Здравствуйте, дорогие читатели! 12 июня 2025 года я побывал на выставке репродукций картин мексиканской художницы Фриды Кало. Она проходила в галерее Vekarta на улице Волжской, 18, корпус 2, в Саратове. Организатором выступила всероссийская выставочная компания Арт-Экспо.
Выставка посвящена одной из самых узнаваемых и вдохновляющих художниц XX века. В экспозиции представлено более 90 картин и рисунков Фриды Кало, а также работы её супруга Диего Риверы, известного мексиканского художника-муралиста. Выставка сопровождается фотографиями из личного архива Фриды.
В отчёте я расположил экспонаты в хронологическом порядке, сопроводив каждый из них подробными историческими пояснениями.
Давайте вместе посмотрим на яркие экспонаты выставки и погрузимся в мир красок мексиканской художницы Фриды Кало.
Магдалена Кармен Фрида Кало Кальдерон родилась 6 июля 1907 года в Мехико, в доме, который принадлежал её родителям с 1904 года. Сегодня тот дом известен как «La Casa Azul» или «Голубой дом».
С детства Фрида была знакома с миром фотографии. Она сопровождала своего отца, Гильермо Кало – известного фотографа немецко-венгерского происхождения – она помогала ему в тёмной комнате, ретушируя фотопластинки. Этот ценный архив с более чем пятью тысячами изображений, остававшийся без внимания в течении многих лет, это не только рисунки, рассказы, одежда и лекарства, это результат упорства Фриды, коллекция, над которой она трудилась, наслаждаясь и лелея эти произведения. Основными интересами художницы на протяжении её бурной жизни оставались ее семья, ее любовь к Диего и другие ее увлечения, ее поврежденное тело, искусство, политика и наука, все это пронизано ее огромной страстью к Мексике, ко всему мексиканскому. Фрида дорожила старыми семейными портретами, как по материнской, так и по отцовской сторонам семьи, и теми которые сфотографировал Дон Гильермо. Автопортреты выделяются из этой группы, которые с раннего возраста и на протяжении всей ее жизни были портретами отца Фриды.
Работа названа в честь бара «рulquеriа». В нижней части картины, идентифицируемого по его декоративному «paреl picado» (обрезка бумаги и традиционному «пульковому» стеклу, нарисованному на стене.
Церковь и площадь на этой работе могли изображать реальное место в Койоакане. Кало неоднозначно применяла традиционные правила перспективы и использовала яркие цвета, теперь слегка выцветшие, чтобы запечатлеть украшенные фасады. «Echate l'Otra» посвящена Анхелю Саласу, одному из школьных друзей Фриды, который позже будет учиться в Национальной музыкальной консерватории Мексики и станет важным музыковедом.
Двуязычная надпись на обороте гласит: «Этот детский рисунок для моего хорошего друга Анхеля Саласа, Фридуча, Койоакан, 18 июля, смерть Бенемерито Б.Хуареса».
Фрида Кало написала свой «Автопортрет в бархатном платье» в 1926 году. Эта картина, на которую повлияли работы Пармиджанино или Модильяни, является первым профессиональным произведением художницы, Автопортрет считается одной из первых важных работ мексиканской художницы. После жуткой аварии Фрида не могла двигаться и удобнее всего ей было рисовать... саму себя при помощи зеркала. Хотя это полотно сложно назвать шедевром, но по нему уже можно увидеть огромный потенциал, заложенный в этой девушке.
Тогда она нарисовала автопортрет для своего парня, Алехандро Гомеса Ариаса, который расстался с ней. Фрида объяснила, что море на фоне является символом жизни.
В собрании Музея искусств Тласкалы есть две версии этой работы, одна из которых - набросок карандашом, а другая - акварель. Акварель была выполнена на специальной бумаге, соответствующей технике. В этих работах справа на первом плане изображена Фрида, одетая в блузу с голубыми цветами. На заднем плане улица в Койоакане и трамвайные рельсы.
После несчастного случая в 1925 году Фриде Кало пришлось проводить долгие месяцы в постели. В попытке найти отвлечение, которое сделало бы ее выздоровление более терпимым, мать Фриды дала ей коробку с красками и переносной мольберт. Фрида начала делать рисунки и портреты близких ей людей.
Одним из первых портретов, которые она написала, был портрет Алисии Галант, Подруги, которая жила неподалеку в Койоакане. Фрида нарисовала ее в интерьере, сидящей прямо на стуле. Эта стилизованная поза напоминает работы Сандро Боттичелли, которые были среди фаворитов Фриды и составляли ее ближайший художественный ориентир. В портрете преобладают темные цвета и тона, что затрудняет определение того, где заканчивается внутреннее пространство и начинается внешнее. Свет на портрете исходит от лица девушки, которая отводит взгляд зрителя. Через невидимое окно мы видим ночной пейзаж, в котором молодой художник разместила на фоне неба растительность и две звезды. Картина, должно быть, порадовала своего создателя, потому что она решила добавить на обороте надпись, с которой она признает себя художником: «Моя первая работа, Фрида Кало, 1927 год».
Портрет Мигеля Н. Лира является центральной работой коллекции Музея искусств Тласкалы; это единственное произведение с точной датой подготовки: 1927 год. Фрида написала этот портрет поэта (члена «Лос Качучас» и дорогого друга) по его просьбе. Художница не была удовлетворена картиной; однако поэту она очень понравилась. Кажется, что Капо взяла образ своего друга с какой-то фотографии. Вертушка, которую Лиро держит в правой руке, относится к детству. Книга, справа от него, несет изображения гуавы и местоимения «ты», потому что это были его первые две опубликованные книги. Ангелом может быть архангел Михаил, он также может быть хранителем и похож на религиозные образы первых стихов Мигеля.
Игрушечная лошадь и кукла могут быть ранними изображениями того, что в будущем будет двумя детскими текстами: Mi caballito Blanco (1943) и la muneca Pasilila (1942). Буква «R» может соответствовать имени его подруги, а затем его жены, Ребеки Торрес. Лира имеет прямое отношение к его фамилии и его деятельности в качестве поэта. Стоит помнить, что его первая «Ту» (1925 г.) была посвящена «Марии де Гуадалупе», колоколу святилища Окотла. Плавающий череп может представлять собой сувенир Мори или череп Дня Мертвых. Наконец звукоподрожания, R, также имя Мигеля являются частью эстетических экспериментов того времени (дадаизм и кубизм).
Эта картина – портрет парня Фриды Алехандро Ариаса. Она написана в традиционном портретном стиле, похожем на стиль фотографии, резко контрастируя с ренессансным стилем ее предыдущих портретов.
Легенда в правом верхнем углу картины гласит. «Алекс, с любовью я нарисовала твой портрет он один из моих товарищей навсегда, Фрида Кало, 30 лет спустя».
