Статья основана на информационных материалах, представленных на выставке.
Тексты набраны с плакатов и стендов.
Предисловие к выставке
ПОСЛЕДНИЙ "БОЛЬШОЙ" СТИЛЬ
Стиль ар-деко, зародившийся еще в начале ХХ века с расширением периода индустриализации, во многом имитировал промышленные ‘структуры, что получило выражение в подчеркнутой геометризации декора. Круги, треугольники, многогранники, острые зигзагообразные линии, стилизованные солнечные, выложенные стразами, геометрически выверенные растительные узоры, яркие цвета искусственных бриллиантов — все это узнаваем: увидеть в декоре платьев, обуви, пряжек и каблуков. Считается, что этот стиль окончательно оформился в 1925 году, Именно тогда на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже были в полном объеме представлены достижения декоративно-прикладного искусства того времени, в том числе и в таких направлениях, как мода, текстиль, ювелирное искусство, дизайн интерьеров, предметов быта и мебели, Художников, работавших в этом стиле, вдохновляли традиции Китая, Индии и древних народов Америки. Как эклектический стиль ар-деко вобрал в себя сюжеты и символы разных культур, которые в этот период оказывали влияние на эстетику Европы. «Русские сезоны» Дягилева способствовали всеобщему увлечению русским фольклором и ориентальной экзотикой. С открытием гробницы Тутанхамона в 1922 году в Европе вырос интерес к истории Древнего Египта, что проявилось в декоре и моде. Огромное влияние на развитие европейского декоративно-прикладного искусства оказало и искусство японской гравюры. Стиль ар-деко считается последним «большим» стилем, проявившимся почти во всех странах Европы и Америки, во всех областях деятельности человека, и, что особенно важно, он является художественным направлением, которое до сих пор стилистически питает современную моду. По образному выражению Скотта Фицджеральда, ар-деко был сформирован «всей нервной энергией, накопленной и растраченной в войне». Пружина, так сильно сжатая войной 1914-1918 годов, наконец, разжалась, и эффект был стремительным и неожиданным. Жесткие традиции моды предыдущих десятилетий быстро сменялись под влиянием новых исторических открытий, новых технологий, новых идей в искусстве, архитектуре и музыке. Период между двух мировых войн был тем временем, когда мир, отряхнувшись от ужасов Первой мировой войны, стремился вернуться к «нормальности», к простым радостям жизни вместо страданий, к танцам вместо слез, к ярким цветам вместо хаки. В это время человечество жило иллюзией высокого духа, а вера в прогресс еще не была подавлена всепоглощающим страхом перед тоталитарной идеологией.
на ленте времени ниже - 5 фото с описанием
Основными тенденциями моды в 1920-е годы были упрощение покроя и отказ от многослойности и формальности в пользу простоты и практичности. Доминирующим стал андрогинный прямой силуэт с низкой линией талии. Однако, были и исключения: модель Жанны Ланвен robe de style с приталенным лифом и широкой юбкой, напротив, подчеркивала женские формы.
Длина платья на протяжении десятилетия постоянно менялась, то поднимаясь почти до колена, то опускаясь в пол. Вечерние платья могли как значительно отличаться по высоте подола, так и повторять основные тенденции дневного или танцевального наряда. Большую часть 1920-х годов вечерние платья были всегда длинными, но в 1924-1926 годах – короче, чем в 1928-м.
в галерее ниже - 7 фото с описанием
В зале есть маленький кинотеатр, где демонстрируется игровой фильм, стилизованный под немое кино. В нем используются экспонаты, участвующие в выставке.
МОДА МОЛОДЫХ
На моду 1920-х годов повлияло огромное количество факторов, многие из которых обозначились ещё до Первой мировой войны. Прежде всего это отказ от жёсткого силуэта, проявившийся в работах таких дизайнеров начала века, как Мариано Фортуни и и Поль Пуаре.
В начале десятилетия центральным женским образом в моде становится девочка-подросток. Инфантильная молодая особа с короткой стрижкой. Эмансипированная женщина активно осваивает новые социальные роли – она сама себя обеспечивает, не зависит от мужчины, путешествует, занимается спортом, водит автомобиль и даже летает на самолете, предается удовольствиям, не считаясь с условностями, навязанными старшими поколениями.
Парижская мода 1920-х характеризуется упрощением стиля: при использовании минимума ткани доминирующим фасоном неизбежно становится платье-чехол самого простого покроя. Такие платья были доступны для масс, не требовали множества примерок и больших затрат времени на их изготовление., при этом были удобны для новых танцев, новых ритмов и новых движений – свободных и порою граничащих с распущенностью. Важная роль в переходе к новому стилю в одежде принадлежит нижнему белью, которое давало женщине большую свободу движения и в то же время кардинально меняло силуэт, делая его более спрямленным.
В повседневную одежду из спорта пришли плиссированные юбки, джемперы и гольфы, причем их носили и те, кто не занимался спортом, но хотел спортивно выглядеть. Женский костюм того времени много заимствовал из мужского. Несмотря на преобладание прямого силуэта, было бы неправильно говорить об однообразии модной одежды. В качестве вечерних и свадебных нарядов были популярны платья robe de style с плоским прямым лифом и боковыми фижмами, созданные модным домом «Lanvin». При общей стилистической простоте женского платья упор делался на декор: широко использовались бисер, стеклярус, пайетки, дутые бусины, стразы, ткань ламе с металлическими нитями и кружевные вставки. К концу десятилетия всё большее распространение получил декор с вышивкой и растительными узорами.
Мода периода ар-деко, появившаяся как реакция на новые социальные условия, новую роль женщины в обществе, новую музыку и танцы, формировалась и утверждалась благодаря творчеству великих модельеров эпохи. Перечислить всех совершенно невозможно, ведь только в Париже в 1920-е годы работало более 700 модных мастерских, одевавших не только французскую богему, но и многочисленных богатых иностранцев, преимущественно американок, регулярно посещавших столицу моды.
Самый значительный след в истории костюма и моды между двух войн (1918-1939) оставили такие дизайнеры, как Поль Пуаре, Мариано Фортуни, сёстры Калло, Габриэль Шанель, Эдвард Молино, Мэгги Руфф, Люсьен Лелонг, Жанна Ланвен, Жан Пату, Мадлен Вионне, Эльза Скиапарелли, Соня Делоне и многие другие.
