"Не двести лет, не двадцать"
Выставка экспонировалась в доме-музее Марины Цветаевой с 01.09.25 по 14.09.2025.
Персональная выставка для художника весьма значимое событие в творческой жизни. А если выставка еще и дебютная, то художник испытывает целый спектр эмоций.
Познакомимся с замечательным художником Еленой Перфильевой, интервью в котором автор подробно рассказывает о самом сокровенном, о своём творчестве.
Что для вас является главным источником вдохновения?
Меня очень вдохновляет природа. Не как фон, а как живое место, где можно дышать полной грудью. Больше всего тянет к деревне: запах сена, прохладная вода из колодца, тишина. Там время как будто течет по-другому. Когда я это чувствую, хочется сразу перенести на холст — как поле дышит, как трава переливается, как старые деревья стоят, такие спокойные и мудрые.
Ещё я люблю писать простые деревенские вещи: глиняные кувшины, прялки, чугунки, деревянные корыта. Для меня это не просто предметы. Через них чувствуешь связь с прошлым.
В целом, мои работы — это попытка услышать тишину и попробовать передать её на холсте. Хочется, чтобы человек, который смотрит на мою работу, почувствовал ту же тихую радость и лёгкий трепет. С этого, по сути, и начинается моё вдохновение.
Кто из великих художников повлиял на Вас?
Мой главный ориентир — Репин. Его прямота и умение смотреть на человека без прикрас — это для меня планка. Я понимаю, что Репиным можно только родиться. Но для меня он как путеводная звезда, до которой никогда не добраться, но которой надо следовать, чтобы идти правильной дорогой.
Очень люблю Ван Гога. Он учит смелости: не прятать чувства, а делиться их полным спектром с окружающим миром.
Ещё мне нравится Левитан — за умение слышать тишину в пейзаже. У Поленова я учусь чистоте света и пространству: как он строит воздух, как соединяет дом, человека и природу. У Серова — свету, который делает кожу и воздух живыми.
Есть ли у вас работа, которую вы считаете поворотной в вашей карьере? Какая и почему?
Поворотной для меня стала серия «Моя Деревня». Это три полотна: на одном — дедушка, на другом — бабушка, а третье — про утварь деревенской избы. Именно в этой серии я впервые по‑настоящему смогла донести свою любовь к деревенскому быту, к тишине природы и провести нить от прошлого к настоящему. Хотелось передать тот детский покой — чтобы любой взрослый, глядя на картины, вдруг на секунду оказался в своём беззаботном прошлом. Я писала их наполовину по памяти, наполовину по старым семейным фотографиям. Сознательно держала палитру сдержанной.
Пока работала над этой серией, всё время «слышала» скрип половиц, запах сушёных яблок и свежего сена — и пыталась упаковать эти ощущения в цвет и фактуру. После серии ко мне подходили люди, делились своими воспоминаниями — кто-то вспоминал бабушкин рушник, кто-то — вкус парного молока. И я поняла: нашла тот тон, которым хочу разговаривать со зрителем.
Поэтому «Моя Деревня» — это точка, где прошлое и настоящее соединились. С неё началась моя сегодняшняя дорога.
Как рождается идея для новой работы?
Для меня всё начинается с отклика. Иногда это свет на стене, случайная фраза, запах дождя или взгляд человека — и внутри поднимается волна, которую уже невозможно игнорировать. В такие моменты я быстро делаю цветовые пометки в блокноте, могу снять маленькое фото на телефон, чтобы не потерять настроение, и иду в мастерскую.
Мне важно не просто выплеснуть эмоцию, а бережно перевести её в образ, чтобы зрителю было тепло и уютно смотреть на итог моей работы.
Если чувство слишком сильное и я не пишу — мне тяжело. Поэтому вдохновение у меня всегда идёт первым, а дальше я включаюсь в работу. Так и рождается идея — из живого отклика, который я стараюсь превратить в образ, способный поддержать и согреть того, кто на него посмотрит.
Какие техники и материалы вам особенно близки и почему?
