Якоб Йорданс (годы жизни 1593-1678) родился в благоприятное время, когда живопись ценилась, а художники пользовались уважением и процветанием в Италии, Фландрии и Нидерландах. Эпоха, последовавшая сразу за Ренессансом, благоприятствовала развитию монументального искусства. Пышный стиль барокко требовал соответствующего художественного наполнения. Он появился на свет в семье торговца тканями. Богатые узоры на шёлке, бархате и шерсти привлекали внимание юного Якоба больше, чем наставления отца и переживания матери. Как старшему сыну в большой семье, ему прочили продолжение семейного дела. Отец, однако, понимал, что сыну нужно другое занятие. За советом он обратился к местному священнику. Тот, узнав об увлечениях и талантах Якоба, пообещал помочь ему поступить в престижную художественную школу.
Её возглавлял Адам ван Ноорт, уже воспитавший Питера-Пауля Рубенса и Антониса ван Дейка. Оценив рисунки Йорданса, мастер принял его в ученики. Якоб отличался исключительным трудолюбием и быстро усваивал знания. Хотя его фантазия и уступала лучшим ученикам ван Ноорта, он был очень старателен. Однокурсники часто пользовались его усердием, Якоб делал эскизы, смешивал краски, готовил холсты. Учитель, наблюдая за ним, решил, что Йордансу суждено быть лишь подмастерьем. Адам ван Ноорт даже не успел заметить, что его «неперспективный» ученик ухаживает за его дочерью и готовится к свадьбе.
К удивлению ван Ноорта, Йорданс начал получать заказы сразу после окончания школы. Его прямолинейный стиль, простые сюжеты и внимание к деталям понравились публике. Трудолюбие и жизнерадостность также способствовали успеху Йорданса, его пригласили к сотрудничеству Рубенс и ван Дейк. Это сотрудничество стало продолжением его обучения. Критики упрекали Йорданса за «народную» простоту и отсутствие масштабности, сравнивая его с Рубенсом и ван Дейком. Но Йорданс писал так, как считал нужным. Ему был чужд пафос, хотя мода требовала совершенно другого. В изображении народных праздников и быта ему не было равных.
Церковь охотно заказывала ему работы, понятные простому народу. Йорданс выполнял множество заказов, а в свободное время писал для себя. Судьба его работ сложилась непросто. Серия картин для английской принцессы сгорела в пожаре, многие работы были утеряны. Но сохранившиеся шедевры занимают достойное место в коллекциях мировых музеев. Йорданса не стало 18 октября 1678 года, на момент кончины ему было 85 лет.
1 картина. «Поклонение Пастухов»
- Дата создания: 1618 год
- Размеры: 70 х 61 сантиметр
- Место нахождения: Национальный Музей Швеции (Стокгольм, Швеция)
Приблизительно в 1618 году молодой Якоб Йорданс создаёт полотно «Поклонение Пастухов». В его интерпретации Богоматерь предстаёт как цветущая, прекрасная юная женщина, уверенно и непринуждённо держащая на руках спелёнатого младенца. Тёмная шаль выгодно подчёркивает нежную белизну её кожи и яркий румянец. Младенец погружён в сон, и пастухи, прибывшие, согласно евангельскому преданию, для поклонения, хранят почтительное молчание. Однако насыщенные цвета, акцентированные объёмные формы (в частности, мастерски изображённый округлый медный кувшин на переднем плане произведения), люди, излучающие здоровье и силу, и явная выразительность каждого образа и предмета отвлекают зрителя от ощущения тишины и умиротворения.
Картина ошеломляет бурным восхвалением телесной мощи и здоровья, которые Йорданс считает основой человеческой красоты. Акцентируя внимание на физическом, материальном мире людей и предметов, художник не стремится постичь абстрактный, духовный смысл евангельской истории, а сосредотачивается на изображении сугубо земного события. Неслучайно, что несколько картин на тему «Поклонения Пастухов» возникают в творчестве Йорданса в период рождения ребёнка у его молодой жены. Она и маленькая дочь служат ему натурщицами, а личные впечатления позволяют реалистично воссоздать события христианской легенды.
