Американский Новый Голливуд или часто называемый Голливудским Ренессансом, относится к движение фильма с середины 1960-х до начала 1980-х годов, которые ознаменовали история фильмов, когда новое поколение молодых режиссёров стало заметным в Соединенных Штатах. Они повлияли на типы производимых фильмов, их производство, рекламу и маркетинг, а также на средства, с помощью которых они подходили к созданию фильмов.
В новых голливудских фильмах режиссёр, вместо студия, взял на себя важную авторскую роль. Определение «Нового Голливуд» различается у разных авторов: одни определяют его как течение, другие — как период. Продолжительность периода также является предметом споров, поскольку некоторые авторы, например, Томас Шатц, утверждают, что «Новый Голливуд» содержит в себе несколько достоинств. Фильмы, снятые в этом жанре, стилистически идентифицируются, поскольку их сюжет часто сильно отличается от классических стандартов. После упадка студийной системы и развития телевидения коммерческий успех фильмов снизился.
Новые голливудские блокбастеры самой первой эпохи включают «Бонни и Клайд», «Выпускник», «Ночь живых мертвецов», «Дикая банда» и «Беспечный ездок», «Врата рая» и «От всего сердца».
С переходом киностудий в собственность киносетей и появлением телевидения (где в первые годы работали Джон Франкенхаймер, Пэдди Чаефски и Сидни Люмет) типичная система студийного производства была разрушена. Технология Technicolor получила ещё более широкое распространение, в то время как широкоэкранные технологии и даже технологические усовершенствования, такие как CinemaScope, стереозвук и другие, например, 3D, были разработаны для поддержания цели сокращения рынка и борьбы с телевидением. Однако, как правило, эти меры не способствовали увеличению прибыли. В 1957 году издание Life назвало 1950-е годы «ужасным десятилетием» Голливуда.
1950-е и начало 1960-х видел Голливуд, где доминировали мюзиклы, исторические эпопеи и другие фильмы, которые выигрывали от больших экранов, более широкого кадра и улучшенного звука. Ещё в 1957 году эту эпоху окрестили «Новым Голливудом», и попытки повторить успех фильма «Звуки музыки» потерпели неудачу. Музыка создавало нагрузку на учебу.
Как ребенок В 1960-х годах, когда поколение бума достигло зрелости, «Старый Голливуд» стремительно терял деньги; студии не знали, как реагировать на резко изменившуюся демографическую ситуацию в аудитории. В этот период рыночный сдвиг сместился от аудитории среднего возраста с высшим образованием в середине 1960-х к более молодой, более обеспеченной аудитории с высшим образованием: в середине 1970-х 76% всех зрителей были моложе 30 лет, 64% из которых посещали колледж.
Европейские фильмы, как авторские, так и коммерческие (особенно итальянские комедии, французская новая волна, спагетти-вестерны) и японское кино произвели сенсацию в Соединенных Штатах: огромный рынок недовольных молодых людей, казалось, нашел актуальность и художественную значимость в таких фильмах, как «Фотоувеличение» Микеланджело Антониони, с его непрямой повествовательной структурой и всесторонней женской наготой.
Тревога, которую студии испытывали в этот период финансового спада, а также после потерь от дорогостоящих провалов, привела к развитию технологий и принятию рисков, что позволило добиться большего контроля молодых режиссёров и продюсеров. Поэтому, пытаясь найти ту целевую аудиторию, которая определила связь с «художественными фильмами» , эти мастерские дали работу множеству молодых режиссёров и позволили им снимать собственные фильмы при достаточно ограниченном контроле со стороны студии.
Некоторые из них, такие как актёр Джек Николсон и режиссёр Питер Богданович, во главе с «королем фильмов категории Б» Роджером Корманом, в то время как другие, такие как знаменитый оператор Вильмош Жигмонд, работали с менее известными режиссёрами фильмов категории Б, такими как Рэй Деннис Стеклер. Были выпущены в 1962 году «Дикая гитара», а также музыкальный фильм ужасов 1963 года «Неимоверно странные существа, переставшие жить и ставшие полузомби!!?».
