Что такое «Искусство» и как это понятие сформулировать?
Так уж получилось, что человек многое «домысливает» в том виде, в каком он это сам понимает. Т.е. существует «внутреннее представление человека» обо всем, что его окружает: о красоте, здоровье, искусстве, живописи, вкусе и т.п. Человек часто не задумывается над тем, что скрывается под тем или иным «буквосочетанием» трактуя его так, как он себе САМ представляет, и это очень часто кардинально отличается от «общепринятого» представления о предмете рассуждения.
Поэтому для нас так важны «формулировки», которые точно описывают и формулируют тот или иной «объект рассуждения» для того, чтобы говорить «на одном языке» и убеждаться в том, что два или более человек говорят об одном и том же. Иначе получится как в том анекдоте «Про слепцов и слона», когда один утверждал, что «Слон он как веревка или змея!», другой, что «Слон он как большой плоский блин!», а третий, что «Слон он как большой и толстый столб!». При этом они самого слона «не видели», а только «щупали», причем один щупал его за хвост, другой за ухо, а третий обхватывал руками ногу слона. А при этом сам слон не был ни первым, ни вторым, ни третьим… Представьте, что бы получилось у них при ОБЩЕМ обсуждении слона, если у каждого из них представление о нем кардинально отличается от реальности.
Обсуждение какого-то «объекта» всегда должно начинаться с уточнения «формулировки», с выяснения того, что именно человек понимает под каким-то «термином», что именно он «имеет ввиду» когда употребляет какой-то «термин». То есть речь идет о том, что сначала надо прийти к общей формулировке какого-то объекта или субъекта, и только потом начинать рассуждать о нем самом.
Очень показателен в этом плане Дед Щукарь из «Поднятой целины» который был подслеповат, но любил читать «Словарь», в котором различал лишь само слово, написанное крупно, а толкование его по малости шрифта уже не видел:
- «Вот вы про ученые слова мои спрашивали, про словарь, а там пропечатано так: одно слово ученое пропечатано ядреными буквами, их я могу одолевать и без очков, а супротив него мелкими буковками прояснение, то есть - что это слово обозначает. Ну, многие слова я и без всяких прояснений понимаю. К примеру, что означает: "монополия"? Ясное дело - кабак. "Адаптер" - означает: пустяковый человек, вообче сволочь, и больше ничего. "Акварель" — это хорошая девка, так я соображаю, а "бордюр" - вовсе даже наоборот, это не что иное, как гулящая баба, "антресоли" крутить — это и есть самая твоя любовь, Агафон, на какой ты умом малость тронулся, и так дале.»
Вот так и многие из нас употребляют какой-то термин, а что точно он означает не знают и начинают «додумывать».
Сколько бы ни ломали копья о том «Что такое искусство?», получается, что каждый это формулирует по-своему, так как именно он сам его понимает, при этом не заглядывая ни в какие справочники внося таким образом еще большую сумятицу в среду обсуждающих этот вопрос. Если начать диспут на эту тему, то найдется куча ораторов, которые в конце-концов просто поубивают друг-друга отстаивая правоту именно своей формулировки термина «Искусство».
Лично у меня формулировки такие:
- Искусство— способ образного отображения действительности, представляющий собой творческое воспроизведение мира в художественных образах.
- Объекты искусства — истины, справедливость которых не доказуема логически.
То есть случае в искусстве должен присутствовать «образ»!
Не прямой текст – «веселье», а создание какого-то «образа», который вызывает это «веселье» как эмоцию. Не слова «Бойся! Страшно!!!», а создание атмосферы или образа, который вызовет этот «Страх».
При этом самым важным аспектом является не «О чем говорится», а «Как говорится», не «Что изображено», а «Как именно изображено». Следовательно я первым делом пытаюсь разглядеть именно «образ», которым художник хочет до меня донести эмоцию, вызвать какое-то чувство. Если «образ» отсутствует, или присутствует «прямое повествование» вместо «образа», я не считаю это «искусством». Все просто.