ПОЛЬ ПУАРЕ (PAUL POIRET; 1897-1944)
Пресса называла Поля Пуаре «королем моды», парижские сатирические издания язвительно присвоили ему титул «диктатора моды». Пуаре считается одним из новаторов, начавших движение к освобождению женщины от корсета. Ещё в 1906 году он создал коллекцию платьев, в которой предпочтение было отдано прямому силуэту с узкой юбкой и завышенной линией талии. Интерес к моде проявился с детства, и, начав делать эскизы костюмов, он продавал их модным домам, а с 1896 года стал работать эксклюзивно на Жака Дусе. В 1903 году Пуаре открыл собственный бизнес.
Позже он писал, что его главной заслугой было не то, что он «оживил краски и предложил новые фасоны», а то, что «вдохновлял художников, создавал театральные костюмы, умел понять потребности новой эпохи и сумел удовлетворить их». Примечательно, что яркие краски и экзотические наряды в творчестве Пуаре появились после знакомства с балетами «Русских сезонов» в Париже и работами Льва Бакста. Тесное сотрудничество с художниками П. Ирибом и Ж. Лепапом привело к изданию альбомов «Платья Поля Пуаре для Поля Ириба» (1908) и «Вещи Поля Пуаре глазами Жоржа Лепапа» (1911).
Успех модного дома Пуаре был настолько грандиозен, что модельер задумал мировое турне, в ходе которого он вместе с группой манекенщиц посетил в 1911 году берлин, Вену, Варшаву, Москву и Санкт-Петербург. Из поездки по России, во время которой он познакомился, в частности, с Надеждой Ламановой, Пуаре вынес новые идеи для своих будущих коллекций. Не менее успешной была и поездка по Северной Америке в 1913 году, во время которой он встречался с местными закупщиками. Обнаружив в продаже многочисленные копии своих моделей, Пуаре осознал необходимость защиты авторских прав и в 1914 году принял участие в организации Синдиката по защите французской Высокой моды и связанного с ней производства. Созданию Синдиката помешала Первая мировая война (регистрация авторских прав кутюрье началась только в 1952 году).
Стилистика ар-деко с её увлеченностью искусством Востока вполне соответствовала личным вкусам дизайнера, однако он не смог отказаться от экзотической пышности своих нарядов и не воспринял новый образ женщины, которую нужно было не просто украшать и обожать, но воспринимать как равного партнера по жизни. Пуаре не принял простоту и практичность нового стиля. Его работы 1920-х годов, особенно вечерние платья и оперные манто, отличаются богатством материала и отделки. В 1921 году Пуаре разработал для ревю «Casino de Paris» сценографию и костюмы, оперируя в основном черным и желтым, что привело к взрывной популярности черного цвета в Париже.
Как настоящий художник, Пуаре создавал цельный образ и не мог не включать обувь в свои работы. Это определило его длительное сотрудничество с выдающимся дизайнером обуви Андре Перуджа, который создавал обувь не только для его клиентов, но и супруги и музы — Дениз Пуаре.
В 1929 году Поль Пуаре был вынужден закрыть свой модный дом из-за финансовых трудностей, хотя в 1930-е ещё создавал дизайны по заказу английской фирмы «Liberty».
ЖАННА ЛАНВЕН (JEANNE LANVIN; 1867-1946)
Свою карьеру в моде Жанна Ланвен начала со шляпок, а одежду стела шить для дочери, стараясь сделать её не менее изысканной и богатой, чем для взрослых. Это заметили покупатели, и со временем дом «Lanvin» стал предлагать одежду для детей своих клиентов, а с 1908 года — и для взрослых, создавая её в едином стиле. В том же году Жанна Ланвен присоединилась к Синдикату Высокой моды, что дало ей звание полноценного кутюрье.
В 1920-е годы Ланвен внедрила платье robe de style — с плоским прямым лифом, небольшими боковыми фижмами и короткими рукавами, и оно стало весьма популярным в качестве свадебного или вечернего наряда.
Работы Ланвен были известны своей богатой отделкой — использовались бисер, бусы, крупные кристаллы из пластика, кусочки зеркал, сутаж, ленты. Отличительным и узнаваемым элементом декора стал бант — то гипертрофированно огромный, то совсем небольшой, но повторяющийся. Ланвен придавала огромное значение цвету и на собственных фабриках по окраске тканей создала свои оттенки: «синий Ланвен», «зеленый Веласкес» и «розовый Полиньяк», названный так в честь дочери модельера, в замужестве ставшей графиней де Полиньяк. В 1925 году Жанна Ланвен возглавляла жюри секции костюма на Международной выставке декоративных и промышленных искусств в Париже и за эту работу была награждена орденом Почетного легиона.
В настоящее время «Lanvin» является одним из старейших действующих домов моды.
ЭДВАРД МОЛИНО (EDWARD MOLYNEUX; 1891—1974)
Родившись в Лондоне, в семье выходцев из Ирладии, Эдвард с детства знал, что хочет стать иллюстратором. Приняв участие в конкурсе на создание эскиза вечернего платья, он неожиданно для себя получил предложение о работе от леди Дафф- Гордон, знаменитого английского кутюрье, известной как «Люсиль». После Первой мировой войны, дослужившись до звания капитана, получив три ранения и потеряв способность видеть одним глазом, Молино обосновался в Париже, где в 1919 году открыл собственный дом моды.
Он создавал одежду для зрелых самостоятельных женщин, искавших в моде «что-то особенное».
Работа Молино отличалась безупречным чувством линии при высоком качестве кроя. Аристократическая элегантность его одежды сделала его весьма популярным среди кинозвезд и светских женщин. В коллекциях никогда не было чрезмерности, они скорее отличались некоторой консервативностью и простотой линий. Вскоре он стал любимцем высшего общества, одевая в том числе и европейских королевских особ. Среди его заказчиц были также актрисы Грета Гарбо, Марлен Дитрих и Вивьен Ли.
В 1925 году бизнес Молино расширился, и он открыл магазин в Монте-Карло, в 1927-и — в Каннах, а в 1933-м — первый магазин в своем родном Лондоне. В 1934-1939 годах в его мастерской работал Пьер Бальмен, впоследствии открывший собственный модный дом. После Второй мировой войны Эдвард Молино вернулся в Париж и работал до 1950 пода, когда ушел из профессии, целиком посвятив себя живописи.
Дом моды Молино просуществовал до 1977 года.
ЛЮСЬЕН ЛЕЛОНГ (LUCIEN LELONG; 1889-1958)
Родители Люсьена владели модным ателье, и юноша с детства принимал участие в семейном бизнесе. Дядя, занимавшийся поставками ткани, научил его разбираться в них. В 20 лет он стал партнером в семейном деле и сразу же переоборудовал магазин. Покрыв стены и потолок черной тканью, а пол черными коврами, установив диваны черного цвета, он превратил магазин в подобие коробочки для ювелирных изделий.