В 1922 году Фрида начала учебу в Национальной подготовительной школе в Мехико. Там она познакомилась и влюбилась в Алехандро Гомеса Ариаса. Три года они были неразлучны. Алекс, как его назвала Фрида, была с ней тем дождливым сентябрьским днем 1925 года, когда автобус, на котором они ехали, был сбит троллейбусом. Алехандро не был серьезно ранен, и именно он убедил врачей в больнице Красного Креста позаботиться о Фриде после того, как они оставили ее, думая, что она безнадежна и не выживет. Без его настойчивости Фрида вероятно, умерла бы.
Оправившись после аварии, Фрида написала бесчисленные письма Алексу. В своих письмах она жаловалась на боль и на прикованность к постели, иногда спрашивая его «что произойдет через 30 лет» или «как я буду, когда мне будет 30».
Фрида и Алекс расстались в июне 1928 года, и Фрида быстро обратила свое внимание на Диего Риверу.
Статус этой картины был «местонахождение неизвестно» в течение нескольких лет, но картина всплыла на свет после смерти Гомеса Ариаса в 1990 году. Картина была представлена на выставке Кало в 2005 году в Тaie Мodern в Лондоне и снова во Дворце изобразительных искусств Художественного музея в Мехико к 100-летию выставки. Рэйчел Тибол, известный мексиканский искусствовед и автор нескольких книг о Кало, увидела картину на выставке в Мехико И объявила ее «подделкой». Однако подлинность картины подтвердила Ольга Кампос, которая получила ее описание от самой Фриды в 1950 году в ходе интервью.
17 сентября 1925 года Фрида ехала на автобусе в Койоакан в сопровождении своего парня Алехандро Гомеса Ариаса. Они возвращались домой из школы. Фрида никогда не смела изобразить саму аварию непосредственно в работе, хотя она и сделала несколько рисунков и эту картину под названием «Автобус», на которой изображена группа пассажиров: босая коренная мексиканка, рабочий, домохозяйка с корзинкой, джентльмен из среднего класса и молодая женщина, которая вполне может быть самой Фридой. Ребенок смотрит в окно на пейзаж, полный спокойствия, где находится магазин La Risa (Смеx). Эта деталь черного юмора Фриды Кало, которая таким образом представляла момент непосредственно перед аварией.
Хотя часто говорят, что работы Фриды отличаются от работ ее мужа, художника - монументалиста Диего Риверы, нет никаких сомнений в том, что именно под его влиянием в начале своей карьеры она взялась нарисовать серию портретов мексиканских коренных жителей и детей – картины с привлекательными сочетаниями цветов в соответствии с традициями искусства Мексики. Портрет Вирджинии был исполнен в 1929 году, вскоре после того, как Фрида и Диего поженились.
Хотя живописная техника Фриды еще не была полностью сформированной в то время, картина обладает магнетизмом, который исходит от самого объекта: девочка сидит на ступе, вокруг нет ничего, что может отвлечь ваше внимание, а она пристально смотрит на вас. Художник уделял особое внимание деталям: оливково-зеленому платью в красный горошек и выражению лица модели. Фон обрабатывается проще: разделен на две области - фиолетовую и желтую.
В этой картине Фрида выразила то, к чему тяготеет её сердце. В то время её муж, Диего Ривера, работал над фреской для Детройтского института искусств, а Фрида задержалась в родном городе, в атмосфере древней земледельческой культуры Мексики. На этой картине Фрида одета в милое розовое платье и кружевные перчатки. Как и в других её автопортретах, её соски видны под тканью. На ее лице выражение протеста, в правой руке сигарета, как знак неповиновения. В другой руке маленький мексиканский флаг - символ её преданности своей родине.
Фрида стоит на пограничном бордюрном камне между Соединенными Штатами и Мексикой, на котором выгравировано: «Кармен Ривера нарисовала свой портрет в 1932 году». Она использовала свое христианское имя и фамилию мужа. Это знак того, что она чувствует себя всегда притворяющейся своей с её несовершенным английским. Или, может быть, она использует это имя, потому что оно появляется в некоторых газетах. Диего Ривера однажды весьма неуклюже представил Фриду журналистам из Детройта, сказав по-английски: «Его зовут Кармен».
На заднем плане картины солнце и четверть луны в облаках своим соприкосновением рождают молнию. На правой стороне этой картины, которая представляет Соединенные Штаты, одно облако из дыма от четырех труб завода FORD. На левой, мексиканской стороне находится частично разрушенный доколумбовский храм. Американские небоскрёбы контрастируют с мексиканскими идолами доколумбовских времен, черепами и кучей щебня. В нижней части картины в Мексике – экзотические растения с белыми корнями, в то время как в США только несколько приборов с черными электрическими проводами.
Фрида написала «Портрет Лютера Бербанка» в Сан-Франциско в 1931 году. Бербанк был ученым и садоводом, который экспериментировал с растениями и овощными гибридами. Его исследования произвели на Фриду такое впечатление, что она решила увековечить его на своей картине, как результат одного из его собственных экспериментов: наполовину человек, наполовину дерево. Его ноги и ступни сменили ствол и корни, вьющиеся под землёй сквозь скелет, который, возможно, принадлежит самому Бербанку. В руке он держит одно из растений, с которыми работал, в то время как другие плоды его экспериментов занимают окружающий пейзаж. Это одна из тех картин, изображающих двойственность, которой Фрида часто наполняла свои работы: в данном случае жизнь и смерть, человек и дерево. Как и в пищевой цепи, человек получает пропитание от земли, но его труп будет возвращен ей, чтобы питать ее в свою очередь.
Во время восемнадцатимесячного пребывания в Сан-Франциско Фрида Кало написала этот портрет себя и своего мужа, Диего Риверы, для мецената и будущего основателя музея Альберта Бендера. Кало сопровождала Риверу в Сан-Франциско после того как он получил оплату за выполнению росписей на фондовой бирже Сан-Франциско и в Калифорнийскиой школе изящных искусств, Вымпел, который держит голубь над парой, гласит: «Вот вы видите нас, меня, Фриду Кало, с моим любимым мужем Диего Риверой. Я нарисовала эти портреты в прекрасном городе Сан-Франциско штат Калифорния, для нашего друга мистера Альберта Бендера, и это было в апреле 1931 года ».
Годы, охватывающие создание этой картины, и настоящий момент стали свидетелями огромных изменений в статусе и роли женщин и, соответственно, в опыте женнщин-художников. В контексте ее времени индивидуальный, непримиримый и исключительно женский вклад Кало в модернизм, в котором доминировали мужчины, тем более примечателен. В этом образе Кало экономно использует традиционные устройства масштаба, композиции и иконографии, чтобы позиционировать себя как спутницу иконы американского модернизма, известного мексиканского монументалиста Диего Риверы. Огромная масса Риверы уверенно занимает половину картины, в то время как миниатюрная форма Кало, кажется, плавает рядом с ним, опираясь только на его слегка согнутую левую руку. Ее голова наклоняется к нему признавая его доминирование и уступая ему, но его голова отворачивается от нее. Он держит классический художественные атрибуты – палитр и кисти. Автопортретная живопись - это постоянные поиски самопрезентации и самовыражения.