2 картина. «Бобовый Король»
- Дата создания: примерно 1638 год
- Размеры: 157 х 211 сантиметров
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Художник эпохи барокко Якоб Йорданс ещё при жизни стал весьма востребованным мастером. Он отличался удивительной творческой работоспособностью – более 700 полотен остались в наследии мировой культуры. Жизнь во Фландрии пользовалась неизменным интересом живописца, особенно моменты празднований у простого народа. «Бобовый Король» – это картина с удивительной предысторией. У местного населения зародилась традиция – отмечать религиозный праздник особым способом. Накануне 6 января здесь собирались пышные застолья, на которых путём лотереи разыгрывалось почётное место короля. Король мог выбрать среди присутствующих королеву и назначить остальную свиту: различных министров и даже шута.
Избирался главный на вечеринке при помощи боба, который перед ужином клали в тесто – и кому попадётся пирог с заветным зерном, тот и выиграл. Боб был выбран неспроста: он символизировал собой путеводную звезду Вифлеема, приведшую волхвов к Иисусу Христу. Подобная традиция веселила и забавляла простой люд, а заодно избавляла от напряжённости в отношении к представителям власти. Йорданс пишет момент, когда гости уже захмелели и в ритме единого настроения предаются самозабвенному веселью. В центре композиции – избранный бобовый король. Его окружают верные «подданные»: женщины и мужчины разных возрастов. Особенность таких картин – постоянное присутствие в поле зрения детей и животных.
Здесь единство и общность народа: совсем пожилая дама на заднем плане творения сдержанно одобрительно улыбается; музыкант подле неё забылся в хмельном полусне; сидящая мать с младенцем совсем позабыла о разомлевшем ребёнке у неё на коленках; слева женщина средних лет, будто не замечая, даёт вино маленькой дочке. Орудия трапезы и поднятые бокалы завершают атмосферу картины. В свободной манере живописец показал тёплую и жизнерадостную сцену жизни соотечественников.
3 картина. «Четыре Евангелиста»
- Дата создания: 1625 год
- Размеры: 133 х 118 сантиметров
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Сия картина относится к раннему периоду творчества художника. На ней изображён достаточно традиционный мотив – библейские персонажи – четыре евангелиста – спутники Иисуса Христа. Евангелистами в общей традиции религиозных сообществ христианства называли создателей четырёх канонических Евангелий – апостолов Иоанна, Марка, Матфея и Луку. Несмотря на достаточно обычный, традиционный сюжет, исполнение картины довольно необычно, особенно учитывая время её создания. На ней изображены сразу все четыре евангелиста вместе, хотя сейчас считается, что, скорее всего, создатели евангелий не были знаменитой четвёркой и были сильно разнесены во времени по отношению друг к другу.
На картине евангелисты отображены читающими Библию, возможно, в момент внесения в неё правок или дополнений. Прямо у нас на глазах вершится история и пишется главная книга человечества. Одновременное присутствие на полотне всех четырёх библейских персонажей символизирует собой единство духа и желание дружно продолжать дело Христа даже после его кончины на кресте. В центре полотна изображена фигура самого молодого апостола, любимого ученика Иисуса Христа – святого Иоанна. Он молод, почти мальчик, его молодость подчёркнута чистым белым цветом покрывала. Это выделяет и его, и центр картины, приковывает к ней внимание.
Окружают юного Иоанна зрелые мужи – Марк, Матфей и Лука, бывший иконописцем и впоследствии ставший покровителем художников. Все они имеют серьёзные, хорошо заметные отметины своего немолодого возраста – седину, лысые головы, бороды и сдержанные тёмные одеяния. Они окружают Иоанна тёмным кольцом, подчёркивая его свежесть и привлекательность. Художнику необычайно хорошо удалось изображение складок тканей – они объёмные, рельефные, очень живые и реальные. То же самое относится и к изображению их лиц. Они очень выразительные и одухотворённые. Можно с уверенностью сказать, что художник писал их с настоящих людей, слишком уж они натуральные и живые, нет в них той искусственности, характерной для выдуманных образов.