Насмотренность и знание предмета
В изобразительном искусстве очень много означает «насмотренность» человека. Можно сколько угодно рассказывать, показывать жестами и т.п., но, если при этом не «увидеть самому», то никакие рассказы не принесут никакой пользы. Получится как в том анекдоте, где два еврея разговаривают друг с другом:
- Знаешь, а мне не понравился Битлз!
- Изя! А ты его слышал?
- Ну да! Мне Мойша напевал.
Для того, чтобы «увидеть» изобразительное искусство, желательно смотреть на него в подлиннике, в картинной галерее, на выставке, регулярно просматривать тематические журналы и т.п., при этом лучше именно «изучить» его появление и историю, основные принципы и отличия от других стилей и способов передачи «образов». Насмотренности много не бывает. Чем больше человек за свою жизнь увидел, тем большая у него база данных для сравнения того, что он видит сейчас, с тем, что он видел раньше. И назначение этого «журнала» - именно увеличить «насмотеренность» его читающег и одновременно «закрыть пробелы в знании вопроса».
Отступление от темы
Я, когда интересовался оперными голосами, переслушал «очень много кого», и расскажу о вопросе на примере арии Лауретты «О Мио Бамбино Каро» Пуччини. Я сравнивал исполнение Анны Нетребко с исполнением Монсерат Кобалье, Рене Флеминг и т.п. Создалось впечатление и образ, сформировавшийся на том, что я слышал. Но полное переосмысление этого произведения Пуччини пришло после «разбора» выступления Амиры Виллигхаген, голландской певицы-самоучки на фестивале Эндрю Рьё в нидерландском Маастрихт-е в 2014 году.
Дело было в том, что я раньше слушал чисто «вокал» не вникая ни в либретто, ни в смысл текста этой оперной партии, таким образом из-за «неверной начальной информации» создал себе «образ», который сформировался исходя только из вокальных данных исполнителя.
Вот, к примеру, как исполняет эту арию Монсерат Кобалье (посмотрите сначала):
А теперь давайте вникнем в либретто «Где и о чем»:
Это ария Лауретты, дочери Джанни Скикки, в которой она поёт отцу о своей любви к Ринуччо, с которым они не могут пожениться из-за отсутствия приданого. Дело происходит во Флоренции и в тексте упоминаются известные места Флоренции «Порта Росса» и «Понте Векью» и «река Арно», датее текст:
- О, мой папочка дорогой,
- Он мне нравится, он красив, красив,
- Хочу пойти на Порта Росса
- И купить себе обручальное колечко!
- Да, да, я хочу пойти туда!
- И если я люблю напрасно,
- Пойду к Понте Веккьо,
- Чтоб броситься в реку Арно!
- Я мучаюсь и страдаю!
- Боже, хочу умереть!
- Папа, пожалей, пожалей!
- Папа, пожалей, пожалей!
Как видим, повествование идет от лица молоденькой девочки-подростка которая испытывает первую любовь. Вот это улица «Порта Росса»:
А вот «Понта Векью» - знаменитый «Золотой мост» во Флоренции около галереи Уфицци под которым протекает река «Арно» (где прямо с моста можно рыб кормить):
А вот ария Лауретты в исполнении Амиры Виллигхаген в нидерландском Маастрихт-е в 2014 году:
https://vk.com/video172317017_456239030
И вот, лично у меня, возникает «несвязуха» между образом «девочки-подростка» в состоянии первой любви, которая не может сходить на торговую улицу и купить себе колечко из-за бедности семьи. Она очень переживает по этому поводу и собирается даже броситься вот в эту реку.
Одновременно возникает образ «дородной дамы в годах» с весом и фигурой Монсерат Кобалье! И первое, что мне приходит в голову, это вопрос:
- «Вот если Моснерат Кобалье бросится в эту реку, река выйдет из берегов, или нет?»
Почему-то при просмотре арии в исполнении Амиры у меня таких вопросов не возникает.
Вот что означает «знание темы» в искусстве, хоть в изобразительном, хоть в любом другом. Не зная чего-то, и не обладая необходимой информацией можно просто не понять того, что изображено или спето, так как происходит «неверное толкование образа» и его искажение!!! Что очень хорошо видно по несовместимости визуального ряда исполнения Монсерат Кобалье с тем, О ЧЕМ и ОТ ИМЕНИ КОГО она «создает образ»!
