У каждой страны есть свои исконные промыслы и ремёсла. Россия, конечно же, не исключение.
На самом деле чего-то исконно нашего намного больше, че Топ-10 представленный в статье. Но на то топ есть топ - показать самое ключевое и основное. А потому, не мудрствуя лукаво, начнём наше мини-путешествие по основным материальным отражениям нашей культуры.
1. Гжель — синяя магия на белом фоне
Гжель — визуальная поэзия на фарфоре, в которой каждый мазок — словно строчка из стихотворения, написанного кистью. И хотя принято считать, что гжельская роспись появилась в 1944 году, это миф.
Гжель как промысел существовала веками. В архивах сохранились документы с XVII века, где упоминается добыча глины в сёлах Гжельской волости под нужды изготовления расписной посуды. А в XVIII веке здесь уже работали гончарные мастерские, производившие посуду для крестьян — глиняные горшки, кувшины, миски.
Узоры гжели — это код. В них зашифрованы символы: «агашка» (роза), «гребешок», «лапка», «рогожка».
Углубимся хотя бы в один из символов. К примеру, роза в крестьянской культуре символизировала женскую красоту, плодородие, любовь. А имя Агафья — одно из самых распространённых в деревнях. Когда художница рисовала «агашку», она, возможно, думала о себе, о матери, о соседке. Так личное становилось всенародным.
2. Хохлома — золото, которого нет
Хохлома — это обман зрения. Золото, которое не течёт, не крошится, не тускнеет. Золото, сделанное из глины, льняного масла и железного купороса. И при этом — более яркое, чем настоящее. Этот промысел — гениальный пример того, как бедность порождает изобретательность.
В XVII–XVIII веках на севере Нижегородской губернии, в районе села Хохлома, жили староверы. Им запрещалось использовать драгоценные металлы в церковных предметах. Но желание украшать не исчезало. Тогда они начали покрывать деревянную утварь специальным составом, придающим золотистый блеск.
Основа — льняное масло, которое долго кипятили с железным купоросом. После нанесения и многократного обжига оно полимеризовалось, образуя прочную, блестящую плёнку. Поверх — роспись: красные ягоды, зелёные листья, чёрные контуры.
Название «Хохлома» — скорее географическая метка. Само одноимённое село не было центром производства. Туда свозили изделия с окрестных деревень на ярмарку. А покупатели говорили: «Привезли из Хохломы». Так и закрепилось.
3. Сергиев-Посадская матрешка
Если бы в конце XIX века кто-то сказал, что деревянная кукла, выточенная по заказу частной игрушечной мастерской, станет национальным символом страны, его бы сочли фантазёром. Но именно так и произошло. Матрешка — не древний оберег, не наследие языческих времён, не артефакт крестьянской культуры. Это продукт эпохи модерна, смеси европейской эстетики и русской фантазии. Её корни — не в лесах Подмосковья, а в Японии.
В 1890-х годах в московской керамической мастерской «Детское воспитание» под руководством художника Сергея Малютина начался эксперимент: создать игрушку, которая бы не только забавляла, но и учила. В японской культуре существовала игрушка — дарумашти, фигурка монаха-буддиста, внутри которой прятались меньшие фигурки, наглядно демонстрируя тот факт, что у всего есть скрытая суть и начинка.
Идея «вкладывания» была не нова, но в России её переосмыслили. Малютин нарисовал женщину в платке, с яблоками в руках — типичную представительницу русской деревни в парадной одёже. Имя выбрал тоже символическое — Матрёна, производное от латинского mater — «мать». Кукла олицетворяла плодородие, материнство, семейную иерархию.
Токарь Василий Звездочкин выточил первую матрешку из липы. Внутри — пять фигурок, последняя — младенец. Так родился чисто русский архетип: женщина, вмещающая в себя целое поколение.
В 1900 году на Всемирной выставке в Париже матрешка вызвала ажиотаж. Её покупали как экзотику, как символ Руси. Но самое интересное — в России она тогда была почти неизвестна. Лишь в 1920-е годы, при Советской власти, матрешка стала массовым продуктом. Её начали использовать как идеологический инструмент: внутри — Ленин, потом — Троцкий, потом — Сталин. Позже — космонавты, герои труда, персонажи сказок и так далее.
4. Палехская миниатюра — икона, ставшая шкатулкой
Палех — это деревня в Ивановской области, ставшая центром одного из самых изысканных промыслов в мире. Но началось всё с икон. До революции здесь жили иконописцы, работавшие на монастыри и храмы. Они знали тонкости темперной живописи, умели смешивать пигменты с яичным желтком, передавать свет, движение, духовность.
После 1917 года храмы закрывались. Иконопись объявили пережитком. Мастера оказались без работы. Но в 1924 году группа бывших иконописцев, во главе с Иваном Голиковым, решила не сдаваться. Они перенесли свои навыки на другой материал — лаковые шкатулки, броши, панно. Так родилась палехская миниатюра.
Техника — уникальна. Основа — деревянная заготовка, покрытая лаком. Затем — роспись темперой. Но не просто роспись, а многоплановая, с прозрачными слоями, как в иконописи. Фон — чёрный, как космос. Фигуры — объёмные, с тонкой проработкой одежды, лиц, жестов. Сюжеты — из сказок, былин, Библии, а позже — из советской действительности.