Эта простая, но значимая и очень качественно выполненная картина ясно даёт нам понять, что написал её большой мастер, имеющий как колористический дар, так и виртуозно владеющий кистью. Тот факт, что картина хранится в самом большом музее мира, только подчёркивает её принадлежность к шедеврам мирового искусства.
4 картина. «Семейный Портрет»
- Дата создания: 1650-1652 годы
- Размеры: 178 х 152 сантиметра
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Даже дилетант, взглянув на это полотно, безошибочно определит его принадлежность к эпохе барокко. Картина являет собой квинтэссенцию этого стиля. Всё в ней преисполнено избыточности, богатства и великолепия. Причудливые позы, дородные фигуры, изысканные ткани подчёркивают сложную композицию, затейливые складки и эффектное сочетание красок. Безусловно, художник находился под сильным влиянием творчества Питера-Пауля Рубенса. Однако, данная работа Йорданса отличается большей декоративностью, нежели смысловой глубиной.
Фоном для семейной группы служит пейзаж, выполненный в насыщенных, тёмных коричневато-зелёных тонах. На его фоне едва различимы декоративные элементы резного убранства и крупный керамический сосуд с цветущим растением. Этот тёмный и насыщенный задний фон идеально оттеняет светлые, будто светящиеся фигуры на переднем плане творения.
Мужчина с пышной шевелюрой одет не так ярко, как очаровательные дамы, но не менее богато и привлекательно. На нём сине-зелёный камзол из плотного шёлка и светлые бриджи, соответствующие моде того времени. Из-под расстёгнутого ворота и рукавов камзола видна белоснежная рубашка. Несмотря на кажущуюся скромность, шёлк его одежды, переливающийся всеми цветами радуги, выдаёт её высокую стоимость. Длинные каштановые волосы мужчины завиты в локоны, а левая рука покоится на полной руке его супруги.
Женщина в центре полотна – ключевой элемент композиции. Её светло-золотая юбка образует крупные, живописные складки. Художнику мастерски удалось передать текстуру ткани, словно присыпанной золотой пылью. В гармонии с мужским нарядом, платье стоящей женщины выдержано в схожей цветовой гамме. Её юбка – более тёмного, насыщенного жёлтого цвета с золотыми переливами, а плечи покрывает шаль цвета морской волны. В руках у обеих героинь – изящные венки из свежих цветов. Они и пёстрый попугай на руке центральной дамы завершают собой цветовую палитру картины. Роскошные наряды и дорогие ткани не оставляют сомнений в высоком социальном статусе изображённого на полотне семейства.
5 картина. «Искушение Марии Магдалины»
- Дата создания: 1618-1620 годы
- Размеры: 125 х 97 сантиметров
- Место нахождения: Дворец Изящных Искусств (Лилль, Франция)
Йорданс – один из самых ярких представителей фламандского барокко. Обычно его картины отличаются сложной многофигурной композицией и наличием большого количества декоративных элементов, сочной и богатой, тёплой цветовой гаммой. Это полотно не совсем отвечает нашим представлениям о стиле художника. По композиции и многофигурности, сложности рисунка, она типично барочная, а вот по колористике больше напоминает картины Караваджо. В ней фигуры персонажей не просто одеты в тёмные ткани – они буквально тонут во мраке, хотя художник и использует здесь свою излюбленную тёплую гамму цветов. В результате полотно кажется залитым косыми, красноватыми лучами заходящего солнца, дающими глубокие бархатные тени.
В центре полотна находится фигура Марии Магдалины в красноватом, свободном платье и вдовьем чёрном платке на голове. Она прижимает к себе обеими руками череп, а её лицо выражает страдание от того, что ей не позволяют пережить своё горе в одиночестве. В сюжете картины обыгрывается библейский сюжет, согласно которому Мария из города Магдалы была блудницей, которую Иисус Христос исцелил от одержимости семи бесами. После этого она уверовала и стала повсюду сопровождать Христа и его апостолов. Не погружаясь в теологические споры, можно сказать, что на полотне Магдалина предстаёт перед нами горюющей по своей огромной потере женщиной.