Ближе всего мне, конечно, масло. Оно живое: позволяет работать пастозно, строить форму крупными, честными мазками — и в этой фактуре прямо остаются мои эмоции. В академической манере мне важны точность рисунка и чистота тональных отношений: часто начинаю с подмалёвка в ограниченной палитре, выстраиваю форму, а потом спокойно наращиваю слои — где‑то тонкими лессировками для воздуха и глубины, а где‑то мастихином и густой пастой, чтобы фактура ловила блик. А когда ловлю импрессионистическое настроение, позволяю себе письмо alla prima — быстрый мазок, теплые и холодные отношения, движение момента, как я воспринимаю его здесь и сейчас.
Масло ценно и тем, что даёт время. Можно вернуться, смягчить край, найти нужную полутень — или, наоборот, сказать решительно и оставить след кисти на холсте. Я работаю разными инструментами: жёсткая щетина для характера, мягкая синтетика для тонких переходов, мастихин — когда нужен звон и смелость.
Перед большой работой делаю маленькие цветовые этюды, иногда выхожу на пленэр — на воздухе свет звучит иначе. Есть и ритуалы: тёплый имприматурный тон на холсте, чашка крепкого чая, несколько минут тишины, чтобы услышать мотив. В итоге мои картины — это баланс дисциплины академического рисунка и свободы впечатления. И, наверное, главное: мне хочется, чтобы зритель почувствовал заботу и тепло — ту самую тихую радость, которую я вкладываю в каждый мазок.
Как вы понимаете, что работа завершена? Бывает ли трудно остановиться?
Да, с этим бывают сложности. Мне кажется что над работой можно трудиться бесконечно. Я всегда недовольна, кажется всегда есть, что доработать. Поэтому, как говорили мои преподаватели в Суриковском, работу невозможно закончить, ее можно только остановить волевым усилием. Так происходит и у меня.
Какой совет вы дали бы себе начинающему, только вставшему на творческий путь?
Если бы я могла поговорить с собой в самом начале, я бы сказала себе: главное ничего не бойся. Страх будет всегда, но пусть он будет маленьким и полезным — таким, который делает внимательной, а не парализует. Иди вперёд, учись, работай, но при этом слушай себя: свой внутренний мир, свои эмоции, свою усталость и свой интерес. Именно это — топливо живописи.
Я бы посоветовала себе завести простой скетчбук и рисовать в нём каждый день хотя бы пять минут. Позволять себе «уродливые» рисунки и незавершёнки — они тоже часть пути. Помню, как купила первые краски с дрожащими руками и сделала этюд, который казался ужасным. А потом заметила в нём честный цвет тени — и это стало маленькой победой. Такие победы важно замечать и праздновать.
Проси обратную связь, но фильтруй её. Ищи наставников и единомышленников, показывай процесс, не только результат. Делай серии — 5–10 работ вокруг одной темы — это помогает не распыляться и учит завершать. Ставь дату и подпись на каждой работе, фотографируй этапы — видеть свой рост невероятно воодушевляет.
И, наверно, самое главное — разрешай себе чувствовать и смело переносить это на холст, не зацикливаясь на последствиях. Искренность видна с первого мазка. Наблюдай, чувствуй и пиши — и иди маленькими шагами каждый день. Именно они приводят к большим картинам.
Над чем вы работаете сейчас и каковы ваши творческие планы на будущее?
Сейчас я полностью погружена в новую серию картин «Свет в окошке». Это про надежду, про глубокие внутренние переживания и тот тихий свет, который поддерживает нас в повседневной суете. В каждом полотне — очень личные, почти интимные моменты: теплые пятна света на стене, стекло после дождя, тени от растений, профили людей в полусумраке.
В планах — создать несколько серий, посвящённых прекрасному, яркому Востоку: насыщенные синие и терракоты, игра золота и индиго, дыхание каллиграфии, узоры тканей, тишина внутренних двориков и шум базаров. Хочу поработать с текстилем, золотым листом и глубокой вечерней палитрой. И, конечно, продолжать участвовать в коллективных выставках. Мне важно, чтобы искусство объединяло и давало ощущение тепла — как тот самый свет в окне, который всегда согревает душу.
Желаем творческих успехов в создании новых произведений!
Кураторы выставки:
Анастасия Маркина
Мария Бандуркина
Организатор:
M/AN gallery
Автор интервью
Куратор Мария Бандуркина