За два дня до своего первого показа Люсьен Лелонг был призван в армию и достойно прошел Первую мировую войну: был серьезно ранен, но после длительного лечения вернулся к работе. Три года обучения в Высшей школе коммерции не прошли для Лелонга даром — он был хорошим бизнесменом, вероятно даже лучшим, чем дизайнером. Своим клиенткам Люсьен предлагал скидку в обмен на фотографии в его одежде. Дом «Lucien Lelong» участвовал во Всемирной выставке 1925 года в Париже в «Павильоне элегантности».
Стремление Лелонга поставить Высокую моду на промышленную основу привело к тому, что в 1926 году на него работало уже 1200 человек, а сам он занимался исключительно деловой стороной процесса.
Его стиль основывался на идее движения и спортивности. Он не был выдающимся новатором, но талант организатора обеспечил успех его бизнесу. В 1933 году Люсьен Лелонг одним из первых французских дизайнеров создал линию готовой одежды, которую назвал «Edition».
C 1937 года он стал президентом Синдиката Высокой моды и в дальнейшем бо́льшую часть времени посвящал именно этой деятельности, Французская мода многим обязана Лелонгу: во время оккупации Франции благодаря его таланту дипломата удалось избежать исполнения планов немецкого командования о переносе индустрии Высокой моды в Вену или Берлин.
С 1939 года главным дизайнером в модном доме Люсьена Лелонга работал Пьер Бальмен, а с 1942 года он делил эту должность с Пьером Карденом. В разное время у Лелонга также работали Юбер де Живанши, Серж Коган и Жан Шлюмберже. В 1947 году Лелонг ушел из бизнеса. За свою карьеру он создал 110 коллекций и 27 ароматов. После его ухода деятельность фирмы не возрождалась, но производство парфюма продолжается
МАРИАНО ФОРТУНИ (MARIANO FORTUNY Y MADRAZO; 1871-1949)
Мариано Фортуни внес оuромный вклад в развитие моды, однако ограничивать его творчество только рамками моды было бы абсолютно неправильно. В Париже и Венеции он серьёзно занимался живописью, в немецком Байройте увлекся музыкой Р. Вагнера и театром. В этой области Фортуни проявил себя как талантливый сценограф, инженер по свету, декоратор, художник по костюмам. В 1900 году он подготовил эскизы для оперы Вагнера «Тристан и Изольда». На счету Фортуни более 20 изобретений, а его знаменитый панорамный купол для рассеянного света, позволяющий быстро менять декорации, в 1906 году был установлен в частном театре, а в 1922-м — в театре «Ла Скала».
К теме моды Фортуни обратился через театр; сама мода существовала для него как еще один вид искусства, а её коммерческая составляющая художника мало интересовала.
Началом экспериментов Фортуни в сфере моды принято считать создание «кносских шарфов», или шалей, из шелковой тафты с набивным рисунком, напоминающих сари. Прямоугольное полотно размером 450 на 110 см с геометрическими узорами могло быть обернуто вокруг тела самыми разными способами, при этом не ограничивало движений. В 1909 году Фортуни создал платье-тунику из плиссированного шелка — дельфос. Утяжеленные бусинами муранского стекла, складки платья с опорой на плечевой пояс свободно спадают и ложатся на пол. Фортуни получил патент на свое изобретение, но несмотря на доступность описания, процесс создания складок до сих пор не до конца понятен. Было создано несколько видов дельфоса: с поясом и без, с рукавами различной длины и без них, с вырезами различной формы, а также двухчастный вариант платья — пеплос. Плиссированные платья Фортуни долгое время считались «домашними или, как их называли, чайными, но в 1920-е годы молодые экстравагантные женщины стали носить их в свет качестве вечернего наряда. Удобство и свобода в сочетании с роскошью ткани и необычными цветами, переливающимися в зависимости от освещения, как нельзя лучше отражали дух времени.
Кроме экспериментов с плиссировкой, Фортуни был увлечен старинной техникой набойки на бархате, сам изготавливал краски и стенки для набойки, создавал новые технологии нанесения краски на ткань. Фортуни окрашивал бархат и наносил рисунки зачастую с использованием металлических пигментов, что добавляло ощущение сотканных кружев. Из бархата изготавливались как мелкие аксессуары в виде сумок-кисетов, так и платья, накидки, манто, платья-кимоно и кафтаны. После открытия в 1919 году фабрики на острове Джудекка в Венеции появилась возможность производить обивочные хлопковые ткани, которые стали особенно популярны у декораторов.
Неизменной спутницей по жизни и помощницей в творчества Фортуни была его супруга Анриетта Негрин, вместе с ним работавшая над созданием новых тканей и предметов модной одежды. После кончины Мариано в 1949 году управление компанией по просьбе Анриетты взяла на себя Элси Макнил, эксклюзивный представитель Фортуни в США. Прекрасный организатор, Эпси занялась улучшением производства и сосредоточилась на выпуске тканей для интерьерного декора. Производство одежды было прекращено, а последнее платье-дельфос было создано в 1952 году. В 1988-м Макнил, к тому времени графиня Гоцци, передала управление фабрикой семье Риад, которая и ведёт бизнес в настоящее время.
ОБУВЬ АР-ДЕКО
В 1920-е годы, с изменением длины дамского платья, появился повышенный интерес к дизайну обуви, что в свою очередь, привело к более частой смене фасонов. Модные журналы отмечали значимость красивой обуви, указывая на то, что неправильно подобранная пара туфель может испортить впечатление от всего ансамбля. Фасоны, цвета и материалы, модные после окончания Первой мировой войны, оставались актуальными до 1922-1923 годов. Обувь имела вытянутый заостренный носок и французский или кубинский каблук. Для прогулочных моделей считался нормой французский каблук высотой 5 см или военный от 2,5 до 4 см. Старые каноны элегантности дольше всего держались в дизайне нарядной обуви: вытянутый острый мыс и талированный французский каблук сохранялись здесь до середины 1920-х. Постепенно носочная часть становилась более широкой и округлой. К концу десятилетия на смену французскому каблуку пришел более тонкий и высокий испанский
После 1922 года высокие ботинки на передней шнуровке продолжали носить только пожилые дамы. Для повседневной носки журналы и каталоги предлагали современницам огромный выбор полуботинок и закрытых туфель на шнуровке, с ремешками или эластичными вставками. Лодочки фасона «кромвель» с высокими язычками были широко распространены в первой половине десятилетия. Ботинки с более широким и удобным носком, на низком каблуке и теплой подкладке из флиса носили в качестве зимней обуви. К середине 1920-х годов культурное влияние «белой эмиграции» на Западе породило моду на «русские» сапоги. Они доходили до колена и имели относительно высокий французский или кубинский каблук. Прямое голенище было достаточно широким, чтобы обходиться без застежки. В 1927-1928 годах появились более узкие модели на молнии. «Русские» сапоги продержались в моде сравнительно недолго, исчезнув к концу десятилетия.