На самом деле Ривера был более чем на фут выше, чем Кало, весил в три раза больше его жены и был вдвое старше ее. Его талант был хорошо известен, когда деньги стали причиной их визита в Сан-Франциско, в то время как ее карьера только началась. Имея в виду эти факты, можно задаться вопросом, изображает ли этот образ правдивое самопредставление или более изобретательную, завуалированную критику подчиненной роли Кало в отношениях с мужем.
На этом рисунке показан вид из отеля Barbizon Plaza, где Фрида и Диего останавливались в Нью-Йорке. Через окно мы видим пейзаж и некоторые городские здания. Внутри изображены полка, радиатор и некоторые вещи художника. Этот рисунок был подарком для Долорес дель Рио, мексиканской актрисы и друга пары.
В начале мая 1932 года Фрида снова забеременела, находясь в Детройте, Зная, что Диего не хочет детей, и зная, что есть определенные риски, связанные с деторождением, Фрида решила прервать беременность, как и предыдущую. Местный доктор в Детройте дал ей лекарства и касторовое масло, чтобы сделать аборт. Однако все попытки потерпели неудачу, и в этот момент Фрида решила доносить ребенка до срока. Врачи сказали ей, что она может донести ребенка до полного срока и родить с помощью кесарева сечения. К сожалению, они были не правы. 4 июля она перенесла ужасный и опасный для жизни выкидыш.
Считается, что эта незаконченная картина, изображающая кесарево сечение, была начата до выкидыша и является выражением как надежды, так и страха. На картине Фрида показывает родившегося ребенка рядом с ней. С разбитой надеждой, разрушенной выкидышем, она оставила картину незавершенной. Через пять дней после выкидыша она начала работу над рисунком в стиле «экс-вото» «Больница Генри Форда», на котором изображен весь ужас выкидыша.
Примерно в 1938 году Фрида познакомилась с Андре Бретоном, французским поэтом, искусствоведом и лидером сюрреалистического движения. Члены этой группы верили в высшую реальность снов над бодрствованием, фантазий над разумом, подсознания над сознанием. Кало никогда не признавала себя сюрреалистом. Однако такие работы как «Сон», должны были заставить Бретона сказать, что Фрида была естественным сюрреалистом.
Онейрология — наука о сне и различных аспектах сновидений.
Андре Бретон – французский писатель и поэт, основоположник сюрреализма.
4 июля 1932 года у Фриды произошел выкидыш в Детройте после того как она находилась под наблюдением своих врачей, которые рекомендовали длительные периоды полного постельного режима, чтобы прервать беременность. Однако ее тело не могло сопротивляться, и ее, наконец, доставили в больницу Генри Форда, где был сделан аборт, чтобы завершить процесс начатый дома.
Несколько дней спустя, в состоянии глубокой депрессии, Фрида попросила принести плод своего ребенка, чтобы она могла его нарисовать. Ей не исполнили этого желания, поэтому ей пришлось обойтись некоторыми иллюстрациями, предоставленными Диего и её врачами, с помощью них она начала создавать эту работу, названную в честь больницы, в которой она находилась.
На картине изображено её маленькое беспомощное тело, истекающее кровью на огромной кровати. Её живот все ещё велик, а вокруг появляются шесть различных элементов, прикрепленных к ее руке красными лентами, как будто эго пуповины. Справа, над головой кровати – улитка – символ медлительности аборта, по словам Фриды. Посередине находится плод желанного сына и розовый анатомический макет женской репродуктивной зоны слева, что указывает на переломы позвоночника Фриды. Внизу слева - механизм, как символ всего жёсткого и бездушного (эту же роль выполняет промышленный пейзаж на заднем плане); в середине – лиловая орхидея, напоминающая матку подаренная ей Диего; и, наконец, справа тазовая кость с переломом, не позволяющая рожать. Слезы льются из глаз Фриды. На горизонте открывается вид на Ford Motor Company в Детройте, где ее муж Ривера рисует фрески.
«Я сделала аборт в мгновение ока» - написала Фрида доктору Лео Элоэссеру.
Больница Генри Форда – первая картина, для которой Фрида использовала металлический лист в качестве основы, в традиции мексиканских ритуальных табличек.
Фрида сопровождает мужа, Диего Риверу на завод Форд Мотор Компани Ривер Руж, крупнейшем в то время заводском комплексе в мире, являющийся главной темой росписи DIА. Кало тоже использовала изображения завода Ривер Руж как предмет в своей работе в Детройте.
После более чем трех лет в Америке Фрида отчаянно хотела вернуться в свою родную Мексику. Диего, однако, оставался очарованным страной и своей популярностью и не хотел уезжать. Из этого конфликта родилась эта картина. Единственный коллаж в творчестве художника, она представляет собой ироничный портрет американского капитализма и популяризма. Наполненный символами современного американского индустриального общества, картина указывает на социальный упадок и разрушение фундаментальных человеческих ценностей. В этой работе Фрида придерживается противоположного взгляда на своего мужа, который выражал свое одобрение индустриального прогресса в росписи в Центре Рокфеллера.
Чего не хватает в этой картине, так это центрального элемента всех ее картин… ее самой. Вместо этого национальное платье народа Теуана, принадлежащее Фриде пусто и одиноко висит среди хаоса на заднем плане. Это может быть её способ сказать: «Я могу быть в Америке, но там висит только мое платье… моя жизнь в Мексике».
Фрида начала эту картину еще в Нью-Йорке и закончила ее после того, как она и Диего вернулись в Мексику. Она подписала эту картину мелом на обороте и добавила надпись: «Я нарисовала ее в Нью-Йорке, когда Диего писал роспись Рокфеллер-центре».
Картина была передана доверенному медицинскому советнику Фриды доктору Лео Эпоессеру из Сан-Франциско. Когда доктор Элоэссер умер в 1976 году он завещал картину своему давнему спутнику Джойсу Кэмпбеллу. В 1993 году Кэмпбелл продал картину незадолго до того, как появился бум на работы Кало.
В 1934 году Фриде вскоре стало известно о романе между Диего Риверой и её сестрой Кристиной Кало. Некоторые ученые считают, что картина «Несколько маленьких царапин» связана с этими обстоятельствами в дополнение к ее чувству чёрного юмора.
