Джеймс Эбботт Макнил Уистлер (1834-1903) – одна из ключевых фигур в современном искусстве и предтеча постимпрессионизма, прославившаяся новаторской манерой живописи и эксцентричным характером. Его картины, офорты и пастели воплотили современную склонность к созданию «искусства ради искусства» – принципа, отстаиваемого Уистлером и другими участниками эстетизма.
Уистлер отошел от реализма Гюстава Курбе и выработал собственную узнаваемую манеру. Ограничивая палитру и тональный контраст, а также искажая перспективу, Уистлер продемонстрировал новый композиционный подход, подчеркивающий плоскостные, абстрактные качества картины.
Уистлер давал своим работам (или переименовывал их), используя термины вроде «симфония», «аранжировка» и «ноктюрн», чтобы провести аналогию между музыкальными нотами и вариациями цветовых тонов. Эти более абстрактные названия призваны были сосредоточить внимание зрителя на работе художника с красками, а не на сюжете изображения.
Уистлер был преданным сторонником эстетизма, пропагандируя идею «искусства ради искусства» через свои сочинения (например, «Изящное искусство создавать врагов», 1892). Он также способствовал формированию новых концепций прекрасного, используя нетрадиционных моделей, напоминающих прерафаэлитов, и, что особенно важно, интегрируя японскую эстетику в свои фантазийные композиции.
Подобно тому, как «Павильон реализма» Курбе поставил под сомнение авторитет Французского Салона, судебный иск Уистлера по обвинению Джона Рескина в клевете, а также другие его меры против критиков, не разделявших его взглядов, вдохновили современных художников (включая импрессионистов) искать выставочные площадки и поддержку за пределами традиционных художественных институтов.
Значительные работы Джеймса Уистлера:
1. Симфония в белом № 1: Белая девушка, 1862
Первоначально названная «Белая девушка», эта картина изображает молодую женщину – любовницу и модель Уистлера Джоанну Хиффернан – с длинными струящимися рыжими волосами в простом белом платье из батиста. Она стоит на медвежьей шкуре схожего цвета, сжимая в руке белый цветок; ее отрешенный взгляд придает ей кукольный вид. Уистлер обращается с ней как с игрушкой, поскольку художника здесь меньше заботит точность портретного сходства, чем использование холста для исследования тональных вариаций. То, что Уистлер позже переименовал картину в «Симфонию в белом № 1: Белая девушка», чтобы привлечь внимание к оттенкам белого и предложить сравнение их с музыкальными нотами, подтверждает эту цель.
Картина была первой работой, принесшей художнику подлинную известность. Отвергнутая Лондонской Королевской академией и Салоном Французской академии за неуместный сюжет, намекающий на утрату невинности, картина была выставлена в «Салоне отверженных» в 1863 году, где вызвала восхищение Эдуарда Мане, Гюстава Курбе и Шарля Бодлера. «Симфония в белом» знаменует переход Уистлера от подражания реализму Курбе к выработке собственного абстрактного стиля, в котором он сосредоточился на использовании тонких цветовых вариаций, фактуры и тщательного баланса форм для передачи настроения.
2. Гармония в синем и серебряном: Трувиль, 1865
Одинокая фигура стоит на пляже, глядя на водные просторы. Взгляд фигуры направляет нас к двум парусникам справа от центра вдоль высокой линии горизонта. Бородатый мужчина на берегу – друг художника, художник-реалист Гюстав Курбе, сопровождавший Уистлера в Трувиле в 1865 году, когда создавалась картина. Первоначально названная «Курбе - на морском берегу», позже Уистлер изменил название, отражая растущий интерес к ассоциации своих картин с музыкальными композициями. Фигура и пейзаж почти растворяются в размытых цветовых пятнах.
Картина отдает дань уважения Курбе, глубоко повлиявшему на раннее становление Уистлера, но также сигнализирует об отходе художника от реализма Курбе в сторону эстетизма. «Трувиль» не несет ясного смысла или морального посыла. Она демонстрирует эксперименты Уистлера с цветовыми тонами и техникой нанесения краски для достижения визуальной и чувственной стимуляции. Идея о том, что гармония цвета, настроение и красота формы важнее самого сюжета, лежала в основе принципа «искусство ради искусства» – гордого девиза эстетизма, ведущим пропагандистом которого стал Уистлер.
3. Аранжировка в сером и черном № 1: Портрет матери художника, 1871
Более известная как «Портрет матери художника», картина изображает Анну Макнил Уистлер в длинном черном платье и простом белом кружевном чепце, сидящую в профиль, пристально смотрящую вперед и держащую в руках белый платок. На стене позади нее видна репродукция картины Уистлера «Вид на Темзу». Цветочный узор в японском стиле на портьере слева указывает на известный интерес художника к японской эстетике. Стилизованная подпись-бабочка Уистлера едва заметна в правом верхнем углу. Композиция кажется простой, хотя на самом деле в ней соблюден тщательный баланс форм: например, прямоугольные очертания картины на стене, портьеры слева и пола стабилизируют фигуру сидящей.