Обувная мода середины 1920-х отличалась большим разнообразием. Туфли-лодочки, которые ранее считались уместными только в помещении, начали носить на улице. Для повседневной носки их шили из кожи и фиксировали на ноге чересподъемным ремешком. К середине десятилетия широкое распространение получила модель «д’орсе». Лодочки с чересподъемным ремешком и «д’орсе» с Т-образной застежкой были самыми востребованными моделями.
Буйство красок, разнообразие материалов и смелые сочетания цветов и фактур увели моду от прежних ценностей обувного дизайна. К 1925 году стало больше обуви из кожи рептилий, особенно змей и ящериц Пользовались популярностью дорогие туфли из кожи антилопы, страуса и акулы. Для более скромных моделей вырезали отдельные детали из экзотических видов кожи, делали аппликации или обтяжку каблука. На туфли из лайки серебристого или золотистого цвета возник массовый спрос. Приблизительно в это же время в моду вошла замша. К концу десятилетия цветовая гамма повседневных моделей стала более сдержанной, в ней преобладали бежевые, коричневые и серые тона.
Нарядную женскую обувь шили из атласа, парчи, дамаста, шелкового репса, ламе, муара, но одновременно с этим появлялось много моделей из лайки, антилопы, телячьей и оленьей кожи. Клиентки с высоким положением в обществе, сохранившие верность вкусам «прекрасной эпохи», заказывали в дорогих парижских мастерских туфли из шелка или тончайшей лайки, расшитые бисером или покрытые паутиной искусной вышивки. Пуговицы и застежки на туфлях могли быть фигурными (например, как у Андре Перуджа — в форме бутона розы), с гравировкой или инкрустацией цветными стразами. Стиль орнамента зависел от общих тенденций в прикладном искусстве: змеящиеся изгибы модерна постепенно вытеснила футуристическая геометрия ар-деко. Мастера искали вдохновение в художественном наследии античных Греции и.Рима, Месопотамии и майя, Древнего Египта и Черной Африки. Застежки и декоративные пряжки на союзке, более крупные в начале десятилетия, ближе к его концу значительно уменьшились.
Искусство создания обуви в период ар-деко достигло высочайшего уровня. Стилевые особенности ярко выражены в работах мастеров и проявляются в выборе материалов, цветовых сочетаниях, в использовании орнаментов разных культур, далеких от Европы — родины ар-деко.
Это были годы, когда машины стали помощниками, но еще не подменили руку мастера, которую видно по тщательности проработки и исполнения деталей. Это время подарило нам таких художников высокого искусства обуви, как Андре Перуджа Сальваторе Феррагамо, Пьетро Янторни, и оставило нам наследие таких фирм, как «I. Miller», «Delman», «F. Pinet», «J. & J. Slater», «Bob Inc.», «Saks Fifth Avenue», «Hellstern & Sons», «Bally» и многих других, творения которых можно увидеть на выставке.
ПЬЕТРО ЯНТОРНИ (PIETRO YANTORNY; 1874—1936)
Пьетро Янторни – один из самых загадочных обувных дизайнеров мира, жизнь которого окутана тайнами и многочисленными, подчас неправдоподобными историями. Он появился на свет в Калабрии в 1874 году, а в 12 лет пошел в подмастерья к обувщику, причем единственной оплатой были знания и опыт. В 17, скопив деньги на билет, он приехал в Париж. Случай и доброта соотечественника помогли ему устроиться в мастерскую с местному обувщику, где благодаря своему таланту и трудолюбию Янторни быстро освоил премудрости профессии. Подрабатывая мойщиком посуды, он скопил нужную сумму на собственный инструмент. Однако не найдя постоянной работы, Янторни покинул Парих. Он жил в Генуе, в Лондоне два года изучал технологию производства колодок для обуви и распорок, а затем вернулся в столицу моды, продолжил совершенствовать искусство изготовления колодок и через некоторое время открыл мастерскую на улице Фобур Сент-Оноре, где выполнял заказы других обувщиков. Несколько лет спустя Пьетро Янторни переехал на верхний этаж здания на Вандомской площади, 26, центра роскоши Парижа, и разместил в окнах объявление, которое звучало как вызов: «Самая дорогая обувь в мире».
Янторни стремился привлечь не просто богатых людей, он хотел работать с публикой, располагавшей и средствами, и желанием носить самую удобную, самую красивую и самую «правильную» обувь. Пьетро Янторни действительно был самым дорогим обувщиком, он выбирал редкие, часто старинные ткани и материалы и добивался совершенства во всем. Он не брал заказ меньше чем на 10 пар, в комплекте с колодками и носочно-чулочными изделиями, причем все это помещалось в сундук, обитый сафьяном. Клиенты могли ждать заказа три года, но торопить его было бесполезно, поскольку Янторни обходился без помощников и делал все сам. Среди его клиентов были самые богатые и знаменитые люди мира. К примеру, американская миллионерша Рита де Акоста Лидиг заказала у него в общей сложности 300 пар обуви.
Янторни ушел из жизни в 1936 году в своем доме под Парижем. Его наследие разошлось по мировым музеям, а самая большая коллекция находится в нью-йоркском Музее Метрополитен.
ИЗРАЭЛЬ МИЛЛЕР (ISRAEL MILLER; 1866-1929)
Компания «Miller Shoe Company» была зарегистрирована в 1901 году, а сам основатель Изразль Миллер прибыл в Нью-Йорк в 1892 году. Точных сведений о его биографии нет, известно лишь, что он уже имел опыт работы обувщиком в Париже. Его первым местом работы в США была фирма «Jihn Azzimonti — ведущий производитель театральной обуви. Вся дальнейшая творческая судьба И. Миллера будет также связана с театрами и кино. Его называли «американским Феррагамо» за связь с миром кино, хотя Миллер начал обслуживать экстравагантную артистическую публику намного раньше, чем Сальваторе Феррагамо.