В этом случае предметом работы является несчастье другой женщины. Фрида прочитала историю в газете: мужчина в пьяном гневе убил свою жену, несколько раз ударил ее ножом, обнаружив, что она ему неверна. Перед судьей он сказал: «Но все, что я сделал, это нанёс ей несколько маленьких царапин!».
Фрида изобразила обнаженную, истекающую кровью женщину с полуоткрытыми глазами и текущей изо рта тонкой струйкой крови. Ее убийца стоит рядом с кроватью с ножом в руке. Чистые розовые стены контрастируют с остальной частью композиции, где преобладают пятна крови. В верхней части картины находится свиток поддерживаемый белым голубем и черной ласточкой, что, возможно, намекает на яркие и темные стороны любви. Фраза «несколько маленьких царапин» стала названием произведения.
Чтобы подчеркнуть драматический эффект картины, Фрида сделала рамку из гладкой древесины, которую она исколола ножом и сбрызнула мелкими каплями красной краски. Как будто кровь была разбрызгана за пределы рамки в мир зрителя, который становится свидетелем этого события.
Когда Фриде было одиннадцать месяцев, ее мать родила Кристину, младшую дочь Гильермо Кало и Матильды Кальдерон. Малютка Фрида была доверена местной медсестре, которая заботилась о ней.
Спустя годы Фрида воссоздала эти события в своей картине «Моя медсестра и я», на которой она изображает себя с телом младенца и лицом взрослого. Ее держит медсестра, коренная мексиканка, лицо которой скрыто доколумбовой маской, что делает невозможным определить, нравится ли ей забота о маленькой Фриде или нет. В левой груди мокрой медсестры видны протоки молочной железы, которые несут молоко ко рту, малышки Фриды, две капли молока вытекают из её правой груди, которые вот-вот капнут на платье младенца, выглядящее как будто оно соткано из того же вещества. Млечный дождь на заднем плане напоминает объяснение дождя, данного Фриде её медсестрой «Капли дождя - это молоко Девы Марии». Это молоко даёт жизнь пышной растительности на заднем плане, которая включает в себя нового вида растение с большим молочно-белым листом.
Как и многие картины Фриды Кало, «Автопортрет, посвященный Льву Троцкому», отражает определенные события в жизни художницы. Он ознаменовывает недолгую связь Кало с изгнанным русским революционером Львом Троцким вскоре после его прибытия в Мексику в 1937 году. На этой картине она изображает себя элегантно одетой в длинную вышитую юбку, в шали с бахромой и в нежных золотых украшениях. Цветы и красная пряжа украшают ее волосы, а искусно нанесенный макияж подчеркивает ее черты. Уравновешенная и уверенная в своем образе, Кало держит букет цветов и письмо с посвящением Троцкому, в котором есть слова: «со всей моей любовью».
Фрида Кало, как и многие мексиканские художники, работавшие после революционного десятилетия, начавшегося в 1910 году, в своём искусстве и жизни находилась под влияние националистического течения, известного как Мексиканиада. Вовлеченные в это движение художники отвергли европейское влияние выступили за возвращение к коренным устоям и народным традициям страны. Кало часто носила отличительную одежду женщин - теуантепек из юго-западной Мексики; она также обращалась к доколумбовскому и мексиканскому народному искусству для форм и символов в ее картинах. Композиционные элементы сцены и занавеса, например, взяты с мексиканских народных картин, называемых ретабло – это религиозные изображения Богоматери или христианских святых, написанные на олове. Фрида Кало их коллекционировала.
Работу «Портрет Диего Риверы» написана в 1937 году в стиле «Наивное искусство» (Примитивизм). На портрете изображена голова и верхняя часть туловища Диего Риверы на нейтральном фоне. Причёска героя аккуратно уложена, что характерно для моды того периода. Лицо Риверы выполнено с чувством реализма, выделяются его характерные черты: широкий нос, полные губы и внимательные глаза, которые смотрят прямо на зрителя.
Работа отражает глубокую привязанность Фриды Капо к Диего Ривере, при этом в портрете сочетаются близость и уважительное расстояние, которое так же заключено в тексте посвящённом 50-летию творческой деятельности мужа: «Возможно, некоторые люди надеются услышать от меня жалобы том, как сильно страдает кто-то, живя с таким человеком, как Диего. Но я не верю, что берега реки страдают из-за того, что вода течёт, или что земля страдает из-за дождя, или что атом страдает, высвобождая энергию... для меня всё имеет естественную компенсацию. Моя трудная неясная роль союзника необыкновенного человека носит характер компенсации, которую, например, зелёная точка несёт внутри большой площади красного -компенсации равновесия».
Эту картину иногда называют «Что я видела в воде». В отличие от большинства картин Фриды, эта картина не имеет доминирующей центральной направленности. Это символическая работа, иллюстрирующая различные события из жизни художницы и включающая многочисленные элементы из других ее работ. Стиль этой картины «сюрреалистический», хотя художница и не знал о сюрреализме во время работы над картиной.
Что вода дала ей – прошлое и настоящее, жизнь и смерть, утешение и потеря. Посреди этого видения – Фрида, утонувшая в своих фантазиях и кровоточащая из уголка рта. Ее держит на плаву лассо, которое служит канатом для насекомых и миниатюрной танцовщицы.
Фрида, о которой больше всего говорили о живописи в беседе е Жюльеном Леви, описывает эту картину как: «Это образ скоротечного времени… о играх времени и детства в ванной и грусти о том, что произошло в гонке жизни».
Хотя картина подписана и датирована «1939», она была написана годом ранее. Картина без подписи и без даты была выставлена Андрэ Бретоном в Париже в январе 1939 года. Когда она была возвращена в Мексику, Кало подписал ее и датировал ее «1939». Фрида передала картину своему любовнику - фотографу Николасу Мураю в качестве компенсации за долг в 400 долларов.
Фрида Кало написала натюрморт «Питайя» в 1938 году, когда ей было тридцать один год. Он был написан маслом на алюминии, традиционных материалах, используемых в Мексике для религиозных алтарных росписей, известных как ех-votos и retablos, когда проситель предлагал святому принять дав в ответ на молитву.
Каждый предмет из этого полотна рассказывает нам что-то о самом авторе: где она жила, о ее интересе к своей родной мексиканской культуре, ее физической боли и ее отношении к жизни и смерти. Объекты расположены в передней части изображения так, что наши глаза движутся по кругу, точно так же, как жизнь идет от рождения к смерти, и так же, как жизнь растений обновляется, когда семена падают на землю и прорастают.
Питайя – это съедобный плод кактуса Нylocereus c жесткой внешней оболочкой, которая защищает сочную мякоть внутри. На картине фрукты разрезаны, видны мякоть и семена. Фрида Кало использует эти образы как сексуальные символы и как ссылки на собственное разбитое тело. Будучи подростком, она попала в аварию, когда автобус, в котором она ехала, столкнулся с троллейбусом; ее тело было пронзено поручнем, переломаны кости. Художница перенесла многочисленные операции и постоянно страдала от боли в течение всей своей жизни. Опыт, связанный с этим несчастным случаем, часто отражался в ее картинах.