В этой картине мастер обыгрывает мотив искушения Марии Магдалины различными способами, чтобы вынудить её отречься от своей веры. Богато одетый господин справа убеждает женщину вернуться в жизнь мирскую; старая, мерзкая сводница подкупает деньгами и украшениями; а за спиной героини воинствующий противник христианства угрожает ей физической расправой. Но Магдалина не реагирует ни на что – она тверда в своей вере и не предаст Учителя. Картина впечатляет сложной композицией, построенной по кругу, и тёплыми, бархатистыми оттенками красного и золотистого цветов на насыщенном тёмном фоне. Полотно кажется переливающимся разными оттенками, а глубокие тени придают изображению глубину и рельефности. Как и в большинстве картин Йорданса, на этой виртуозно изображены различные ткани, превосходно передана их фактура и складки, игра света и тени, оттенки тонов. Это очень эффектное и декоративное изображение библейского сюжета, но на деле – символ глубокой веры и непоколебимости простого человека.
6 картина. «Подношение Церере, Богине Урожая»
- Дата создания: 1618-1620 годы
- Размеры: 165 х 112 сантиметров
- Место нахождения: Музей Прадо (Мадрид, Испания)
Это произведение искусства ярко демонстрирует нам особенности барокко и индивидуальный стиль автора. На картине запечатлены люди, преподносящие подношения (жертвы) Церере – римской богине, покровительствующей плодородию. Она была одной из самых влиятельных и почитаемых божеств, поскольку от её благосклонности зависело изобилие урожая и, соответственно, благополучие людей. Чтобы заслужить её милость, ей отдавали лучшие плоды и животных, выращенных в домашнем хозяйстве.
Церера предстаёт перед нами в образе прекрасной молодой женщины, облачённой в тёмно-красное бархатное платье. Она изображена стоящей в левой части картины вполоборота к зрителям, но с лицом, обращённым к ним. Её облик спокоен и величествен, даже кажется равнодушным, словно суета и нужды простого народа, стоящего перед ней на коленях, не трогают её. С отстранённым видом она смотрит на зрителя, всем своим видом подчёркивая дистанцию между божественным и мирским.
В руках Церера держит рог изобилия, полный даров природы. Он огромен и тяжёл, поэтому богиня удерживает его обеими руками, стараясь не показывать, что ей это даётся с трудом. У её ног расположена сложная группа людей и животных. Среди них выделяется белая лошадь, на которую опирается женщина, отвернувшаяся от зрителя. У ног Цереры видны коровы – традиционные символы плодородия и важные подношения, способные обеспечить пропитание. На полотне много детей, а в правом нижнем углу холста женщина с ребёнком на руках обращается к богине с мольбой. Она просит милости, возможно, из-за недостатка молока для вскармливания младенца. Женщина с кувшином на голове, старики, смуглый мужчина, молодые женщины и дети – все они собрались, чтобы испросить благословения Цереры.
Картина отличается богатой цветовой палитрой и глубокими тенями, придающими фигурам объём и рельефность, что характерно для художника. Гармоничное сочетание красок создаёт впечатление цельности и избегает излишней пестроты. Эта многофигурная композиция и специфическая манера изображения являются отличительными чертами эпохи и творчества мастера. Его работы узнаваемы и прекрасны. По уровню мастерства Йорданс сопоставим с Рубенсом, что подтверждается наличием трёх полотен фламандского художника в коллекции великого мастера. Эта картина – настоящий ценный вклад в его бессмертное наследие.
7 картина. «Мелеагр и Аталанта»
- Дата создания: 1618 год
- Размеры: 152 х 120 сантиметров
- Место нахождения: Королевский Музей Изящных Искусств (Антверпен, Бельгия)
Это яркое и запоминающееся полотно написано художником в раннюю пору его творчества, однако уже явно отражает его стиль письма и используемый модный стиль барокко. Картина эксплуатирует популярную тему из древнегреческих мифов об охотнике Мелеагре и храброй девушки Аталанте, оказавшейся мастером охоты ничуть не хуже мужчин. Когда отец Мелеагра не принёс нужной жертвы богине охоты Артемиде, та в гневе послала на его царство страшное чудовище – гигантского каледонского вепря. Это страшное, дикое животное наводило ужас на поселения и разоряло поля. Мелеагр кинул клич среди лучших греческих охотников, и ему всё-таки удалось победить чудовище. Первую рану вепрю нанесла именно Аталанта, ослабив животное и обеспечив тем самым возможность его уничтожения. За это она была вознаграждена по тогдашнему закону: ей вручили голову и шкуру вепря как заслуженный охотничий трофей.