Здание флагманского магазина фирмы на Манхэттене с 1926 года украшали скульптуры актрис, символизирующие различные виды сценического искусства: Этель Бэрримор — драму, Мэрилин Миллер — музыкальную комедию, Розы Понсель — оперу, а также Мэри Пикфорд, представляющей киноискусство.
Модели компании периода ар-деко отличает смелый дизайн, широкий выбор ярких цветов и дорогих материалов, но самое главное — великолепная работа, например строчка такого качества, которое сегодня практически недостижимо. В 1920-е годы «I. Miller» была самой популярной маркой женской обуви.
Израэль Миллер скончался в 1929 году в Париже, и руководство компанией взял на себя его сын Джордж. Он смог привлечь к сотрудничеству таких дизайнеров, как Андре Перуджа, а позже Бет Левин и Дэвида Эвинса. Интересно, что сам основатель каждый год посещал Париж, знакомясь с модными новинками. Тесное сотрудничество у компании установилось с самым известным производителем художественных целлулоидных каблуков Франции «Weil & Petit».
В 1929 году компания имела две собственные фабрики, более 200 представителей в США и 16 магазинов. Её капитал составлял 8 миллионов долларов. За последующие 30 лет сеть магазинов выросла до 288, а в 1950-е к рекламной кампании привлекался Энди Уорхол. В 1953 году фирма Израэля Миллера была куплена корпорацией «General Store», а в 1970-м марка прекратила существование.
ФРАНСУА ПИНЕ (FRANCOIS PINET; 1817—?)
Пине работал в эпоху, когда закладывались основы французской индустрии Высокой моды. Большинство мастеров, работавших на дома мод в середине ХХ века, оставались анонимными. Франсуа Пине, сын провинциального сапожника, приехавший покорять Париж в 1844 году, стал одним из первых, кто подписывал свои изделия. В 1854 году он получил патент на новый тип и способ изготовления каблука из наложенных ‘друг не друга слоев дерева. Каблук был вариантом известного в XVIII веке каблука «Людовик» с подчеркнутой талией и расширением книзу. У Пине расширение было почти незаметным, каблук получился более крепким, устойчивым и легким.
Пине понимал необходимость механизации для повышения качества продукции и в 1855 году открыл собственную фабрику, а в 1863-м значительно расширил производство. В то время на фирму работали 120 человек в хорошо оснащенных мастерских и еще 700 надомников. Компания стала лидером французского рынка, и на парижской Всемирной выставке 1867 года обувь работы Франсуа Пине получила высшую награду. Известное всем русское обозначение обуви для младенцев — «пинетки» — связано с фамилией Пине. Детская обувь фирмы не раз получала высшие награды на выставках.
Известность и популярность пришли к Франсуа Пине благодаря сотрудничеству с домом Чарльза Ворта. Он создавал модели и для британского дизайнера Джона Редферна. Обувь от Пине отличали безупречный крой, искусная вышивка и превосходно выточенные каблуки. Пине уделял большое внимание производству колодок, как можно более точно соответствующих анатомии ног. К его заслугам относится популяризация французского каблука, вернувшегося в моду в 1870-х годах. Клиентками Пине были представительницы европейского высшего света и американские миллионерши. Со временем он открыл собственные магазины в Париже и Лондоне.
Сын Пине, унаследовав предприятие отца, перешел на машинное производство, но компания «François Pinet» сохранила свою репутацию. Каждую модель выпускали ограниченной серией всего в несколько десятков пар. К тому же обувь компании по-прежнему отличали элегантность дизайна и тщательная проработка декора. Особой популярностью пользовались модели с вышивкой/
Дела компании пошатнулись после кризиса 1929 года, и в 1940 году фирма «François Pinet» закрыла производство. В настоящее время под этим названием существует торговая компания, которой принадлежит 8 магазинов. Клиентам предлагается обувь под собственной маркой и от других производителей,
«HELLSTERN & SONS»
Фирма «Неllstern» была основана в 1870 году Луи Эльштерном в Париже и располагалась на ул. 29 Июля, а к 1900 перенесена на Вандомскую площадь, 23. В начале ХХ века клиентами компании, производившей роскошную мужскую и женскую обувь, были монархи и члены королевских семей, в частности император Николай II и принц Уэльский, король Бельгии Леопольд II и герцогиня Кентская, а также представители европейского высшего общества. Среди почитателей обуви «Неllstern» были такие звезды сцены, как Клео де Мерод или Жозефина Бейкер, а также представители делового и финансового мира. В 1920-е годы управление компанией перешло в руки сыновей Эльштерна — Мориса, Шарля и Анри. При них дизайн обуви стал экстравагантным, а иногда даже экстремальным, при этом от выпуска массовых моделей фирма перешла на обслуживание богатых и знаменитых клиентов по индивидуальным заказам. Дизайном занимался Шарль, и среди моделей фирмы было три основных: лодочки с чересподъемным ремешком под названием «Шарль IX», туфли на Т-образном ремешке «Саломея» и простые лодочки. «Hellstern & Sons» также были известны своими сапогами. На пике деятельности, в 1920-е годы, в фирме работало более 100 человек, в основном обувщики из Италии. В этот же период автомобильная компания «Renault» обратилась к «Hellstern & Sons» с предложением создать модель лыжных ботинок в пандан к одной из своих моделей авто.
Обувь «Hellstern & Sons» поражает богатством и разнообразием, среди моделей много авангардных для своего времени образцов, и сегодня они находятся в коллекциях крупнейших музеев мира. Компания стала закрывать свои магазины в конце 1940-х годов: в Брюсселе — в 1949-м, в Лондоне — в 1965-м, а последний магазин фирмы в Каннах был закрыт в 1970 году.
АНДРЕ ПЕРУДЖА (ANDRE PERUGIA; 1893—1977)
Свои знания и навыки уроженец Ниццы Андре Перуджа приобрел в мастерской отца, а в 16 лет, посчитав карьеру провинциального сапожника скучной, открыл собственный магазин в Париже, где продавал обувь ручной работы, все больше уделяя внимание дизайну. Позже магазин переехал на улицу Фобур Сент-Оноре — в Мекку парижской моды, где были расположены салоны ведущих модельеров того времени.
После Первой мировой войны Андре Перуджа делал обувь для известного модельера Поля Пуаре, и это сотрудничество предопределило будущий успех молодого дизайнера. Среди его клиентов в 1920-е годы были звезды немого кинематографа и танцовщицы знаменитых кабаре, олицетворявшие блеск и роскошь жизни: Пола Негри и Глория Свенсон, Жозефина Бейкер и Мистингет.