На заднем плане изображен Питахайс- игрушечный скелет, похожий на те, что продается в Мексике для празднования Дня мертвых или Dia de los muertos. Игрушка является символом смертности, а также ссылкой на индейское и испанское наследие Мексики. Призрак смерти силен как в ацтекском, так и в католическом религиозном Искусстве, так же как и в собственной жизни Кало из-за ее слабого здоровья.
Искусство Фриды Кало отражает eё собственный опыт, но также предполагает интерес к мексиканскому популярному и народному искусству. Она адаптировала несложные композиции, используемые провинциальными художниками для многих своих автопортретов. В своём искусстве Фрида использовала темы рождения и возрождения, двойственности жизни и смерти.
Работа состоит из двух частей:
- Автопортрет, нарисованный маслом на тонкой алюминиевой пластине;
- Витражная роспись с обратной стороны стекла, обрамляет портрет и служит рамкой.
B 1939 году Лувр купил «Кадр» Кало, сделав его первым произведением Мексиканского художника 20-го века, приобретенным всемирно известным музеем. Несмотря на такое достижение, Кало все еще была известна большую часть своей жизни, как жена Диего Риверы, за которого она вышла замуж в 1929 году.
В этом необычном автопортрете она экспериментирует со «смешанной средой». Автопортрет Фриды и синий фон написаны на алюминиевом листе, в то время как граница с птицами и цветами нарисована на оборотной стороне стекла, которое лежит на портрете.
Возможным мотивом для этой картины послужила бисексуальность Фриды. У нее были друзей - лесбиянок и она не пыталась скрыть свою бисексуальность даже от своего мужа. Светлокожая женщина кладет голову на колени темнокожей, а из подлеска за обеими наблюдает обезьяна; традиционный символ греха, дьявола и животной сексуальности. Или, возможно, картина вообще не несет такой посыл, а две женщины – это два аспекта дуальности Фриды; европейский и мексиканский, утешитель и утешенный. Те же две обнаженные фигуры на этой картине также появились в более ранней картине «Что вода дала мне».
Картина была подарком для ее близкого друга, мексиканской кинозвезды Долорес Дель Рио. Первоначальное название работы - «Сама Земля».
Неясно является ли одна из женщин на этой картине Фридой. Также на работе нет обычной подписи Фриды.
В 1989 году эта картина была выставлена на аукцион Sotheby's c предполагаемой Ценой продажи от 120 000 до 160 000 долларов. Она была продана за 506 000 долларов Мэри Энн Мартин, владельцу Нью-Йоркской художественной галереи, специализирующейся на латиноамериканском искусстве. Поп-звезда «Мадонна», которая в то время покупала и коллекционировала произведения искусства Кало, была перекупщиком.
В 2013 году изображение этой картины было размещено на почтовой марке африканского государства Кот-д’Ивуар.
В детстве Фрида очень страдала от насмешек одноклассников и соседских мальчишек, дразнивших ее из-за иссушенной полиомиелитом правой ноги. Своих обидчиков девочка колотила, на ногу надевала несколько чулок, чтобы разница между больной и здоровой конечностями была не так заметна. А душу лечила, убегая в волшебный мир фантазий, где ее ждала единственная на тот момент подруга девочка, очень похожая на нее саму.
Упоминая картину «Две Фриды» в своем дневнике, Кало пишет, что ее вдохновили воспоминания о маленькой воображаемой подруге. Но этот дневник часто был летописью совсем другой жизни Фриды, красивой и счастливой, мало похожей на настоящую. Позже художница все-таки призналась, что двойной портрет стал плодом её переживаний по поводу кризиса в семейных отношениях, окончившегося разводом с Диего Риверой.
На картине изображены две сущности Фриды: та, которую любил Диего (в одном из традиционных мексиканских костюмов, что так ему нравились), и та, которую он отверг (наряженная в кукольное свадебное платье в викторианском стиле). И обе они несчастны, поскольку любовь одной из них осталась в прошлом, а вторая обречена на существование без сердца. Обе они рискуют погибнуть, потому что и без того скудная жизненная сила, которой крошечный портрет Диего-ребенка питает их одно на двоих сердце, бесследно утекает в никуда, несмотря на попытки Фриды остановить кровотечение хирургическим зажимом. Этот автопортрет очень наглядно дает понять, что на тот момент у Кало оставалось единственное близкое существо -она сама.
В 1947 году картину за 4000 песо (около 1000 долларов) купил Национальный институт изящных искусств в Мехико. Это была самая крупная сумма, полученная за картину Фриды Кало при ее жизни. Портрет представлен в Музее национального искусства, который является частью Института. Репродукцию этой картины можно увидеть в Голубом доме, резиденции семьи Кало, а позже – Кало-Ривера, доме в котором художница родилась и умерла, и который в 1958 году открыл двери публике, став музеем Фриды Кало.
На этой фотографии запечатлена Фрида Кало, рисуящая «Автопортрет в образе Теуана», также известного как «Диего в моей голове». Она начала рисовать в 1940 году, но завершила ее только в 1943 году. Диего Ривера стоит за стулом, наблюдая за её работой. В готовой картине на лбу Кало нарисован портрет Риверы в полный рост- если бы готовая версия появилась бы на этом снимке, нарисованный Ривера вернул бы взгляд человеку, наблюдающему за работой Фриды.
Это первый автопортрет Фриды после ее развода с мужем. Вместо женской одежды, которую можно увидеть в большинстве ее автопортретов, Фрида выглядит одетой в костюм большого темного мужчины, вероятно, одного из костюмов Диего. Она Только что отрезала свои длинные волосы, которыми Диего так восхищался. В левой руке – прядь своих стриженых волос, как символ своей жертвы. В правой руке – ножницы, которыми она терзала свою женственность. Пряди волос повсюду, как будто они живут своей жизнью. Окруженная свидетельством своего поступка, Фрида сидит в огромном необитаемом пространстве, что говорит о глубине ее отчаяния. Стих песни, нарисованный в верхней части портрета, указывает на причину этого акта мученья:
«Видишь, если бы я любил тебя, это было бы из-за твоих волос, теперь ты лысый, я больше не люблю тебя».
После развода Фрида решила отказаться от женского образа, требуемого от неё. Она отрезала волосы, отказалась от традиционных костюмов народа Теуаны, которые так нравились Диего, и вместо этого надела мужской костюм. Единственным женским атрибутом, который она сохранила, были ее серьги. Этот автопортрет, кажется, выражает ее стремление к свободе и независимости от мужчины.