На картине запечатлён именно этот момент. В центре работы изображена сама Аталанта в белоснежном хитоне и с драгоценной перевязью через плечо. Она держит на коленях, прижимая её рукой, огромную голову чудовищного вепря с хищно оскаленными клыками. Вокруг неё толпятся охотники, оспаривая её право на добычу и почести. Их жадные руки тянутся к трофею, пытаясь отнять его у Аталанты. Смысл действия понятен – каждый хочет стать героем, и сильно возмущён тем, что на этом месте оказалась женщина. На картине Аталанта повернулась к стоящему рядом Мелеагру и вопросительно смотрит на него, пока тот отстаивает своё решение. В нижней части картины сходящие с ума от запаха свежей крови охотничьи собаки тоже уже тянутся своими мордами к добыче.
Картина, как всегда у Йорданса, впечатляет красками и сложной многофигурной композицией. Лица людей выписаны очень тщательно и несут запоминающиеся черты. Интересно, что Аталанта и Мелеагр отличаются очень светлой кожей, буквально сияющей на полотне, в то время как у всех остальных людей лица тёмные, обветренные или же красные. Живописные достоинства полотна сразу позволяют отнести его к творчеству именно этого мастера. Он прославился виртуозным умением создавать сложные, комбинированные композиции и мастерски изображать складки одежды. Владение кистью ставит его рядом с другим великим фламандцем – Питером-Паулем Рубенсом.
8 картина. «Пьющий Король»
- Дата создания: 1630-ые годы
- Размеры: 156 х 210 сантиметров
- Место нахождения: Королевские Музеи Изящных Искусств (Брюссель, Бельгия)
Данное полотно – это квинтэссенция зрелого мастерства живописца, демонстрирующая его исключительные способности в создании многолюдных сцен и безупречное владение техникой кисти. В центре внимания – апогей шумного торжества, известного у фламандцев как «праздник трёх королей». Под «королями» подразумеваются библейские волхвы, принесшие дары новорождённому Иисусу Христу. Празднование происходило в день Поклонения Волхвов. Для простого народа это служило поводом для весёлого пиршества, кульминацией которого становилось избрание самого пьяного участника в «короли». На картине запечатлён момент наивысшего градуса веселья. Всюду царит хаос, слышны звуки волынок, громкие тосты, а в углу несчастный, перебравший с едой и питьём, извергает содержимое желудка. В другом углу полотна подвыпившая мать, положив младенца на колени, вытирает ему испачканную попку. При этом её внимание сосредоточено не на ребёнке, а на «короле» праздника.
Композиция картины поражает своей сложностью, обилием персонажей и деталей. Внимательный зритель заметит выглядывающую из-за женщины с ребёнком беззубую старуху; собаку, прыгающую на развеселившегося молодого человека с кружкой; человека с обезображенным лицом в капюшоне в правом верхнем углу. Две обнявшиеся молодые женщины изрядно захмелели, но ещё сохраняют остатки разума и приличия. Одна из них с интересом наблюдает за горланящим юношей с поднятой кружкой. В центре этого безумия восседает король – статный мужчина с седыми волосами, бородой и усами. Его голову украшает изящная корона, в руке бокал с вином, а прямо перед ним – стол, уставленный всевозможными яствами.
Этот персонаж – ключевой элемент композиции и смысловой центр произведения. Он не принимает активного участия во всеобщем веселье, но без него и праздника бы никакого не было. В картине прослеживается множество диагональных линий, направленных из левого нижнего угла в правый верхний. Благодаря такому приёму и круговому расположению фигур вокруг короля картина приобретает динамику, движения становятся выразительнее, а сюжет – живее. Единство композиции подчёркнуто сближенной цветовой палитрой. Вся работа выполнена в тёплых, приглушённых тонах коричневого и золотистого с незначительными цветовыми акцентами.