Современный японский художник, скульптор и дизайнер Такаси Мураками (1962 г.р.), известный своими яркими и маниакально жизнерадостными работами, достиг астрономической славы в мире современного искусства. Он был встречен как с восторгом, так и с критикой. Мураками объединяет элементы японской поп-культуры с богатым художественным наследием страны, фактически стирая любые различия между обычным и высоким искусством. Его сравнивают с Энди Уорхолом за его подход к искусству как к бизнесу, а также за его большие фабрики, на которых работают служащие, производящие, продвигающие и продающие его произведения искусства.
Критики высмеивали его за то, что он занимается продажами и подыгрывает растущему спросу арт-рынка на легкодоступные и экзотические произведения искусства из Японии. Но для Мураками это комплимент и именно то, что он задумал. Его творчество черпает вдохновение в японской субкультуре отаку, которая изобилует странными извращениями, сочетающими в себе привлекательность и невинность, а также невероятное насилие. Благодаря этому Мураками тонко критикует современную японскую культуру, а также проникающее в нее влияние Запада.
Значимые работы Такаси Мураками:
1. "727", 1996
В центре этого триптиха — аватар Мураками по имени Мистер Доб (Mr. DOB). Его раскрытый рот обнажает лезвиеобразные зубы, а множественные глаза безумно блуждают. Японское аниме известно мультяшными персонажами с необычно большими глазами, которые часто занимают большую часть лица. Блуждающие глаза в этой работе доводят преувеличение аниме до предела.
Мистер Доб, созданный Мураками в 1993 году, происходит от японского сленгового выражения «дободзосите» (dobozite), что примерно переводится как «почему?». Маниакальная улыбка Мистера Доб может быть понята как смеющаяся позиция Мураками по отношению к арт-миру, а также к Западу. Само название, «727», отсылает к американским самолётам Boeing, пролетавшим над его домом в детстве на военные базы США. В этом смысле название напрямую указывает на присутствие США в послевоенной Японии, которое Мураками так стремится исследовать и критиковать в своём творчестве.
Стилизованная волна, на которой сидит Мистер Доб, — явная отсылка к японскому художнику XIX века Хокусаю. Умиротворяющее использование краски на фоне работы резко контрастирует с мультяшным Мистером Добом, восседающим на пародийной версии волны Хокусая. Имея степень доктора философии по нихонга, Мураками мастерски объединяет миры исторической японской эстетики и популярных современных японских мультфильмов.
Мураками начал серию "Мистер Доб" с целью создания великой иконы современного мира, сравнимую с Микки Маусом, Миффи или Hello Kitty. Это первая «художественная ДНК» Мураками, распространяющаяся на разные медиа и культурные уровни: от станковой живописи и гигантских 3D-скульптур до массово производимых футболок, постеров и брелоков. Мистер Доб — это, по сути брендовый талисман. Цель — растворить самого художника, как он заявляет:
«Аудитории не нужен художник, нужен только персонаж».
Глобальный успех Мистера Доб дал Мураками уверенность возвести себя в статус Сезанна, Дюшана, Уорхола и Пикассо, которые, по его словам:
«Имели своих персонажей (в работах и в себе), чтобы жить десятки лет после своей смерти».
Мистер Доб одновременно является и прославлением, и критикой современной культуры, и этот парадокс делает фигуру столь интригующей.
2. Хиропон (Hiropon), 1997
Эта откровенно сексуализированная скульптура с её тонкой талией и объёмными косичками- «хвостиками» обладает такой огромной грудью, что она вырывается из тесного верха бикини, разбрызгивая реактивную струю молока, огибающую её фигуру. Хотя скульптура напоминает мультяшного персонажа, её внушительное физическое присутствие и размещение на чистой, белой витрине напоминают зрителю, что это «высокое искусство».
Сочетая женственную миловидность и шокирующее извращение, эта скульптура отражает глубокую вовлечённость Мураками в субкультуру отаку, и, в частности, её подноготную, известную как «лоликон» (сокращение от «комплекса Лолиты»), где невинность и девичество парадоксальным образом ценятся и фетишизируются.
Хиропон — один из персонажей Мураками в стиле аниме, к которым также относится скульптура мальчика «Мой одинокий ковбой» (My lonesome cowboy).