Кало нарисовала автопортрет с черной пантерой и обезьяной после ее развода с Диего Риверой и окончания eё романа с фотографом Николасом Мураем. Мурай купил портрет вскоре после того как он был нарисован, и в настоящее время он входит коллекцию Николаса Мурая в Центре Гарри Рэнсома в Техасском университете в Остине.
Отождествление Кало с мексиканской культурой сильно повлияло на эстетику её Живописи. Используя мощную иконографию из мексиканской культуры коренных народов, Кало находится в традиционном восстании против колониальных сил и мужского правления. Мертвая колибри, висящая на ее шее, считается талисманом удачи и любви в мексиканском фольклоре. Альтернативная интерпретация заключается в том, что подвеска колибри является символом Уицилопочтли, ацтекского бога войны. Между тем, черная пантера является символом неудачи и смерти, а обезьяна является символом зла. Природный ландшафт на заднем плане, который обычно символизирует плодородие, контрастирует со смертельными образами на переднем плане. Ривера преподнёс Кало паучью обезьяну в качестве подарка, поэтому можно предположить, что этот персонаж может быть символом самого Риверы, тем более, что он причиняет боль Капо, дергая колючее ожерелье достаточно сильною чтобы заставить ее истечь кровью. С другой стороны, колючее ожерелье могло ссылаться на терновый венец Христа, уподобляя Фриду христианскому мученику и представляя боль и страдание которые она испытывала после своих неудачных романтических отношений. В соответствии с этой интерпретацией, бабочки и стрекозы могут символизировать ее воскресение.
«Я и мои попугаи» - автопортрет Фриды Кало, написанный в 1941 году.
Автопортрет – наиболее часто встречающийся жанр в коротком, но насыщенном творчестве Фриды Кало. В 1920-х годах она изображала себя трижды, в последующее десятилетие – двадцать раз, ещё двадцать раз в 1940-х годах и, наконец, пять раз за четыре года перед смертью в 1954-м. В целом треть всех её произведений – автопортреты, не считая тех, где присутствие автора было метафорическим либо символическим.
На картине изображена художница в традиционном мексиканском платье, которая пристально смотрит на зрителя. Взгляд Фриды захватывает, отвлекая внимание от деталей изображения.
Несмотря на яркие цвета, попугаи не затмевают Кало, а, наоборот, усиливают её присутствие, привнося в картину другое измерение.
«Я и мои попугаи» считают оазисом спокойствия в истории Кало. Несмотря на горе от потери отца, физические и личные страдания и болезненный брак, художница всё же смогла найти для себя место мира.
Смысл работ Фриды Кало всегда скрыт глубоко внутри. Окинув быстрым взглядом картину, зритель никогда не поймёт значения, потому что каждый предмет становится символом.
Невеста – маленькая кукла, выглядывающая из разрезанного арбуза. Две части арбуза, представленные на картине, это не две половины. Они символизируют любовь и страсть, которые не могут быть вместе. Также здесь можно проследить пикантные, чувственные ноты, показанные Фридой. Мужское начало – это банная, женское – разрезанная папайя. Все фрукты на картинке описывают круг инь и янь.
Яркие цвета и эротический подтекст говорят о влиянии европейского авангарда на творчество художницы в 1940-х годах. Она не считала себя сюрреалистом, но впитывала в себя это течение, передавая его на своих полотнах.
Тоска Фриды об объятиях ее матери превратилась в сильное желание чувствовать себя рядом с людьми, растениями, животными. Одно из самых трогательных выражений потребности Фриды в любви проявляется в «Портрете Доньи Розиты Морильо». Картина обладает утонченным реализмом, который Фрида освоила в течение 1940-х годов. Она изображает мудрую и добрую бабушку с такими деталями что мы чувствуем, что можем протянуть руку и прикоснуться к ней. Художник уделяет особое внимание окружающей обстановке вокруг объекта: растениям на заднем плане и кактусу (с точной прорисовкой каждого шипа). Даже волосы, выбившиеся из косы Доньи Розиты, точно проработаны. Хотя на картине изображена пожилая женщина, Фрида подчёркивает чувство физической силы посредством вытягивания рук, которые крепко держатся за спицы.
Сломанная колона была написана вскоре после того как Фриде сделали операцию на позвоночнике. Операция оставила её прикованной к постели и «заключённой» в металлический корсет, чтобы он помог облегчить интенсивную боль, которую девушка испытывала постоянно.
На картине она изображена стоящей посреди наброска пейзажа. Её туловище заключено в металлические ремни с подкладкой из ткани, которые обеспечивают поддержку её спине. Они помогают предотвратить разрушение позвоночника, который художница представила зрителям как разрушающуюся колонну. Хотя её лицо залито слезами, оно не отражает признаков боли. Мироощущение, которое оно выражает – сильное и волевое, которое она проявляла в жизни. Гвозди, пронизывающие её тело, являются символами постоянной боли, с которой она вынуждена жить. Самые большие гвозди, вонзённые в колонну, обозначают громадный ущерб, причинённый несчастным случаем в 1925 году, гвозди в её левую груди относятся скорее к эмоциональной боли, к душевным страданиям, к её чувству одиночества. Когда её спросили однажды, почему она так часто изображала себя в своих работах, Фрида ответила, что это потому что она всегда была одна и потому что она сама была тем, что она знала лучшего всего.
По большой части, Фрида рисовала для собственного удовольствия. Однако в начале 1940-х годов известность Фриды выросла, поскольку её искусство было представлено на крупных выставках в Мексике. В результате она стала принимать всё больше и больше платных заказов.
Эдуардо Морильо Сафа, аграрный инженер, работавший на дипломатической службе, был её давним другом и главным покровителем. В 1944 году он поручил Фриде нарисовать этот портер и портреты других членов его семьи: жены, сына, дочери и необычайно красивого портрета матери. За эти годы Эдуардо приобрёл более 30 произведений Фриды. Его коллекция была приобретена Долорес Олмедо и сейчас экспонируется в музее Ла Нория в Мехико.
В картине «Цветок жизни» Фрида представила свою одержимость плодородием. Красный цветок, который появляется среди листьев того же цвета, является ничем иным, как изображением мужских и женских половых органов в момент полового акта. Внутренний взрыв проецирует брызги золотых точек, которые представляют сперму, исходящую из центра цветка. Слева есть вспышка молнии, которая добавляет интенсивности сцене, а справа солнце, которое интерпретируется как символ яйцеклетки, ожидающей оплодотворения.
Эта картина иногда упоминается как «Ядро Творения». В письменном описании своей работы Фрида называет ее «Моисей» или «Рождение героя».