Вот именно поэтому нужно знать историю и причины появления чего-то нового в искусстве, понимать причину возникновения нового, ведь «просто так» только кошки рождаются.
Ну, оперное отступление закрыли
Продолжу на другом примере, в частности - причины возникновения импрессионизма в изобразительном искусстве.
До второй половины XIX века живопись находилась в жёстких академических рамках. Для художников необходимым условием было владение своей мастерской. В ней, кроме самих полотен и станков производилось изготовление красок, растирались минералы, которые потом смешивались с маслами прямо на палитре, мешались разные цвета для получения оттенков и т.п.
Краска быстро засыхала и время работы художника (непосредственно письма) ограничивалось временем загустевания и засыхания красок на палитре, после которого приходилось «намешивать» новую порцию красок. Все эти ступки с пестиками и минералы (камни) с собой особо не потаскаешь, для организации такого производства и требовалась мастерская.
Если вы заметите, то примерно до 19 века все картины писались «по угольным наброскам», «по памяти» или при долгом, многими днями и часами позирования модели именно в мастерской или в помещении для этого предназначенном.
Было просто технологически нереально выехать «на пленер на природу», поскольку с собой необходимо было тащить огромное количество инструмента для приготовления красок.
Но все вдруг изменилось с появлением элементарного сегодня ТЮБИКА с краской. В 1841 Джон Гофф Ренд, американский художник, запатентовал прообраз современной тубы (тюбика) для хранения краски.
Появление тюбика с краской значительно изменило мир художников, в частности:
- Сделало живопись доступной. Художники больше не были привязаны к своим студиям, появилась возможность работать на пленэре.
- Обогатило цветовую палитру. Были созданы новые краски и открыты новые цвета, что принесло в общей сложности более 90 тонов.
- Позволило использовать технику размашистых мазков. Благодаря краскам лучшего качества импрессионисты и другие художники смогли в полной мере применять эту технику.
- Избавило от необходимости изучать сложные технологии. Художникам больше не нужно было изучать химические особенности растворителей и связующих веществ, технологии изготовления пигментов.
- Привело к стилистическим изменениям. Краска из тюбика была более пастозной и вязкой, что потребовало изменений в технике написания картины. В частности, это способствовало появлению импрессионизма.
Теперь художник мог быть отвязан от мастерской и от процесса приготовления красок. Их можно было купить уже готовыми, взять с собой (в тюбиках они ведь не засыхали!) и выехать куда угодно. Главным инструментом художника и его студией стал мольберт. И человек мог спокойно рисовать уже на природе, рисовать окружающий его мир, который до этого был от него отсечен стенами мастерской.
Но природа быстротечна, цвет быстро опадает, освещение меняется со временем дня, облака не будут стоять на месте ожидая пока художник закончит свою работу. Требовалось ускорить процесс завершения картины.
Это раньше можно было писать в мастерской одну картину месяцами, никуда она не убежит. А теперь ситуация изменилась, надо было успевать за временем. И появился «импрессионизм».
Да, да. Он появился всего лишь из-за того, что появился «тюбик», а не по какой-то ной причине. И именно в эту эпоху появилось большое количество БЕДНЫХ художников. Краски в тюбиках сделали живопись доступной каждому. Художники больше не были прикованы к определенному месту, соответственно в мастера художественного искусства пошли все, кому не лень. Надобность знать, как смешивать различные компоненты, чтобы получить краску – отпала.
Это раньше художественное творчество держалось в рамках академической школы, которые обладая огромными ресурсами держали в узде остальных, фактически диктуя что и как стоит рисовать, поскольку выставочными залами владели именно академии, и именно они диктовали что именно в них выставлять.
Теперь ситуация изменилась. Купить тюбики и рисовать мог теперь кто угодно, и выставляться он мог хоть на улице, академия уже никак не могла ему диктовать. И появилось много «отклонений» от академического стиля живописи.