5. Дымковская игрушка — голос древней Вятки
В XVI–XVIII веках на Вятке существовал праздник Свистопляска — весенний обряд, связанный с пробуждением природы. Люди выходили на луга, пели, плясали, дули в свистульки. Эти свистульки — первые дымковские игрушки. Их делали из речной глины, обжигали в кострах, расписывали яркими красками. Свистулькам давали какую-то форму ради забавы — крестьяне, скоморохи, лошади, птицы. Всё, что окружало человека.
Праздник исчез, но игрушки остались. Почему? Потому что они несли в себе не только развлечение, но и смысл. Женщины, лепившие их, передавали через образы свои мечты, страхи, наблюдения. Крестьянин с бочонком — символ достатка. Лошадь с ребёнком — надежда на будущее. Скоморох — свобода от правил.
Особенность дымковской игрушки — её неповторимость. Каждая фигурка — уникальна. Даже если мастер делает серию, жесты, выражение лица, узоры — всегда разные. Расписывают игрушки быстро, наспех, кистью или пальцем. Цвета — белый, красный, жёлтый, зелёный, чёрный. Никаких трафаретов. Никакого планирования. Только интуиция.
6. Вологодские кружева — тканое великолепие
История начинается в XIX веке. Помещики, возвращаясь из Европы, привозили образцы французских и брюггских кружев. И приказывали крепостным копировать. Но крепостные девушки не только копировали, но и улучшали изначальный материал. Делали узоры тоньше, ажурнее, сложнее. Через несколько десятилетий вологодские кружева стали превосходить европейские по качеству.
Ключевая особенность — поперечное плетение. В отличие от других техник, где узор и фон соединяются, в вологодском кружеве они чётко разделены. Фон — редкий, геометричный. Узор — плотный, объёмный. И при этом — всё сделано из одной нити. Никаких узлов, никаких обрывов.
Самый знаменитый мотив — снежинка. И не случайно. Зимой окна в Вологде покрываются причудливыми узорами. Мастерицы смотрели на них и переносили на кружево.
7. Ростовская финифть — эмаль, в которой горит свет
Ростовская финифть появилась в XVIII веке в Ростове Великом. Мастера украшали церковные предметы — оклады икон, кресты, хоругви. Техника — прозрачная эмаль на чеканке. Сначала на медной пластине чеканкой наносился рельеф. Затем — заполнение углублений эмалью. После обжига — прозрачный слой, сквозь который виден рисунок. Эффект — как у витражей, но в миниатюре.
Цвета — глубокие, насыщенные. Синий, красный, зелёный, белый. Особое значение — золотому фону.
8. Жостовская роспись — цветы, которых нет в природе
Техника — масляная живопись на кованом железе. Основа — поднос, выгнутый вручную. Затем — несколько слоёв грунта, шлифовка, нанесение краски. Каждый слой — тоньше предыдущего. Последний — полупрозрачный, как кожа. После — лакировка. Итог — объём, блеск, глубина.
Композиции: розы, хризантемы, маки, лилии — всё вместе, в одном букете. Листья — как живые, с прожилками, тенью. Но масштаб сознательно нарушен, ибо цветы больше, чем в природе. Их лепестки — как бархат, как шёлк.
9. Оренбургские платки — воздух, сплетённый в шерсть
Всё дело в пухе. Оренбургские козы — уникальная порода. Их пух — тоньше кашемира, мягче шелка. Диаметр волоса — 16–18 микрон (у человека — 70). И вырастает он только в суровых условиях Урала. Морозы, ветер, скудная растительность — всё это влияет на структуру шерсти. Попытки разводить коз в других регионах — в Казахстане, Франции, Канаде — провалились. Пух терял свои свойства.
Платки плетут вручную. Узор — ажурный, геометрический. Но не строгий. Каждый платок — как снежинка: похож, но уникален. Процесс — медленный. Один платок — до 4 месяцев работы.
В 1851 году оренбургский платок представили на Всемирной выставке в Лондоне. Его сравнивали с паутиной, с туманом, с дыханием ангела. С тех пор он — в коллекциях музеев мира.
10. Холмогорская резная кость — искусство, вырезанное в памяти
Холмогорская резьба — это самый древний из всех промыслов. Ему больше 400 лет. И её корни — в арктической культуре. Северяне, охотясь на моржей, использовали всё: мясо, жир, кожу. А кость — шлифовали, резали, превращали в инструменты, украшения, обереги.
В XVII веке резьба по кости стала искусством. В селе Холмогоры Архангельской губернии работали мастера, которые вырезали сложные узоры: ветви, ягоды, рыбы, птицы. Техника — сквозная резьба. Кость просверливается, выдалбливается, шлифуется. Получается объёмный, ажурный рисунок.
Интересно, что в 1694 году царь Пётр I посетил Холмогоры. Он увидел резную кость и приказал развивать промысел. Так холмогорская резьба попала в Москву, а потом — в Европу.
С уважением, Иван Вологдин.
Подписывайтесь на канал «Серьёзный подход», ставьте лайки и пишите комментарии – этим вы очень помогаете в продвижении проекта, над которым мы работаем каждый день.
Так же обратите внимание на ещё один мой канал «Танатология». Уверен, он вам очень понравится.