Этот шедевр был заказан доном Хосе Доминго Лавином. Кало нарисовал ранее портрет жены Лавина в 1942 году. Лавин попросил Фриду прочитать книгу Зигмунда Фрейда «Моисей – человек и монотеистическая религия», а затем нарисовать ее интерпретацию прочитанного. Эта картина была выполнена в стиле миниатюрной фрески... возможно, для копирования работ ее знаменитого мужа, монументалиста Диего Риверы. Центральная фигура брошенного младенца, Моисея, очень похожа на Диего и носит, как и Диего на других картинах, третий глаз мудрости на лбу. Рождение происходит под солнцем, дающим жизнь, окружении богов, героев, простого человечества и всеобъемлющих рук смерти. На переднем плане, по словам Фриды, раковина, изливающая жидкость в вогнутую ракушку, является символом любви. Свежие, покрытые листвой ветви, прорастающие из стволов мертвых деревьев, относятся к циклу жизни-смерти, который встречается во многих картинах Фриды.
В 1954 году Ракель Тибол, мексиканский искусствовед, историк и автор, взяла интервью у Фриды и спросила ее об этой картине и ее связи с книгой Фрейда «Моисей». «Я прочитал книгу только один раз, - заметила Фрида, - и начал рисовать свое первое впечатление. Позже я прочитал ее снова, и должен признаться, что моя работа Фрейд так чудесно анализирует в своей [книге] Моисей. Но теперь нет возможности изменить это...».
Фриде понадобилось три месяца, чтобы закончить эту картину. За эту работу Фрида была удостоена второй премии на ежегодной художественной выставке в Дворец Изящных Искусств в Мексике.
Во многих своих автопортретах Фриду сопровождают ее любимые животные, заменяющие ей детей, которых она никогда не имела. Иногда это обезьяны-пауки, попугаи или собаки. Так обстоит дело с этим «Автопортретом с маленькой обезьяной» (1945), на котором изображена Фрида в три четверти, с нарядом и прической коренных женщин юго-востока Мексики. Золотистой лентой она переплетена с сеньором Ксолотлем, как она называла свою мексиканскую голую собаку, в то время как позади нее, справа, на зрителя смотрит обезьяна-паук. С другой стороны изображён доиспанский идол. Один конец ленты, которая связывает все фигуры, окружает подпись Фриды, в то время как другой наматывается вокруг гвоздя, Пронизывающего облака, создающие фон картины.
Фрида Кало написала этот автопортрет B 1945 году, когда ее знаменитый художественный стиль и техническое мастерство было полностью развито. В то время удовлетворение, вызванное ее профессиональной карьерой, было омрачено особенно сложной ситуацией в личной жизни. Ее отношения с Диего Риверой были невероятно сложными, и ее физическое здоровье значительно ухудшилось.
Знаменитые автопортреты Фриды дают представление о ее беспокойном внутреннем мире. У них есть свой собственный символизм, а полотна полны скрытых подсказок, помогающих внимательным найти их смысл. Само лицо Фриды открыто, выражает ни боли, ни мучений, которые есть в ее других работах. Её каменное лицо маскирует все чувства. Фон картины очень тёмный, покрытый листьями, поверх которых нарисовано большое высохшее дерево. Скорее это даже пень или часть ствола.
Оголенный, с малочисленными и обломанными ветвями, он как бы намекает на сломанный позвоночник Фриды и, возможно,- на смерть.
Платье, B которое одета Фрида вышитая Tehuana huipil, традиционная одежда мексиканок .Данный экземпляр сделан из черного бархата. Это платье было любимым у Диего, мужа Фриды; само по себе оно характеризовала женщину как сильную и равную по статусу любому мужчине.
Волосы Фриды свободно распущены, лежат позади головы как вуаль, часть их собрана на макушке и перевита зеленой лентой. Зеленый цвет обозначает для художницы цвет листьев и грусти. Фрида – в трауре. На лице, одновременно напряженном и заполненном сдержанностью, выделяются ее брови, похожие на птицу. Птица с распростертыми крыльями, наконец-то свободная.
В качестве спутника Фриды на картине запечатлена ее паучья обезьяна. Впервые с гордостью представленная в 1937 году, обезьяна Фуланг-Чанг изображена еще на 8 автопортретах. На этой работе лапы обезьяны обнимают Фриду, как патронташ, которые носили мексиканские революционеры. Обезьянка выполняет роль альтер эго, утешая автора, заботясь о ней. Это подчеркивается такой деталью как одинаковые прически.
Все художественные элементы этой картины объединяются чтобы создать одно из самых разрушительных, грустных и печальных образов художницы.
Эго еще одна картина, которая иллюстрирует повседневную жизнь Фриды: она взяла новорожденного птенца под свою защиту, потому что курица, которая его высидела, умерла. Диего преподнёс цыпленка ей в небольшой картонной коробке в качестве подарка и в качестве хобби, для отвлечения. Фрида держала его возле своей кровати на столе, под лампой, с мыслью, что ее тепло и свет смогут помочь ему выжить. Однако через несколько дней птенец умер. Это событие так повлияло на Фриду, что она решила написать картину.
На рисунке показано животное, все еще живое, в гнезде, центр которого занят вазой, цветы в которой увядают. Этому способствуют гусеницы, пауки и богомолы, облепившие букет. Это ещё одна из картин Фриды Кало, где присутствует двойственность жизни и смерти.
«Для меня не остается ни малейшей надежды… Все движется во времени в соответствии с тем, что диктует живот...» Эта фраза была написана Фридой на обороте картины, имея в виду диетические режимы, которым она должна была следовать, чтобы набрать вес, так как отсутствие аппетита сделало ее крайне худой.
Фрида лежит в постели и плачет. Она покрыта простыней на которой можно наблюдать микроскопические организмы. Над ней установлен мольберт, с закреплённой на нём большой воронкой, через которую все продукты, разрешенные и запрещенные ей, попадают в её рот. К ним относятся засахаренный череп с именем Фриды на лбу, подарок от Диего во время одного из ее многочисленных нахождений в больнице. Растрескавшийся ландшафт пустыни снова занимает задний план, под солнцем и луной на небе. Они одновременно дополняют друг друга и противостоят друг другу.
Тема двойственности земного бытия: рождения и смерти (хотя картина называется «Солнце и Жизнь») проявляется еще раз в этой работе. Какой довольно странный натюрморт! Фрида с двусмысленностью изображает растения, цветы в процессе беременности: пестики цветов – это капли спермы, пропитывающие яйцеклетку внутри. Плод в «утробе» плачет, как и третий глаз солнца. Фрида чувствовала, что не доносит ребёнка. Да и врачи были против родов. Снова ей пришлось столкнуться с потерей.
Сюжет этой картины содержит много символов, взятых из древней мексиканской мифологии. Неспособность Фриды рожать детей привела ее к материнской роли в отношениях с Диего. В центре картины, она как Мадонна, держит своего мужа Диего в любовных объятиях, которые иллюстрируют объединяющие отношения женщин и мужчин. Хотя женщина является воспитательной фигурой, у мужчины третий глаз мудрости на лбу, поэтому они оба зависят друг от друга.