Постоянно экспериментируя с материалом, формами и текстурами, Перуджа создавал исключительно оригинальные модели обуви на протяжении 50-летнего сотрудничества с компаниями «I. Miller, а затем и «Charles Jourdan». В период между двух войн он работал с «Saks Fifth Avenue», а также делал обувь для английской компании «H & M Payne». Он имел репутацию не только гения, но и эксцентрика, так как, по слухам, разговаривал со своими туфлями, как с живыми существами. В книге «От Евы до Риты Хейворт» Андре Перуджа с присущим ему юмором писал, что раскрыть характер женщины можно, изучая ее ноги.
На создание некоторых моделей обуви Перуджа сподвигло творчество известных художников. Так, лайковые лодочки в виде рыбки с декоративными чешуйками он сделал в 1931 году в память о французском кубисте Жорже Браке, в 1950 году он посвятил Пикассо модель сандалий, которые как бы парили в воздухе.
Перуджа сотрудничал со многими известными дизайнерами своего времени — Жаком Фатом, Юбером де Живанши, Эльзой Скиапарелли. В конце 1960-х он отошел от дел, а скончался в возрасте 84 лет в 1977 году. Бесценная коллекция обуви Перуджа сейчас принадлежит фирме «Charles Jourdan», а многие его оригинальные модели находятся в различных музеях мира.
КАБЛУКИ И ПРЯЖКИ
Что мы знаем о каблуках? Это простая, но важная деталь обуви, приподнимающая пятку выше уровня носка. Никто не знает точно, когда он появился, и никто не сможет сказать почему. Ясно одно: первоначально это была скорее необходимость, чем просто стремление к красоте.
Традиционно каблук, особенно на женской обуви, изготавливался из дерева для прочности, а для красоты обтягивался кожей или тканью. В конце XX века женский каблук приталенной формы, который был назван по имени французского короля Людовика XIV, стали обтягивать новым материалом — целлулоидом. Это был первый искусственный пластический материал в истории человечества, созданный английским изобретателем Александром Парксом в 1855 году, хотя слово «целлулоид» и усовершенствованный процесс его промышленного изготовления были запатентованы Джоном Хайятом лишь в 1872 году в США.
Секрет популярности нового материала заключался в его способности к имитации. Целлулоид поддается окрашиванию различными органическими красителями, на него можно нанести изображение красками, тиснением, печатью, но еще более впечатляющей является его способность имитировать ценные и редкие материалы, такие как слоновая кость, перламутр, коралл, янтарь, фарфор, бронза, малахит и черепаховый панцирь. Различные лаки и краски использовались для полной или частичной окраски каблуков. Так, лаки с сульфидами олова создавали эффект позолоты или бронзы. Одним из приемов, применявшихся художниками, была гравировка. Рисунок могли наносить по окрашенной или золоченой поверхности или по цветному целлулоиду с заполнением углублений краской контрастного цвета. Такое разнообразие превращений целлулоида привело к его широкому применению у мастеров, творивших во время расцвета ар-деко. Производители обуви, особенно высокого класса, применяли различные имитации из целлулоида для создания великолепных каблуков. В то время как бо́льшая часть обуви с богато декорированными целлулоидными каблуками имеет американское происхождение, собственно каблуки (а речь идет о художественно исполненных каблуках в стиле ар-деко) почти всегда были сделаны во Франции. Конечно, дерево было не единственным материалом для их изготовления. Некоторое распространение получили каблуки из алюминия, имевшие интересную конструкцию. Специальная алюминиевая площадка укреплялась сапожными гвоздями на пяточной части туфли, и в нее вворачивался длинный болт, проходящий внутри каблука. Часто при описании каблуков используют термин «сменные». Это неточное определение, так как никакой возможности самостоятельно сменить их у клиенток не было. Следует помнить, что бо́льшая часть обуви высокого класса изготавливалась по индивидуальным заказам. Богатая модница могла выбрать каблуки для своей обуви в момент обсуждения заказа или прийти к обувщику с каблуками, приобретенными заранее. В коллекции Н. С. Мустафаева представлены каблуки таких французских компаний, как «Ferdinand Weil», «Emile Petit & Co.», «Parisian Wood Hell Manufacturing Co.», «Manufacture Française de Talons de Bois».
Но большинство изготовителей остаются неизвестными.
Пряжки оставались самым простым и наиболее распространенным украшением. Они продавались отдельно и пришивались или крепились на туфли-лодочки с помощью специальной клипсы.
ПЛЯЖНАЯ МОДА
Радикальные изменения в общественной жизни после Первой мировой войны привели не только к появлению новых социальных явлений, но и к переосмыслению привычных понятий. Так, например, загар, считавшийся признаком принадлежности к низшим классам, в силу необходимости вынужденным работать на открытом воздухе, в 1920-е годы входит в моду как показатель достатка и свободного времени. Развивается культура пляжного отдыха, появляются оборудованные пляжи с кабинками, лежаками и кафе. Многие прибрежные города перепрофилируется в курорты, куда приезжают не только лечиться, но и просто отдыхать.
Купальная мода рубежа XIX-XX веков скорее отвечала требованиям приличия, чем удобства. Время викторианских купальных машин прошло, но открывать тело полностью все еще считалось неприличным. Типичный купальник до начала 1920-х годов был многослойным, закрытым и шился из шерстяной ткани. Обязательными были шапочки и высокие холщовые купальные ботинки, которые часто носили с гольфами.
Мода 1920-х годов зачастую была не просто более свободной, но и провокационной. Новые купальные костюмы в виде короткой туники с широкими штанишками именно так и воспринимались. Чулки носили всё реже, вместо тканевой обуви к концу 1920-х стали носить специальную резиновую обувь, которую освоила промышленность. В начале десятилетия почти не было гендерных различий в купальной одежде. Мужчины носили костюмы не менее закрытые, чем у женщин. К концу 1980-х годов штанишки женского купальника делаются короче и часто соединяются с туникой, декольте становится глубже, а спина открывается сильнее. Купальные костюмы шьют из гладкого трикотажа, шелкового джерси, саржи и трикотажного букле.
Компания «Jantzen» еще в 1913 году стала производить трикотажные купальники, но по-настоящему модными они стали лишь в 1920-е. В 1925 году «American Rubber Company» создает латекс, и его начали использовать в трикотаже для купальников, которые лучше облегали тело. В 1928 году в английский язык входит французское слово «maillot» — «майо», которым стали обозначать цельнокроеный закрытый купальник с V-образным или квадратным вырезом, на бретелях. В это же время появляется облегающий купальник компании «Speedo», в котором было удобно не просто плескаться, а плавать на скорость.