Появился «мастихин»:
Появилась техника рисования мастихином. Это когда краска наносится грубыми мазками (а не кистью). Кто-то даже прямо из тюбика прямо на полотно краску выдавливал:
Для художника стало ценностью не «детально и тонко прорисовать рисунок» (как в академической среде), а «передать настроение», «цветовую гамму», «сделать узнаваемым объект по минимуму его деталей» и т.п.
То есть появился процесс создания «образа», который в свою очередь «вызывает ассоциации» и «создает эмоцию», что и стало считаться целью «искусства».
А старое, академическое наследие тоже никуда не исчезло, оно существует, но вот термином «искусство» оно называться не может, ему более подходит термин «мастерство». Так что не стоит путать эти два понятия: «мастерство» и «искусство», к=поскольку во втором случае необходимо наличие именно «образа» для передачи эмоции. А «технически грамотно нарисованная картинка» является всего лишь «техникой рисования», не более. Как и «техника мастихина», «техника акварели» (прозрачная краска) и т.п.
Руководствуясь новыми, научными понятиями законов оптики масляные непрозрачные краски стали применять по-другому. Вместо из смешивания на палитре, когда при смешении они теряли яркость, стали применять технику, когда две краски, наносились рядом друг с другом, и как следствие усиливали друг друга, а смешиваемые — теряли яркость. Создание сложных, переливающихся цветов. Этого достигали минимальным смешением красок и нанесением мазков разного цвета рядом. Нанесение влажной краски. Последующие слои наносили, не дожидаясь высыхания предыдущих, что приводило к более мягким краям и смешиванию цветов.
Техника «оптического смешения». Суть техники: на полотно рядом клались два чистых цвета, не будучи предварительно смешаны на палитре художника. Предполагалось, что глаз зрителя сам составит тот цвет, которого добивался живописец.
Кто-то ударился в «минимализм». Теория минимализма в живописи (минимал-арт) предполагает стремление к простоте, ясности и материальности. Художники отказались от композиционной и колористической сложности, наслоения образов, детализации и субъективизма. Их интересовало не то, что работа «говорит», а чем она является как объект, как поверхность, как пространство. Главный принцип минимализма — «меньше значит больше». Художники сосредоточились на чистоте цвета, линии и формы, избегали личных жестов, нарочитой символики и сложных сюжетов. Главное условия – опознание того что изображено по минимум представленных деталей.
Появился «сюрреализм». В основе сюрреализма лежит интерес к иррациональному — всему тому, что нельзя объяснить с помощью разума. Как сновидение — это результат работы подсознания, и образы в живописи подсознательного вырываются на свободу. Отсюда рождаются странные, противоречивые комбинации образов.
Принцип сюрреализма в живописи — выход за рамки реальности, отражение снов, фантазий и мыслей из подсознания. Художники-сюрреалисты создают необычные, порой фантастические образы, словно вырванные из сна или воображения. Некоторые черты направления: парадоксы в сочетании форм, размеров и цветов. Например, «жидкие» камни, животные с удлинёнными конечностями, люди без лица — будто герои и предметы выпали из сна. Аллюзии и визуальный обман. Предмет может оказаться не тем, чем кажется на первый взгляд. Внешняя фантасмагория сюжетов. На первый взгляд, работа выглядит как визуальный бред, но на самом деле у каждого предмета есть объяснение, основанное на внутренних страхах и желаниях художника.
Это то, что касается живописи. Огромное количество стилей, и любое произведение независимо от его стиля может являться «искусством», если эмоция доносится до человека путем создания «образа», и задача художника – этот образ «создать», а не просто «нарисовать картинку как она есть в действительности».
Ну вот я и описал свое представление о термине «искусство». Оно не только мое – это именно «общепринятая формулировка» термина «искусство». Еще раз ее напомню в конце:
- Искусство — способ образного отображения действительности, представляющий собой творческое воспроизведение мира в художественных образах.
- Объекты искусства — истины, справедливость которых не доказуема логически.
Постскриптум:
Посмотрим по комментариям, интересна ли читателю поднятая тема. Если подобные «изыскания» и «углубления в историю» читателю интересны, тоя продолжу публикацию материалов на тему «изобразительное искусство».
Удачи!