Однако под мультяшной и, казалось бы, бессодержательной поверхностью эта скульптура функционирует как сокрушительная критика японской культуры после Второй мировой войны. Мураками неоднократно заявляет в интервью и статьях, что присутствие США после войны сделало Японию инфантильной, превратив её в «маленького мальчика» по сравнению с США. Мураками утверждает, что после окончания войны Япония:
«Будучи лишена возможности полноценного участия в мировой геополитике, направила свои эстетико-политические импульсы вовнутрь, в фантазии о монстрах и супергероях, галактических войнах, киборгах и школьницах — всё это демонстрируют аниме, манга, видеоигры».
Мураками описывает это как эффект кастрации для Японии, в результате чего её культура стала одержима юностью, миловидностью, а вместе с тем проявилась и более тёмная, насильственная, сексуализированная сторона этой одержимости.
Само название отсылает к тёмным аспектам японской культуры — «хиропон» на японском сленге означает наркотик метамфетамин.
Эта ставшая культовой скульптура в трёхмерной форме воплощает «суперфлэт» Мураками — то есть слияние высокого и низкого, изящных искусств и поп-культуры — путём извлечения эротики из «низкой» культуры аниме и внедрения её в скульптуру высокого искусства, предназначенную для влиятельных коллекционеров и престижных арт-институтов. Эта скульптура была продана на аукционе Christie’s в 2002 году за 427 500 долларов и помогла превратить Мураками в суперзвезду мирового арт-мира.
3. Супернова (Super Nova), 1999
Выполненная в стиле «Суперфлэт» Мураками, сочетающем отсылки к исторической японской живописи и современной поп-культуре, эта картина грибов под названием «Супернова» на первый взгляд кажется игривой детской фантазией. Однако мутировавшие глазные яблоки этих существ, клыкообразные шипы, психоделические цвета и искажённые формы намекают на зловещие подводные течения. Название работы отсылает к песне британской группы Oasis «Champagne Supernova» 1995 года. Ассоциация с песней, содержащей аллюзии на наркокультуру (субкультуру наркомании), предполагает, что эти фантастические образы также можно интерпретировать как галлюциногенные (волшебные) грибы.
В центре — гигантский гриб с чудовищно-красивой шляпкой, покрытой глазными яблоками, и осколочно-острыми зубами. Горизонтальная полоса более мелких грибов растянута по семи панелям. Композиция вдохновлена работой художника XVIII века Ито Дзякутю «Сборником овощей и насекомых» (1761), где акцент сделан на грибах — грибы издавна почитались в Японии за гастрономические качества, разнообразие и ассоциации с долголетием.
Однако в контексте послевоенной Японии гриб также является зловещим напоминанием о грибообразном облаке, образованном ядерными бомбами, сброшенными США на Хиросиму и Нагасаки в 1945 году. Мутировавший статус гриба вызывает в памяти ужасающие и долговременные последствия ядерного излучения. Грибы занимают видное место во многих работах Мураками. Их причудливое изображение в глянцево-жизнерадостном ключе — тонкая критика одержимой молодостью японской культуры, где ценятся как невинность, так и миловидность. В этой работе это проявляется через яркие цвета и мультяшные формы.
4. Подмигивание (Wink), 2001
Нарушая формальную элегантность Центрального вокзала Нью-Йорка (Grand Central Station), гигантские пузыри, украшенные фирменными глазными яблоками и цветами Мураками, создают впечатление, будто они невесомо парят над залом, как воздушные шары, в то время как две скульптуры на полу кажутся поднимающимися из-под земли. Эта инсталляция, представленная Creative Time, создаёт парадоксальное и ироничное сосуществование японского нео-попа и формальной элегантности классической архитектуры Центрального вокзала в стиле боз-ар (Beaux-Arts). Скульптуры подмигивают любопытным или спешащим прохожим, приглашая к лёгкому диалогу. Будучи первой публичной инсталляцией Мураками в США, «Подмигивание» амбициозно представило японский нео-поп широкой американской аудитории. Мураками сказал о мультяшных глазах на светящихся шарах: «когда вы смотрите на эти картины, они смотрят на вас».