Пляжная мода не осталась без внимания мастеров Большой моды. Жан Пату стал одним из первых, кто ввел в свою коллекцию купальник с логотипом с собственными инициалами — «JP». Коко Шанель создала целую серию пляжных и спортивных костюмов для акробатического балета «Голубой экспресс», поставленного С. П. Дягилевым в Париже в 1924 году. Соня Делоне предлагала пляжные комплекты; включавшие в себя все необходимое, от купальника до халата и зонтика, с контрастными геометрическими формами и выразительными цветами в стиле симультанизма. Не менее популярны были и спортивные купальные костюмы от Люсьена Лелонга, которые специально кроились немного меньше, чтобы трикотаж слегка растягивался, лучше облегая тело. К концу 1920-х годов купальники, парео, пляжные халаты и пижамы, зонтики и другие аксессуары появились в коллекциях многих дизайнеров, включая Скиапарелли, Пуаре, Молино и Ланвен.
БИСЕР
Вышивка – одна из древнейших ремесел человечества, использование стеклянных бусин начинается со 2-го тысячелетия до новой эры. Бисер, самая мелкая фракция стекла, находит применение в вышивке примерно c XII века. Именно в это время виртуозные стеклоделы Венеции научились делать бусины размером с маковое зернышко, монопольно сохраняя тайны своего искусства многие века. Венецианский бисер мог удовлетворить самые требовательные запросы модников и вышивальщиков того времени. В ХIV века в Богемии научились создавать стекло более плотное по физическим свойствам, что делало возможной огранку, ставшую отличительной особенностью богемского бисера, который производится и в настоящее время. В XVII веке стеклянные бусины и бисер стали производить в Англии, Франция и Германии. В XIX столетии получили распространение выдувные бусины (бургиньоны) с внутренним покрытием из эссенции рыбьей чешуи и клея, что позволяло получать легкие изделия, имитирующие жемчуг. Самым тяжелым был металлический бисер, который гранили и покрывали различными амальгамами, отчего он сиял и переливался не хуже стекла. Первые сведения о производстве бисера в России относятся к концу XVII века.
В 1658 году в подмосковном селе Измайлово по указу Царя Алексея Михайловича был построен стекольный завод - «стеклянные палаты», где трудились в том числе и венецианские мастера-стеклоделы.
Второй центр возник по инициативе М. В. Ломоносова в середине XVIII веха под Петербургом, близ Ораниенбаума. В его печах варили стекло для мозаик, посуды, бисера и стекляруса, но просуществовал завод недолго и был закрыт через год после кончины ученого.
В Европе бисер очень долго воспринимался только как материал для рукоделия и оформления культовых, интерьерных и прикладных вещей: обивка мебели, декор подушек, светильников, столешниц. Им украшали предметы быта - игральные и письменные принадлежности чубуки, сонетки, подстаканники; вышивали картины и аксессуары: монетницы, бумажники, чехлы для зонтиков, сумочки и многое другое.
В отделке платья бисер стал использоваться наиболее активно на рубеже XIX-XX веков. Начиная с 1860-х годов, его включают в отделку бальных нарядов. Затем бисер используют в виде крупных элементов на верхней одежде как оторочку распашных элементов, манжет, лифа, накидок из плотной ткани. Постепенно бисер включают в основной сюжет вышивки, ставшей более изящной с преобладанием растительных элементов.
В самом начале XX века, после того как благодаря постановкам «Русских сезонов» в моду вошли ориентальные красочные мотивы, бисер стал использоваться повсеместно. Особенно много его было в декоре вечерних туалетов и карнавальных костюмов Поля Пуаре.
В это же время электричество начинает свое шествие по континентам, и яркое освещение как нельзя лучше подчеркивает блеск бусин, бисера, стекляруса, а также пайеток, которые, которые стали легкими и цветными благодаря распространению пластика. Важным преимуществом бисер стало то, что его можно нанизывать в виде бахромы, которая так эффектно развевалась и топорщилась при исполнении чарльстона, блэк-боттом, шимми и свинга – быстрых и ритмичных танцев, захвативших все модные клубы и дансинг-холлы.
Первая мировая водка изменила политические границы, суждения и взгляды. все больше женщин начало работать. время ускорилось. мода стала более удобной и стремительной, упростился крой, упростились нравы. Ориентализм не сдавал позиции, а после открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона, в наряде которого обнаружили бисер и пайетки, случился новый всплеск египтомании. Именно благодаря этим событиям бисер стал полноправно царствовать в вечерних нарядах туникообразного кроя, где расцветали огни цветочных узоров, китайские и японские мотивы, греческие и римские пальметты и меандр. Узоры эпохи Возрождения и геометрия родом из Африки. Тот самый сплав который был невозможен в другие времена и получил название «ар-деко».
СУМОЧКИ АР-ДЕКО
Этот модный аксессуар ведет свою историю с конца XVIII века. Новый статус женщины в обществе после Первой мировой войны вызвал изменения в моде которые не могли не отразиться на этой детали туалета. Сумки, которые долгое время были продуктом домашнего творчества, становятся объектом внимания дизайнеров. В отличие от обуви, от которой требовалось удобство, и от одежды, которая шьется по фигуре, сумки предоставляли дизайнерам неограниченную свободу
Появились сумки для прогулок и для путешествий, сумочки вечерние, утренние и театральные. Кожаные и тканевые сумочки в основном носили в утренние часы, во второй половине дня предпочтительны были бисерные и кольчужного плетения, которые изготавливали из серебра. мельхиора, латуни или бронзы.
Наиболее распространенными в 1920-е годы были тканевые сумки, расшитые бисером. Подобные ридикюли подшивались к металлическим или целлулоидным рамам и предлагались в виде наборов для самостоятельной сборки Для вышивки использовали как микробисер, так и более крупный круглый или граненый. Подобные сумочки вытянутой вертикальной формы часто делали с ремешками для запястья. И хотя по виду они были близки сумочкам конца XIX века, их декор тяготел к новым геометрическим формам.
Другим популярным аксессуаром вечерней моды эпохи джаза стали сумочки кольчужного плетения. Для изготовления одного экземпляра могло использоваться до ста тысяч металлических колец. Вариантом кольчужного плетения была панцирная сетка, состоящая из соединенных между собой пластин в виде знаков + или -. Они часто декорировались эмалью методом трафаретной печати. Еще одной разновидностью была бисерная сетка, каждый металлический элемент которой имел выпуклую поверхность, напоминающую бисер.