Это, в сочетании с неисправностью Кодекса кинопроизводства в 1966 году, а также совершенно новой системой классификации в 1968 году (отражающей растущее разделение рынка), создало идеальную ситуацию для Нового Голливуда.
Бонни и Клайд
Ключевым фильмом поколения Нового Голливуда стал «Бонни и Клайд» (1967). Также созданный и снимавшийся в главной роли Уоррен Битти и поставленный Артур Пенн, его смесь физического насилия и юмора, а также его экстравагантный стиль разочарованной молодежи, стал хитом на целевых рынках. Фильм получил «Оскар» за лучшую женскую роль второго плана (Эстель Парсонс) и «Лучшая операторская работа».
После появления разъем Л. Уорнер, тогдашний генеральный директор Warner Bros., впервые увидел «Бонни и Клайда» летом 1967 года, он его ненавидел. Братья Уорнеры согласились, обеспечив фильму скромную премьеру и ограниченный прокат. Их подход оказался... оправданный, когда Босли Кроутер, кинокритик из New York Times, подверг фильм резкой критике.
После одной из негативных рецензий журнал Time получил письма от поклонников фильма, и, по словам репортера Питера Бискинда, влияние критика Полин Кейл на ее положительный обзор фильма побудил других критиков пойти по своему собственному пути и переоценить фильм.
Кейл обратил внимание на невиновность персонажей фильма и художественную ценность противопоставления жестокости в фильме: «В каком-то смысле именно «отсутствие садизма» – насилие без садизма – шокирует зрителей в отношении Бонни и Клайда». Кейл также отметил реакцию зрителей на жестокую кульминацию фильма и возможность сопереживать банде преступников с точки зрения наивности и невинности, отражающей сдвиг в ожиданиях от американского кино.
В статье на обложке журнала Time за декабрь 1967 года чествовались кино и технологии в американском Нью-Йорке. В этой важной статье Стефана Канфера утверждалось, что «Бонни и Клайд» представляли собой «Новое кино» через его скрытые границы категорий, и даже пренебрежение сюжетных аспектов и вдохновения, что «как по замыслу, так и по воплощению, Бонни и Клайд являются переломным моментом в образе, из тех, что сигнализируют о совершенно новом стиле, новой моде».
Бискинд уточняет, что изменение мнения некоторых кинокритиков позволило перевыпустить фильм, что подтвердило его коммерческий успех и отразило подход Нового Голливуда. Влияние этого фильма имеет решающее значение для понимания всего остального.
В середине 1970-х годов появились такие необычные и шокирующие фильмы, как «Собачий полдень», «Чайнатаун», так же как «Таксист». Эти успехи участников «Нового Голливуда» привели к тому, что каждый из них последовательно предъявлял всё более и более экстравагантные требования, как в студии, так и в какой-то момент даже на референсном рынке.
Стиль Нового Голливуда
Это новое поколение голливудских режиссёров было очень важным, поскольку молодые кадры, следовательно, способны охватить целевую аудиторию молодых людей, которых они теряли. Группа молодых авантюристов – актёров, режиссёров и сценаристов, – прозванная прессой «Новым Голливудом», на короткое время преобразовала индустрию, из голливудской системы, управляемой продюсерами.
Новые голливудские фильмы отклоняются от вечных стандартов повествования больше, чем голливудские фильмы любой другой эпохи или движения. Пять принципов управляют повествовательными стратегиями, характерными для голливудских фильмов 1970-х годов: фильмы 1970-х годов демонстрируют тенденцию к интеграции, с помощью повествовательных средств, короткому рассказу и стилистические приемы, которые наносят ущерб необходимым повествовательным целям фильма.
Голливудские режиссёры 1970-х годов часто помещают свою практику создания фильмов где-то между классическим Голливудом и художественном кино. Европейские и азиатские фильмы семидесятых вызывают у зрителей более удручающие и неопределенные реакции, чем у более обычных зрителей.
Кино 1970-х годов подавляет линейность повествования и энергию, а также снижает возможность создания напряжения и даже развлечения. Сюжет в классических голливудских фильмах (и в некоторых ранних фильмах Нового Голливуда, таких как «Крестный отец») имели тенденцию проявляться более органично как функция побуждений, желаний, мотиваций и целей центральных персонажей.