Человеческую пару обнимает ацтекская Земля-Мать, Цихуакоатль сделанная из глины и камня. А её, в свою очередь, обнимает Вселенская Мать. На переднем плане собака Ицкуинтли, сеньор Ксолотль,- это не просто любимое животное художника: она представляет Ксолотля, существо в форме собаки, которая охраняет подземный мир. В этой картине Фрида изображает жизнь, смерть, ночь, день луну, солнце, мужчину и женщину в повторяющейся дихотомии, которая тесно переплетена и объединена двумя могущественными мифологическими существами.
В августе 1947 года Фрида нарисовала примитивный набросок этой картины в своем дневнике.
В результате прогрессирования болезней, касающихся позвоночника и правой ноги, Фрида была доставлена в больницу Инглес (АВС Medical Center) в Мехико, где она была заключена в гипсовый корсет. Она постоянно раскрашивала свои корсеты коммунистической символикой.
Фрида Кало всегда была очень близка со своей семьей. Это понятно в том числе из незаконченного полотна «Семейный портрет». До 1950 году Фрида пыталась продолжать рисовать этот портрет, но так и не закончила его. Художница изобразила родословное дерево со всем богатством и разнообразием ее происхождения: кровь Пурепеча (индейское племя коренных жителей Мексики) от её матери и венгерская от её отца, Она также нарисовала зародыш-мотив, который часто встречается во многих её работах. Эта картина изображает не только семейные узы, но и эмоциональные связи.
Художница в своей комнате в английской больнице работает над так и незаконченной картиной «Портрет семьи Фриды», работу над который она возобновляла и переделывала несколько раз до самой своей смерти.
Сэмюэль Фастлич был зубным врачом, европейцем, прибывшим в Мексику в 1921 году. Он внес большой вклад в доколумбовскую историю, особенно в том, что касается увечья зубов и фитотерапии, используемых в исконных мексиканских культурах. Он подружился с Диего Риверой И Фридой Кало, а также был их стоматологом. Для доктора Фастлича Фрида написала две работы: «Автопортрет с медальоном» (1948) и этот натюрморт.
Конгресс народов за мир – картина, которая бросает вызов легкой классификации. Эта работа – групповая сцена, полная персонажей и деталей, которые требуют тщательного экзамена. На первый взгляд, краска – это взрыв цвета, яркими тонами, которые привлекают внимание зрителя. Однако, по мере приближения, детали художественной композиции начинают раскрываться.
Картина представляет собой встречу людей из разных рас и наций, все они объединены в своем стремлении к миру. Каждый персонаж тщательно детализирован, от образа который они переносят до выражений на их лицах. Фриду захватили различные эмоции в этих фигурах, от надежды до решимости, грусти и радости. Несмотря на разнообразие персонажей, в живописи есть чувство единства, ощущение, что все работают вместе для общей цели.
Использование цвета в картине примечательно. Фрида Кало использует яркую и смелую цветовую палитру, которая отражает разнообразие людей в мире. Яркие тона также служат для передачи чувства оптимизма и надежды, несмотря на проблемы, с которыми сталкиваются персонажи.
Фрида была очень близка со своим отцом, профессиональным фотографом и художником-любителем. Он научил ее, как использовать камеру, проявлять фотографии, ретушировать и делать цветные фотографии. Этот ранний опыт возможно стал причиной того, что объекты на портретах и автопортретах Фриды, по-видимому, позируют для камеры. Фрида писала портреты нескольких друзей и членов семьи, пока они были еще живы. Её отец умер в 1941 году, прежде чем она смогла нарисовать его портрет. Используя коричневатые тона в этом портрете, Фрида, очевидно, вспоминает ранние фотографии в сепии, которые применял ее отец.
Этот портрет был написан через 10 лет после его смерти, но Фрида изображает своего отца очень молодым человеком, похожим на то, каким он запечатлен на свадебной фотографии 1898 года. Фрида не помнила его таким. После свадьбы ее отец быстро состарился, и Фрида вспоминала его с седыми волосами и морщинистым лицом. Его лицо без эмоций, и он смотрит в сторону от зрителя.
Посвящение на свитке внизу гласит: «Я нарисовала своего отца Гильермо Кало, венгерско-немецкого происхождения, художника-фотографа по профессии, щедрым, умным и прекрасным, доблестным потому что он шестьдесят лет страдал эпилепсией, но никогда не бросал работать и сражался против Гитлера. С обожанием. Его дочь, Фрида Кало».
Viva la Vida - очень важное произведение искусства, так как известно, что это последняя картина, написанная Фридой Кало. Несмотря на ухудшение её здоровья, название этой работы – дань жизни. Натюрморт получился просто захватывающим из-за яркого красного цвета в арбузах и фразы, которую художница написала всего за восемь дней до своей смерти.
Есть явные признаки настроения Фриды Кало в тех картинах, которые она написала, и которые до сих пор остаются в Голубом доме, в дополнение к её искренности и её позиции по отношению к миру. В книге «Марксизм даст здоровье больным» Фрида Кало ссылается на доверие к коммунизму, которое было распространено в тот период. В этом портрете художник провозглашает утопическую концепцию политической веры, которая может освободить её от боли. Поддерживаемая своей идеологии, она может обойтись без костылей.
Пройдя по всей галерее и внимательно осмотрев каждый экспонат, я могу с уверенностью сказать: «Мне понравилось». Действительно, Фрида Кало — выдающаяся художница. Её работы поражают разнообразием красок и оттенков на одном холсте. Это потрясающе. Особенно впечатляет количество картин, посвящённых её жизни и перенесённой боли. Смотреть на них даже немного жутко. Также прослеживается по годам стилистика выполнения картин и в целом настроение Фриды.
Теперь пару слов о копировании оригиналов. Сначала я не очень понимал, зачем выставлять копии на обозрение. Думал, не ради наживы ли это? Но постепенно до меня дошло: что может быть лучше, чем знакомиться с мировым искусством, не покидая родного города? Ведь оригиналы никогда не приедут к нам выставляться. А здесь, пожалуйста, почти всё в шаговой доступности. Можно свободно приобщаться к мировому искусству, за маленькую плату. Современные технологии копирования оригиналов позволяют это делать.
Завершая этот объёмный отчёт, хочу поблагодарить вас, дорогие читатели, за то, что дочитали его до конца. Мои усилия не прошли даром. Всего-то для создания вышерасположенного материала мне пришлось посетить выставку, сделать фотографии экспонатов и сопроводительного текста. После отредактировать снимки, перенести текст в печатный формат и всё оформить. Не так всё просто, как могло казаться. Ещё увидимся и услышимся! С вами был Тур-64: Путешествие сквозь жизнь! До скорого!