Арт-критик Роберта Смит выступила против этого публичного проекта, предположив, что
«он компрометирован неподходящим окружением — огромным бывшим залом ожидания, лишённым деревянных скамеек, который кажется совершенно неподходящим для современного искусства».
Однако именно эта странная культурная мешанина и есть то, чего добивался Мураками. Стремясь обнажить взаимосвязь миров изящного искусства и коммерции, эта инсталляция проистекает из желания Мураками обратиться к массовой аудитории:
«Я узнал в Европе и Америке, как устроена сцена изящных искусств. В музеи приходит мало людей. Кинотеатры гораздо популярнее. Музей, это пространство — это что-то вроде старой медиа как опера. Вот почему мне очень интересно создавать товары для обычных людей».
5. Глаза любят СУПЕРФЛЭТ (Eye Love SUPERFLAT), 2006
В 2002 году по приглашению дизайнера Марка Джейкобса Мураками начал своё 13-летнее сотрудничество с модным домом Louis Vuitton. Один из дизайнов Мураками представляет монограмму LV в девяноста семи разных цветах с его фирменными глазами-медузами, повторяющимися на чёрном или белом фоне. Благодаря этому популярному проекту Мураками успешно стал пионером в продвижении искусства как коммерческого бренда. Эта знаковая коллаборация также принесла Louis Vuitton более 300 миллионов долларов. В то время как многие арт-критики и коллекционеры насмехались над его откровенной коммерциализацией, для художника это просто бизнес-проявление его подхода к искусству.
Марк Джейкобс, бывший тогда главным дизайнером Louis Vuitton, выбрал сотрудничество с Мураками, чтобы привлечь новое поколение японской молодёжи в объятия производителя роскошных сумок. Мураками, со своей стороны, считает, что мода может быть визуальным отражением эпохи, утверждая, что «субкультуры и конкретные события в разных странах смешиваются, создавая атмосферу эпохи, и это, в свою очередь, порождает моду».
Это стремление представить нашу эпоху соответствует его более масштабной художественной цели — обращаться к сущности современного японского общества и раскрывать её для мировой аудитории.
Коллаборация Louis Vuitton / Murakami создаёт ещё один элитарный мир для богатых. Как отмечает историк искусства Кристен Шарп:
«Мураками игриво (и, возможно, цинично) погружён в процессы позднего капитализма, заявляя, что он бросает вызов различиям в искусстве, одновременно эксплуатируя и прославляя процессы товарного фетишизма и символического обмена, присущие постмодерну».
6. Синие Цветы и Черепа (Blue Flowers & Skulls), 2012
Смерть и юность сталкиваются в этой работе, где улыбающиеся маргаритки и черепа с огромными глазами заполняют плоскость картины и хаотично сливаются воедино благодаря синей цветовой гамме. Цифровые цветы напоминают жёлтый «смайлик» и компьютерную графику видеоигр. Мураками раскрывает более мрачное прочтение этих жизнерадостных цветов, направленное прямо на современное общество. Роль черепа в истории западного искусства всегда заключалась в функции memento mori — напоминания о собственной неизбежной смерти. Это также совпадает с японской буддийской концепцией «Сёгё мудзё» (Shogyo mujo), что примерно переводится как «Всё непостоянно». Мураками интерпретирует эту поговорку как означающую отчасти то, что, в конце концов, «все умрут, так что не стоит беспокоиться».
Хотя эта работа выглядит невероятно современной как по стилю, так и по содержанию, процесс её создания через серийное производство и использование компьютерных баз данных векторных рисунков напрямую связан с культурой копирования в доиндустриальной Японии. Западные критики считали эту культуру уничижительной и лишённой уникальности. Однако, когда в Японии было принято понятие «бидзюцу» (букв. «изящные искусства», концепция, заимствованная с Запада в период Мэйдзи), культура копирования была принята и провозглашена легитимной формой искусства. Мураками возрождает традиционные концепции совместного творчества, выражения и исполнения, противопоставляя их западному модернистскому представлению о художнике как об единоличном гении, как отмечает историк искусства Кристен Шарп. Эта работа отражает многие живописные, инсталляционные и скульптурные проекты Мураками, в которых улыбающиеся маргаритки и черепа повторяются в его обширном творчестве; в его навязчивом повторении этих мотивов, его более мрачные и подрывные темы расширяются и переосмысливаются снова и снова, до визуального истощения. Именно этого Мураками и добивается.
