленного, закрепляет медленное погружение фильма в отчаяние. Все это складывается в триллер, определяемый не взрывами, а тишиной, где опасность заключается в том, что мы слышим и чего не слышим.
«Челюсти» (1975)
«Это не была лодочная авария». С фильмом «Челюсти» Спилберг создал настоящий блокбастер-триллер. Сюжет прост — большая белая акула терроризирует небольшой приморский городок, вынуждая полицейского начальника, морского биолога и седого рыбака выследить ее, — но исполнение мастерское: с помощью сдержанности и намеков создается невыносимое напряжение. Известно, что неисправная акула заставила Спилберга больше намекать, чем показывать, что только усилило напряжение. В результате каждая рябь на воде излучает чистый ужас.
Каждый элемент находится на своем месте, служа общему делу. «Челюсти» — это не просто фильм про монстра, а настоящий мастер-класс по темпу, характеру и эскалации. Особенно выделяется музыка. Знаменитая двухнотная мелодия Джона Уильямса входит в число самых страшных мелодий в истории кино. С тех пор фильм настолько прочно вошел в общественное сознание, что сейчас его легко принимать как должное, но в 1975 году «Челюсти» были настоящим прорывом.