В 1891 году картина стала первым произведением американского художника, приобретенным французским правительством. Это укрепило репутацию Уистлера и помогло ему заручиться поддержкой богатых американских покровителей. Считаясь иконой живописи, «Портрет матери художника» – одна из немногих работ (наряду с «Криком» Эдварда Мунка и «Американской готикой» Гранта Вуда), которые ценятся художественной элитой и при этом находят отклик у широкой публики без излишних объяснений. Ее чаще всего интерпретируют как символ материнства, траура (из-за использованных цветов) или американского пуританского стоицизма (из-за одежды модели).
4. Ноктюрн: Синий и золотой - Старый мост Баттерси, ок. 1872-75
«Ноктюрн: Синий и золотой - Старый мост Баттерси» изображает ночной вид на Темзу в Лондоне. Опора моста Баттерси возвышается на переднем плане, вдали видны башня Старой церкви Челси и недавно построенный Альберт-бридж. За мостом фейерверки рассыпаются цветными брызгами в небе. Чтобы писать эти картины, Уистлер вечерами плавал на лодке по реке, делая наброски. Он полагался на память и эти эскизы, создавая тонко написанные, атмосферные сцены тишины и покоя.
Восхищение художника японской эстетикой очевидно в композиционном сходстве с гравюрой Кацусики Хокусая «Под мостом Маннен в Фукагаве» (ок. 1830-34), одного из любимых мастеров укиё-э Уистлера. Эта работа считается «самой японской» среди его «ноктюрнов» из-за упрощенных силуэтных форм, создающих двухмерную плоскостность композиции.
Получив название «ноктюрн» после того, как богатый судовладелец и покровитель Фредерик Лейланд описал его именно так, «Старый мост Баттерси» представляет вариации синего с золотыми оттенками. Склонность Уистлера к размытию форм и акценту на тонких тональных различиях делает его «ноктюрны» одними из первых экспериментов в абстракции. Они заинтересовали его друзей-импрессионистов, исследовавших отношения между цветами, и повлияли на французского композитора-модерниста Клода Дебюсси, создавшего в 1899 году оркестровую композицию «Три ноктюрна».
5. Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета, 1875
Последний из ноктюрнов Уистлера и один из шести, изображающих лондонские сады Креморн, «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» (1875) представляет взрыв фейерверка в ночном небе. Вместо конкретного изображения художник передает эффект фейерверка над рекой. Тем самым он успешно улавливает ощущение волнения и праздника. Написанная свободно, широкими мазками темно-синего и зеленого, прерываемыми мелкими вспышками ярких цветов, композиция воплощает эстетический принцип «искусства ради искусства», передавая то, что Уистлер описывал как «мечтательное, задумчивое настроение», а не ясный нарратив.
6. Гармония в синем и золотом: Павлинья комната, 1876-77
Шедевр декоративно-прикладного искусства и вершина англо-японского стиля. Созданная как интерьер для демонстрации коллекции фарфора, комната благодаря Уистлеру превратилась в тотальное произведение искусства, предвосхитившее ар-нуво. Конфликт с заказчиком (Фредериком Лейландом) из-за масштаба переделок и оплаты вылился в сатирическую роспись с дерущимися павлинами («Искусство и Деньги»), ставшую символом борьбы художника за творческую свободу. Комната также повлияла на абстрактных экспрессионистов, искавших связь с восточной философией единства с природой.
7. Маленькая Венеция, 1880
«Маленькая Венеция» – одна из более чем пятидесяти гравюр, созданных Уистлером во время его четырнадцатимесячного пребывания в Италии в 1879 году и изображающих город. Здесь Уистлер изображает природные стихии – воду и воздух – доминирующими над относительно небольшим городским пространством. Офорт перекликается с его модернистским подходом к живописи в использовании свободных, экспрессивных линий для передачи эфемерной красоты города, а не его топографической точности.
Художник избегал туристических достопримечательностей, предпочитая запечатлевать малые каналы и обычные кварталы – «Венецию венецианцев». Тем самым Уистлер возвысил художественную ценность этих видов и способствовал созданию новой иконографии города.
Джеймс Эбботт Макнил Уистлер остался в истории не только как создатель «Портрета матери» – одной из самых узнаваемых картин в мире, – но и как бесстрашный новатор, чья борьба за «искусство ради искусства», эстетические открытия и готовность отстаивать свои принципы в суде открыли новые горизонты для художников последующих поколений. Его противоречивая прижизненная репутация, омраченная язвительностью таких критиков, как Рескин, сменилась прочным признанием его как одного из архитекторов современного художественного языка.
🎨 Если материал оказался для вас полезным, отметьте это лайком — это поможет развитию проекта.