В период расцвета студийной системы фильмы практически намеренно снимались на съёмочной площадке в изолированных студиях. Содержание фильмов ограничивалось Кодексом кинопроизводства, и хотя режиссёры Золотого века находили в нём технические тонкости, наиболее запрещенных сцен в фильмах было ограничено. Переход к «совершенно новому реализму» стал возможен, когда в Ассоциацию кинокомпаний была введена система звукового сопровождения фильмов, и приобретение стало гораздо более осуществимым. Нью-Йорк был любимым местом для этого нового поколения кинематографистов из-за своей оживленной атмосферы.
Благодаря инновациям в области кинотехнологий (например, камера Panavision Panaflex, представленная в 1972 году), новые Голливуд Кинорежиссёры могли снимать на 35-мм плёнку на открытом воздухе без особых усилий.
В монтаже режиссёры «Нового Голливуда» придерживались реализма более либерально, чем большинство их предшественников из классического Голливуда, часто используя монтаж в художественных целях, а не только для обеспечения непрерывности.
Завершение производственного кодекса позволило новым голливудским фильмам представлять антиправительственные политические темы, используя рок-н-ролл, а также интимные мотивы. Молодёжное движение 1960-х годов превратило антигероев, таких как Бонни и Клайд, в идолов поп-культуры, а журнал Life назвал «Беспечный ездок» «частью главного фундаментального мифа контркультуры конца 1960-х годов».
«Беспечный ездок» также повлиял на метод, который студии хотели использовать для привлечения молодёжной аудитории. Успех «Полуночный ковбой», несмотря на рейтинг «X», стал доказательством интереса, а также выявил слабость рейтинговой системы и даже разделение целевого рынка.
Что такое Новый Голливуд?
Движение «Новый Голливуд» ознаменовало собой заметный сдвиг в сторону отдельного производства и авангард из новой эры кинопроизводства, но этот сдвиг начал меняться по мере того, как индустриальный успех «Челюсти» и «Звёздные войны» привел к осознанию студиями важности независимых фильмов, маркетингу и контролю производства.
В 1968 году кинокритик Полин Кейл утверждала, что значимость «Выпускника» в его социальной значимости для новой молодой аудитории. Кейл сказал, что даже понимание «Выпускника» студентами не отличалось от аудитории, которая включала персонажей из драматических фильмов предыдущих лет.
Группа компаний в середине 1970-х годов претерпела изменения в сторону более молодых и консервативных целевых рынков (50% в возрасте 12-20 лет) и переход к мотивам в мейнстримном кино, которые наблюдались в середине и конце 1970-х годов, когда был спад активности арт-кино, как существенное давление на индустрию, достигшее своего пика в 1974-75 годах.
По словам писателя и кинокритика Чарльза Тейлора, он сказал, что «1970-е годы остаются третьим и последним знаменательным периодом в американских фильмах». Автор А.Д. Джеймсон утверждал, что «Звёздные войны» стали лучшим достижением Нового Голливуда, по сути, символизировавшим характеристики «крупных и инновационных фильмов для взрослых».
Критика Нового Голливуда
Эту эпоху американского кино также критиковали за крайний упадок и за злоключения на съёмочной площадке. Даже Стивен Спилберг, который был сорежиссёром и сопродюсером фильма «Сумерки» 1983 года. Фильм с Джоном Лэндисом, был настолько постыдным из-за того, как последний справился с опасной катастрофой вертолета, которая привела к смерти актера.
Фильмы Стивена Спилберга, Брайана Де Пальмы, Мартина Скорсезе и Фрэнсиса Форда Копполы оказал влияние как на жанр Poliziotteschi в Италии, так и, год спустя, на деятельность Cinéma du look во Франции. Американское кино находилось под влиянием этой эпохи. Обе традиции имеют схожие темы и повествования об экзистенциализме и потребности в человеческом взаимодействии. Для сравнения, эксцентричное американское кино не имеет чёткого контекста, его фильмы показывают персонажей, которые очень индивидуальны и их заботы касаются их собственной личности.