В качестве вечернего аксессуара был популярен карманный несессер – небольшая театральная сумочка, в которой помещались пудреница с зеркальцем, помада и сурьма. Иногда к сумочке мелкого кольчужного плетения прикреплялась отдельная пудреница на цепочке.
В ходу были также сумочки-косметички в форме портсигара или круглой пудреницы. Они декорировались гравировкой, гильошированием или выемчатой эмалью.
К середине десятилетия форма и декор сумочек ушли от традиций начала века и приобрели более узнаваемые черты ар-деко, с геометрическими узорами и использованием необычных материалов. На смену ридикюлям пришли клатчи - небольшие элегантные сумочки-конверты из бакелита или плексигласа, ставшие олицетворением эпохи джаза: лёгкие, небольшие, удобно лежащие в руке, они прекрасно дополняли образ молодой женщины в стремительном танце. Клатчи постепенно эволюционировали в маленькие сумочки-танго, которые можно надеть на палец при помощи кольца или, используя короткий ремешок, обернуть вокруг запястья, как браслет.
Одна из разновидностей сумочки для энергичных танцев – так называемые пошетки. Считается, что в 1929 году Коко Шанель, «устав держать сумочки в руках и терять их», стала носить их на длинном ремешке через плечо, как военные носили вещевой мешок. Множество трансформаций дамской сумочки в 1920-е годы послужили основой для всех дальнейших вариаций этого важного аксессуара.
Хронология ключевых социально-политических событий 1920-1930-х годов
1919
28.06.2019 – Подписание Версальского договора об Окончании Первой мировой войны, в результате которой рухнули четыре империи (Российская, Османская, Австро-Венгерская и Германская) и произошли две революции (в России и в Германии)
1920
Введение «сухого закона» в США. Запрет на алкоголь вызвал рост организованной преступности и породил подпольную культуру развлечений.
20.01.1920 – Первое заседание Лиги Наций в Женеве - международной организации, которая была направлена на предотвращение военных конфликтов, укрепление мира и развитие межнационального сотрудничества.
26.08.1920 – Принята 19-я поправка к Конституции США, запрещающая дискриминацию по половому признаку при голосовании – американские женщины получили избирательные права. Ранее право голоса было предоставлено женщинам в Финляндии и России (1917), в Германии (1918), а в Великобритании – с ограничениями голосовать могли лишь женщины старше 30 лет, являющиеся главами семейства или окончившие университет. Полные избирательные права британки получили только через десять лет.
1921
Утверждена новая экономическая политика (НЭП) в Советской России.
Начало коммерческого радиовещания в США.
1921-1923
Мировой экономический спад: депрессия в США, слабый франк во Франции, падающий фунт в Британии, гиперинфляция в Германии и России.
1922
Бенито Муссолини – первый премьер-министр Италии. Политическая власть переходит к фашистской партии.
Открытие гробницы Тутанхамона английским археологом Говардом Картером стало сенсацией, пробудившей в Европе новую волну египтомании. Таинственные символы и ритуалы Древнего Египта вдохновили моду, архитектуру и декоративное искусство на целое десятилетие.
30.12.2022 – Образование Союза Советских Социалистических Республик.
1923
Пивной путч в Мюнхене и его подавление. Попытка членов Национал-социалистической немецкой рабочей партии повторить "поход на Рим" Муссолини и устроить стремительный переворот провалилась. Именно этот эпизод впервые вывел Адольфа Гитлера и НСДАП на политическую арену, обеспечив им известность в Германии и за её пределами.
1924
Опубликован «Манифест сюрреализма» Андре Бретона. Начало сюрреализма как художественного движения.
1925
28.04.1925 – Открытие Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств в Париже. Из устава выставки: «… допустить предметы, обладающими высокими художественными достоинствами и остротой новизны».
Советский Союз впервые получает приглашение принять участие в выставке. Павильон строит архитектор Константин Мельников.
1925-1929
«Ревущие двадцатые» - эпоха экономического подъема, роста уровня жизни и укрепления позиций Западной Европы и США на мировой арене.
1925
17.06.1925 – Принятие Женевской конвенции, запрещающей применение химического оружия на полях сражений. Мир, потрясенный ужасами Первой мировой, делает попытку установить пределы жестокости войны.
1926
Публикация романа Эрнеста Хемингуэя «И восходит солнце». Предисловие к которому ознаменовало появление термина «потерянное поколение». Так стали назвать молодежь, прошедшую через Первую мировую, - поколение, потерявшее иллюзии, оказавшееся в мире, которому уже не верит и в который не может вернуться.
октябрь 1926 – Публикация эскиза маленького черного платья Коко Шанель в журнале «Vogue».
1927
06.10.1927 - Выход в прокат фильма «Певец джаза» - первого широко известного звукового полнометражного фильма с синхронизированной музыкальной и вокальной дорожкой.
Первый одиночный перелет через Атлантику совершает Чарльз Линдберг. 33 часа и 29 минут в воздухе. Этот полет стал символом технического прогресса и дал мощный импульс развитию гражданской авиации, и США заняли лидирующую позицию в этой области.
1928
Открытие пенициллина шотландским микробиологом Александром Флеммингом. Случайное открытие в лаборатории стало одной из важнейших век в истории медицины – человечество впервые получило оружие против смертельно опасных инфекций.
17.06.1928 – Амелия Эрхарт – первая женщина, совершившая авиаперелёт через Атлантику. Она пробыла в воздухе 20 часов и 40 минут.
Выход в эфир первой цветной телепередачи, созданной по технологии шотландского инженера Джона Бэрда. Это событие стало прорывом в визуальных медиа и предвосхитило эру телевидения, где картинка оживает во всех красках.
1929
29.01.1929 – Публикация романа «На Западном фронте без перемен» Эриха Марии Ремарка.
«Черный четверг» - обвал фондового рынка в США, ознаменовавший начало Великой депрессии. Беспрецедентный экономический кризис охватывает мир, вызывая массовую безработицу, нищету и крах веры в финансовую стабильность.
1931
01.05.1931 – Открытие Эмпайр-стейт-билдинг в Нью-Йорке – самого высоко здания в мире вплоть до 1970 года (443,2 метра).
1932
30.07.1932 – Открытие Олимпийских игр в Лос-Анджелесе. Спортивный праздник посреди экономического кризиса. В разгар нищеты и массовой безработицы создается видимость стабильности и праздника – страхи эпохи подменяются спортивным зрелищем.
1933
30.01.1933 - Приход к власти национал-социалистической партии. Адольф Гитлер – рейхсканцлер Германии.