7. 500 Архатов (The 500 Arhats), 2012
Гротескно изображённые старики, цепочки из мелких человеческих фигурок и изображения китайских хранителей четырёх небесных направлений — синего дракона (восток), белого тигра (запад), красной птицы (юг) и чёрной черепахи (север) — подавляют зрителя в этой монументальной работе длиной более 100 метров и высотой около 3 метров.
Эти старики — архаты (arhats), что примерно переводится как «достойный» и означает буддийских монахов, достигших просветления. Однако эти архаты выглядят коварными и почти зловещими, нависая над зрителем в натуральную величину и бросая сомнительные взгляды. Мелкие фигуры у основания картины — это те, к кому архаты хотят обратиться, — буддийские последователи. Мураками столь же беспощаден и в их изображении, предлагая тревожную инверсию красоты и безмятежности, обычно ассоциирующихся с желанным состоянием просветления. Их скелетообразные фигуры, сгорбленные тела и красные от усталости глаза выдают глубокий цинизм Мураками.
Название отсылает к японской легенде, согласно которой 500 буддийских монахов во главе с почитаемым китайским священником помогли распространить буддизм по всей Японии. Также для этой работы важна увлечённость Мураками периодом Хэйан (794–1185 гг. н.э.) в Японии, когда страну сотрясали многочисленные землетрясения и цунами. В ответ на эти стихийные бедствия буддийские монахи создавали произведения искусства для утешения пострадавших. Эти произведения изображали тех же небесных хранителей и архатов, что и в этой гигантской работе. Именно эту традицию создания искусства для жертв стихийных бедствий Мураками продолжает и переосмысливает в этой работе: картина была задумана после 11 марта (3/11) — землетрясения в Японии в 2011 году. Землетрясение и последовавшее за ним цунами убили в Японии более 15 000 человек, а также вызвали расплавление активной зоны 7-го уровня на АЭС «Фукусима-дайити». Это вынудило эвакуировать сотни тысяч жителей.
Мураками набросал идею сразу после 11 марта, передал её сначала команде исследователей, а затем своим помощникам, которые сделали более 1000 эскизов работы. Для завершения работы потребовалось более 200 человек, работавших посменно 24 часа в сутки. Мураками заявляет:
«Я считаю эту стометровую картину эквивалентом тех исторических работ. Это картина-утешение и способ для меня понять своё место в природе и истории».
Эта работа знаменует веху в карьере Мураками, исследуя темы религии, смертности и ограниченности человеческих возможностей перед лицом стихийного бедствия.
Мураками вдохновлял и лично наставлял следующее поколение японских художников. Он называл себя гуру поколения куриэйта (творцов), молодых людей двух "потерянных десятилетий" Японии 1990-х и 2000-х годов, которые выросли в обществе, переживающем упадок. Обращаясь к своим последователям в Японии, он заявил, что его миссия - одурачить Запад и разрушить японскую художественную систему.
Мураками также является активным наставником начинающих японских художников, нанимая их на свои фабрики, курируя выставки их работ и написав эссе, в которых их работы рассматриваются в контексте наследия современного японского искусства. Среди протеже Kaikai Kiki Co. - Тихоа Аошима, Чинацу Бан, Аканэ Коидэ, Махоми Куниката, мистер Рей Сато и Ая Такано, чье активное присутствие в мире японского искусства определяет ландшафт японского искусства в 21 веке. Несмотря на противоречивый прием его работ, чередующийся между глубоким презрением и откровенным торжеством, Superflat стал доминировать в мировом представлении о современном японском искусстве.
Источники:
1. Kaikai Kiki Official Website
2. "Метод Мураками" Автор: Артур Любоу / New York Times / 3 апреля 2005 г.
3. "Потребление отаку, искусство в стиле Суперфлэт и возвращение к традиционному образуют жизни"
Автор: Марк Стейнберг / Японский форум / 2004
4. Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture
🎨 Если статья была вам интересна, то прошу поставить лайк или написать комментарий. Мне интересно знать ваше мнение.
👉 Поддержка канала.